Confesso que existe um fator emocional aqui, pois joguei o primeiro game em 2020 durante um período em que experiências menores, mais intimistas e focadas em puzzles estavam começando a ganhar um espaço ainda mais especial no mercado. Call of the Sea tinha seus problemas, mas era um daqueles jogos que ficavam na cabeça pela ambientação e narrativa melancólica.

Por isso, quando Call of the Elder Gods foi anunciado, a sensação inicial foi de surpresa ao ver um novo título maior, mais ambicioso e mais confiante. Sem abandonar as bases do original, a sequência evolui praticamente tudo que funcionava no primeiro título e entrega uma aventura que mistura puzzles inteligentes, conspirações lovecraftianas e uma atmosfera que em vários momentos lembra um Indiana Jones sobrenatural.

A seguir, contamos como foi nossa experiência com Call of the Elder Gods no Xbox Series X.

Ficha Técnica

• Jogo: Call of the Elder Gods

• Lançamento: 12 de maio de 2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series S/X e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 73,99, disponível no Game Pass Ultimate e com demo grátis na Steam

O retorno de um universo lovecraftiano

Diferente do primeiro jogo, Call of the Elder Gods muda bastante sua estrutura narrativa. Após os eventos do primeiro game, agora acompanhamos Harry Everhart, professor da Universidade Miskatonic que tenta ignorar sombras estranhas surgindo no canto de sua visão, e Evangeline Drayton, uma estudante atormentada por sonhos impossíveis envolvendo um artefato descoberto anos antes.

A troca de protagonismo funciona muito bem porque o jogo aproveita isso para expandir a mitologia apresentada em Call of the Sea. Aos poucos, a trama mergulha em civilizações alienígenas, cidades fora do tempo, entidades incompreensíveis e experimentos que parecem desafiar completamente a lógica humana.

E o mais interessante é que a história não fica isolada apenas nas cutscenes. Os próprios puzzles ajudam a construir a narrativa. Cada símbolo, mecanismo ou documento encontrado no caminho reforça a sensação de que existe algo muito maior acontecendo naquele universo.

A estrutura com dois protagonistas também ajuda bastante no ritmo da campanha. O jogo alterna perspectivas constantemente e cria diálogos interessantes entre Harry e Evangeline, especialmente porque existem escolhas durante a jornada. A maior parte delas altera conversas e pequenas interações, mas algumas acabam influenciando diretamente o desfecho da campanha, levando a três finais diferentes.

Sem entrar em spoilers, gostei bastante da forma como o estúdio trabalhou esse sistema. Não espere algo no nível de um RPG gigantesco cheio de ramificações absurdas, mas existe um cuidado genuíno em fazer suas decisões parecerem relevantes emocionalmente. Inclusive, a reta final entrega um daqueles dilemas clássicos do horror lovecraftiano: não existe exatamente uma solução perfeita, apenas consequências diferentes.

Ao mesmo tempo, a narrativa pode acabar ficando confusa em alguns momentos — principalmente para quem não jogou Call of the Sea. O jogo menciona eventos passados, organizações misteriosas e conceitos cósmicos importantes sem necessariamente aprofundar tudo isso. Existe uma sensação constante de que o universo do game é enorme, mas a campanha principal escolhe focar apenas na trajetória imediata dos protagonistas.

Isso cria uma experiência curiosa: você termina o jogo satisfeito com a jornada principal, mas também fica com aquela sensação de “eu queria entender ainda mais desse mundo”. Honestamente? Não acho isso totalmente negativo, pois parte do charme lovecraftiano está justamente no desconhecido. Ainda assim, algumas pontas soltas poderiam enriquecer o game se fosse melhor exploradas.

Puzzles que são arqueologia sobrenatural

Se você gostou do primeiro jogo por causa dos quebra-cabeças, vai se encontrar na nova experiência. Call of the Elder Gods dobra a aposta nos puzzles, com um gameplay que continua relativamente simples na teoria, mas desafiador na prática.

Você explora ambientes em primeira pessoa, coleta informações, analisa documentos e resolve puzzles para avançar. Tudo direto no papel, mas a execução ficou muito mais refinada desta vez, com uma progressão extremamente bem construída.

No começo, o jogo apresenta desafios mais intuitivos, quase como uma forma de ensinar sua lógica. Conforme a campanha avança, tudo vai ficando mais elaborado, exigindo interpretação de símbolos, leitura cuidadosa do ambiente e conexão entre pistas espalhadas por diferentes áreas.

E aqui está um detalhe importante: o jogo raramente apela para puzzles impossíveis ou mal explicados. Existe um cuidado genuíno em garantir que o jogador tenha as ferramentas necessárias para resolver os desafios sozinho. O diário dos protagonistas ajuda bastante nisso, organizando informações importantes sem entregar respostas de bandeja.

Além disso, os desenvolvedores implementaram um sistema opcional de dicas bem simples. Caso você fique travado, dá para entrar no menu e pegar algumas pistas e até as respostas para seguir em frente. Quem quer sofrer sozinho pode ignorar completamente as dicas, enquanto quem prefere focar mais na narrativa consegue avançar sem transformar a experiência em uma sessão de frustração.

Outro ponto que gostei bastante é como os puzzles abraçam a temática cósmica do jogo. Não são apenas enigmas aleatórios jogados ali para aumentar a duração. Muitos deles são parte daquele universo, como mecanismos antigos, idiomas esquecidos, artefatos impossíveis e estruturas que desafiam lógica e espaço.

Existe até um charme meio “filme de aventura clássico” em tudo isso. Em vários momentos, eu realmente senti que estava vivendo uma mistura de Indiana Jones com horror cósmico, explorando ruínas antigas atrás de respostas proibidas enquanto uma trilha sonora dramática explodia ao fundo.

No fim das contas, a campanha dura entre seis e oito horas dependendo do quanto você trava nos puzzles, o que considero um ótimo tamanho. É o tipo de jogo perfeito para zerar em um fim de semana, especialmente estando disponível no Game Pass.

Visual impressiona, mas personagens deixam a desejar

Visualmente, Call of the Elder Gods é um salto gigantesco em relação ao primeiro jogo. Utilizando a Unreal Engine 5, o título entrega ambientes extremamente detalhados e variados.

A jornada passa por mansões na Nova Inglaterra, desertos australianos, regiões congeladas e cidades sobrenaturais fora do tempo. Cada cenário possui uma identidade muito própria, explorando perfeitamente a mistura entre aventura arqueológica e horror lovecraftiano.

A direção de arte merece muitos elogios porque consegue equilibrar beleza e estranheza. Existem momentos genuinamente bonitos, com iluminação incrível e paisagens contemplativas, mas também áreas desconfortáveis que parecem existir fora da compreensão humana.

O jogo constantemente brinca com arquitetura impossível, símbolos alienígenas e ambientes que parecem errados de propósito. Assim como no primeiro jogo, essa ambientação é um grande destaque e rende belos prints para wallpaper.

Na parte técnica, a experiência no Xbox Series X também foi excelente. O jogo rodou de forma estável, sem bugs relevantes, travamentos ou quedas perceptíveis de desempenho. O suporte ao Quick Resume também funciona muito bem, algo sempre bem-vindo em jogos single-player que não dependem de conexão constante.

Meu principal problema está justamente nos personagens. Enquanto os cenários são extremamente vivos e detalhados, os rostos acabam destoando bastante do restante da produção. As expressões faciais são limitadas e um pouco artificiais, o que enfraquece alguns momentos emocionais importantes da narrativa.

Não chega a estragar a experiência, mas é impossível não notar essa diferença de qualidade. Para uma possível sequência, vamos torcer para que os protagonistas pareçam mais vivos.

Trilha sonora transforma tudo em um filme de aventura

Se existe algo que elevou ainda mais minha imersão em Call of the Elder Gods, foi a trilha sonora. O trabalho de Eduardo De La Iglesia entrega exatamente o clima que esse universo precisava. Existe uma forte energia de filmes de aventura dos anos 80 aqui — daquelas trilhas que misturam mistério, grandiosidade e descoberta.

Em vários momentos, parecia que eu estava jogando uma versão sobrenatural de Indiana Jones. Principalmente durante as sequências dentro de cavernas antigas ou estruturas esquecidas, enquanto o jogo combina música orquestrada com aquele sentimento constante de que existe algo perigoso esperando na próxima sala.

A dublagem em inglês também funciona muito bem e ajuda bastante na construção emocional dos protagonistas, especialmente durante os momentos mais introspectivos da campanha. O jogo não conta com vozes em português brasileiro, mas a presença de legendas no idioma ajuda bastante — principalmente considerando o preço acessível do game.

Vale a pena?

Call of the Elder Gods é uma daquelas sequências que entendem exatamente o que precisava evoluir sem abandonar a identidade original. O jogo pega os melhores elementos de Call of the Sea, como puzzles inteligentes e ambientação misteriosa, e transforma tudo em algo maior, mais cinematográfico e mais ambicioso.

Mesmo com alguns tropeços na construção da história e nos modelos faciais dos personagens, o resultado final é extremamente positivo. Para quem gosta de jogos focados em narrativa, exploração e quebra-cabeças, essa é uma recomendação fácil.

O jogo é altamente indicado especialmente para assinantes do Game Pass que curtem histórias diferentes e games single-player curtos — a duração fica entre seis e oito horas. Afinal, o título se encaixa perfeitamente naquela experiência de fim de semana que você começa “só para testar” e termina completamente mergulhado na história.

Ao mesmo tempo, o game não funciona para quem busca ação constante ou experiências mais aceleradas — afinal, o combate não existe aqui. Call of the Elder Gods é um jogo paciente, quer que você observe cenários, leia documentos, interprete símbolos e se deixe envolver pela atmosfera. E sinceramente? Ainda bem que ele existe assim.

Depois de cinco anos sem notícias dessa franquia, voltar para esse universo estranho, melancólico e cheio de mistérios foi quase como reencontrar um velho livro esquecido na estante. Você lembra do sentimento que ele causava, abre novamente por curiosidade… e acaba preso ali por horas tentando descobrir o que existe na próxima página. E o resultado final, apesar de não ser perfeito, é bastante satisfatório para o seu escopo.

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O crossover com o battle royale chega no dia 14 de maio e leva personagens icônicos como Mercy, Tracer, Genji e D.Va para a ilha do battle royale da Epic Games. Enquanto isso, dentro de Overwatch, os jogadores poderão desbloquear dezenas de itens cosméticos de graça e revisitar versões antigas do game em eventos nostálgicos.

Sim, o tempo passa rápido: parece que foi ontem que a Mercy revivia um time inteiro com sua Ult. Após cair no esquecimento para muitos jogadores com Overwatch 2, as novas temporadas estão colocando o game nos trilhos novamente, o que faz agora uma boa hora para voltar a jogar.

Overwatch e Fortnite terão crossover com skins e mapa inspirado em King’s Row

Antes de entrarmos em tudo que está rolando em Overwatch, precisamos falar do elefante na sala. A colaboração entre Overwatch e Fortnite finalmente saiu do campo dos vazamentos para virar realidade.

Segundo a Epic Games, os heróis Mercy, Tracer, Genji e D.Va ganharão skins jogáveis em Fortnite, acompanhadas de emotes, picaretas, planadores e outros cosméticos temáticos. E a parceria parece ir além do visual.

Segundo um trailer que já está circulando, Fortnite também receberá armas inspiradas em Overwatch, NPCs de heróis espalhados pelo mapa e até partes de King’s Row, um dos cenários mais queridos da franquia da Blizzard. A habilidade Blink da Tracer e suas pistolas também devem aparecer no gameplay do battle royale — porque aparentemente construir parede e dar muito tiro ao mesmo tempo ainda não era caos suficiente.

A parceria, no entanto, deixa um gosto estranho para quem joga com frequência. Afinal, estamos falando de dois games online que seguem o modelo de game as a service. Ou seja, manter a atividade nos dois títulos com frequência não é algo simples — e falo isso por experiência própria.

Por aqui, a gente tem o costume de escolher um jogo como serviço e reservar o resto do tempo para outras experiências, desde jogos single-player até multiplayers focados em história, como Diablo IV, por exemplo. E esse comportamento é comum entre os gamers, afinal, apesar de termos títulos online dominando os rankings de mais jogados, cada um possui uma comunidade bem consolidada.

Como pessoa que joga ambos os títulos, acho a colaboração bem interessante. Ainda assim, a solução também mostra que a Blizzard podia ter investido mais onde realmente importa: o seu próprio jogo.

Evento de 10 anos de Overwatch traz skins grátis e modos clássicos

Dentro de Overwatch, o evento de aniversário acontece entre 13 de maio e 1º de junho com uma enxurrada de conteúdo gratuito. Entre os destaques estão 21 skins exclusivas inspiradas no elenco original do jogo, todas com uma nova paleta roxa comemorativa.

Os jogadores também poderão desbloquear caixas de loot, pingentes de arma, sprays e cosméticos criados tanto pela equipe da Blizzard quanto pela comunidade. Além disso, existe uma barra de progresso global em que todas as partidas ajudam a liberar recompensas coletivas.

Entre os brindes anunciados estão:

• 15 caixas de loot de aniversário;

• skins comemorativas dos heróis clássicos;

• cosméticos desenvolvidos pela comunidade;

• charms temáticos de 10 anos;

• recompensas especiais para contas antigas.

Quem jogar durante as três semanas do evento ainda poderá desbloquear a skin lendária “10-Years Cheers Tracer”.

Modos retrô revisitam fases clássicas do jogo

A Blizzard também decidiu apostar pesado na nostalgia. Durante o evento, Overwatch receberá modos temporários que recriam diferentes eras do game, incluindo a versão original de 2016 e uma edição baseada no meta de 2020.

O cronograma ficou assim:

• Classic 2016 — disponível a partir de 12 de maio;

• Mystery Showdown — chega em 19 de maio;

• Classic 2020 — liberado em 26 de maio.

É basicamente uma viagem no tempo para lembrar como era viver sem metade dos heróis atuais, sem perks e sem dezenas de balanceamentos por temporada. Alguns jogadores chamam isso de nostalgia. Outros chamam de trauma competitivo.

Para abrir os trabalhos, os principais desafios envolvem o modo clássico, que traz um elenco limitado de heróis e habilidades clássicas. O combo inclui habilidades apelonas, como a Mercy que revive todo o time, mostrando com o game mudou em 10 anos.

O modo nostálgico é bem divertido e entretém por um tempo, mas achei uma escolha complicada deixar grande parte dos desafios para ganhar skins centradas no Clássico durante os primeiros dias. Afinal, a empresa está “obrigando” os jogadores a usarem um modo fora do comum para garantir skins grátis comemorativas.

Blizzard também revelou novas skins e eventos de Overwatch

Além do aniversário, a atualização de meio de temporada de Overwatch 2 também trouxe novas coleções cosméticas e eventos competitivos. Entre os destaques estão:

• A skin mítica “Ra Ana”, que está bem trabalhada;

• As coleções temáticas “What If?”, “Date Night” e “White Rabbit”, que trazem skins para diversos personagens;

• O novo sistema de espectador ao vivo para partidas do Top 500;

• o retorno do evento Pride durante o mês de junho.

A coleção “What If?”, aliás, já virou assunto nas redes por incluir um visual de empregada doméstica para Ramattra. Sim, o vilão robótico mais ameaçador do jogo agora também parece pronto para reclamar da poeira na estante.

Jogadores chineses receberam recompensas ainda maiores

Apesar da quantidade de itens gratuitos distribuídos globalmente, parte da comunidade ficou surpresa ao descobrir que os jogadores chineses terão recompensas muito mais generosas.

Na versão operada pela NetEase, os jogadores receberão dezenas de skins lendárias, skins míticas adicionais, prismas míticos e outras recompensas especiais. A diferença gerou discussões online, embora muitos jogadores tenham lembrado que a comunidade chinesa ficou anos sem acesso ao jogo após a separação entre Blizzard e NetEase em 2022.

Mesmo assim, para um jogo que passou por cancelamento de PvE, mudanças de direção e uma montanha-russa de opiniões da comunidade, chegar aos 10 anos com crossover em Fortnite e chuva de cosméticos grátis não é exatamente pouca coisa. Overwatch pode até ter mudado bastante ao longo da década, mas aparentemente ainda sabe como chamar atenção quando quer.

Evento de 10 anos é ofuscado por temporadas de peso

Apesar de trazer vários conteúdos, o evento de 10 anos de Overwatch também deixa um gostinho de quero mais. Afinal, estamos falando de um jogo como serviço que marcou época garantindo seu décimo ano de existência.

Como fã das antigas de Overwatch, sinto que a Blizzard podia aproveitar esse momento bom do jogo, que foi renovado com o arco atual de história, para fazer algo grandioso. Além disso, alguns jogadores talvez estejam decepcionados com o conteúdo entregue, justamente, porque o game está muito bom ultimamente.

No começo da segunda temporada, o título recebeu uma nova heroína, a atiradora Sierra, que trouxe muita movimentação no meta do game. Ela chegou como parte do esforço da empresa que também liberou cinco novos heróis em uma sentada no começo do ano, incluindo Jetpack Cat.

Não só isso, a temporada atual ganhou diversos pacotes de skins belíssimos, como o Dia de Chuva e Sakura, com visuais que realmente alteram os personagens. O Dia de Chuva, por exemplo, transforma Roadrog em um porco de capa, enquanto o Sakura traz padrões que encatam pela qualidade.

Enquanto esses conteúdos são pagos, a Blizzard mostra que tem potencial de entregar skins de grande porte para os jogadores. E qual momento seria melhor para demonstrar essa expertise que os 10 anos de Overwatch?

Ausência de evento coop também deixa gosto de quero mais

Outro fator que ficou de fora do aniversário de 10 anos são as missões cooperativas, um dos maiores tabus da história do game. Enquanto o pacote Invasão está disponível para compra na loja, como sempre, o evento não menciona outros momentos icônicos da história do game.

Durante o auge de Overwatch, o jogo recebeu eventos cooperativos limitados. Um deles, inclusive, é o Retribuição, que está ligado diretamente com a história do arco atual da Talon, mostrando a morte do pai de Vendetta. Seja por limitação técnica ou despriorização, o coop não é mencionado no aniversário.

Com o evento focando em modos que são modificações da fórmula tradicional, Overwatch entrega uma experiência divertida, mas que deixa a sensação de que poderia ir mais longe.

Vale a pena jogar agora?

Mesmo com deslizes, Overwatch ainda entrega uma experiência de gameplay bem divertida atualmente, principalmente para um jogo free-to-play. As novas temporadas trouxeram personagens que revitalizaram o gameplay para os veteranos e abriram espaço para novatos entenderem por que o game virou febre lá em 2016.

Com o evento de aniversário recheado de itens grátis, modos nostálgicos e uma segunda temporada cheia de skins caprichadas, agora é uma ótima hora para dar uma chance ao jogo. Para quem abandonou Overwatch depois das polêmicas envolvendo Overwatch 2, o momento atual realmente lembra os tempos áureos da franquia, com atualizações frequentes, metas mais variados e a Blizzard finalmente parecendo ter encontrado um rumo mais consistente para o game.

Ainda assim, vale lembrar: Overwatch continua sendo um jogo online extremamente focado em trabalho em equipe. Isso significa que boa parte da experiência ainda depende diretamente de quem cai no seu time. Em uma partida, você pode encontrar um grupo sincronizado digno de campeonato. Na outra, alguém pode escolher Widowmaker e terminar com três eliminações em 15 minutos. Faz parte do charme… ou do caos.

No fim das contas, seja para veteranos que sentem saudade da época do “grupo fechado 6v6” ou para novatos curiosos depois da parceria com Fortnite, Overwatch está em uma fase interessante para voltar — ou começar — a jogar. Só não dá para prometer que o suporte vai curar.

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Desde os primeiros testes antes do lançamento oficial aqui no Jornal, acompanhar a evolução do jogo foi quase como observar Santuário tentando se reconstruir em tempo real. Temporada após temporada, ajustes vieram, classes mudaram, sistemas foram reformulados e o game passou por altos e baixos enquanto buscava sua identidade definitiva.

Agora, com Diablo IV: Lord of Hatred, essa caminhada finalmente chega ao fim. Mais do que apenas uma expansão tradicional, Lord of Hatred funciona como uma conclusão definitiva para a história iniciada no jogo base e, ao mesmo tempo, como uma espécie de “versão completa” de Diablo IV.

Com seu ato final, Diablo IV deixa de parecer uma promessa em construção e finalmente assume sua forma final. E depois de dezenas de horas explorando Skovos, testando novas builds e mergulhando novamente no caos demoníaco de Santuário no Xbox Series X, fica claro que a Blizzard encontrou aqui sua melhor versão do RPG.

Ficha técnica

• Jogo: Diablo IV: Lord of Hatred

• Desenvolvedora: Blizzard

• Lançamento: 27 de abril de 2026

• Onde jogar: PS5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 174,90

A review foi realizada com uma cópia da expansão cedida pela Blizzard.

Bruxo rouba a cena e transforma o combate em puro caos

Antes mesmo de falar da campanha, é impossível ignorar o principal chamariz da expansão: as novas classes Paladino e Bruxo. Ambos trazem estilos bem diferentes de gameplay, o que pode agradar quem está retornando ao game.

O Paladino certamente vai cair nos gostos dos veteranos saudosos de Diablo II, principalmente por sua mistura de combate pesado, habilidades sagradas e visual clássico. Mas como já existe uma análise focada nele aqui no Jornal, a experiência desta review mergulhou de cabeça no Bruxo — e honestamente, foi difícil largar o controle depois das primeiras horas.

A nova classe parece uma mistura caótica entre Druida, Necromante e algo completamente novo. O Bruxo manipula forças demoníacas sem necessariamente se tornar servo delas, usando duas barras de recurso diferentes para controlar habilidades mais estratégicas.

Enquanto a Dominância permite invocar criaturas infernais para lutar ao seu lado, a Ira aposta em ataques agressivos e destrutivos realizados diretamente pelo personagem. O kit básico já é bem divertido e variado, só que o verdadeiro brilho da classe aparece mais tarde.

Quando as habilidades avançadas começam a ser desbloqueadas, Lord of Hatred praticamente entrega um segundo personagem dentro da mesma classe. O Bruxo pode realizar rituais sombrios envolvendo sacrifícios de inimigos e até assumir uma forma demoníaca completa, ganhando novas habilidades exclusivas e um poder absurdo de destruição.

Existe algo extremamente divertido em perceber que você deixou de ser apenas alguém tentando sobreviver ao Inferno e passou a parecer uma criatura saída dele. E isso muda completamente o ritmo do combate.

O Bruxo consegue alternar entre gerenciamento estratégico de criaturas invocadas e momentos de puro caos na tela, criando uma gameplay que constantemente recompensa experimentação. É uma classe exagerada, visualmente absurda e extremamente prazerosa para quem gosta daquela sensação clássica de Diablo de explodir hordas inteiras de inimigos em segundos.

Nova árvore de habilidades finalmente revitaliza Diablo IV

Se as novas classes já seriam suficientes para justificar a expansão, Lord of Hatred ainda entrega uma reformulação importante nos sistemas do jogo. A nova árvore de habilidades adiciona variantes extras para praticamente todas as classes, expandindo significativamente as possibilidades de build.

E isso impacta até mesmo quem já passou centenas de horas no endgame anteriormente. Personagens antigos ganham novas funções, novas combinações surgem e builds esquecidas voltam a parecer viáveis.

É uma mudança grande e até intimidadora nas primeiras horas, mas extremamente necessária para um jogo que precisava renovar sua sensação de progressão. O mais interessante é como essa atualização faz Diablo IV parecer fresco novamente sem abandonar sua identidade.

Existe uma sensação constante de descoberta, mesmo para veteranos. Aquela velha ideia de “só mais uma dungeon” continua perigosamente viva aqui. Porém, o jeito que você aborda cada espaço com suas novas habilidades fica diferente, pois a personalização é mais grande do que nunca.

Multiplayer local continua sendo um dos segredos mais divertidos do jogo

Uma das qualidades menos comentadas de Diablo IV continua brilhando em Lord of Hatred: o multiplayer local. Enquanto muitos jogos ignoram essa função, o jogo da Blizzard segue brilhando com esse recurso clássico nos consoles.

Toda a expansão pode ser jogada em tela dividida no Xbox Series X e PS5, mantendo progresso compartilhado e funcionamento extremamente fluido. E honestamente? Poucos jogos atuais conseguem oferecer uma experiência cooperativa de sofá tão divertida quanto Diablo.

Existe algo especial em passar horas limpando masmorras, organizando loot e enfrentando chefes absurdos ao lado de outra pessoa na mesma tela. A expansão entende isso e mantém toda a experiência cooperativa intacta.

• Saiba mais - Diablo 4 tem multiplayer local? Veja como usar

Para casais, amigos ou simplesmente pessoas que sentem falta daquele multiplayer local clássico, Lord of Hatred entrega um dos melhores coop atuais do mercado. E com todo o progresso fica salvo na conta online, dá até pra trocar de dispositivo e seguir com o mesmo personagem.

Lord of Hatred entrega o encerramento de peso na história

Narrativamente, Lord of Hatred segue o padrão cinematográfico que a Blizzard domina há décadas. A campanha leva os jogadores para Skovos, uma nova região extremamente importante para o universo de Diablo, explorando as consequências finais da influência de Lilith e da ascensão de Mefisto.

Sem entrar em spoilers, a expansão consegue entregar peso emocional suficiente para fazer essa conclusão parecer merecida. E talvez o mais interessante seja justamente isso: depois de acompanhar Diablo IV desde antes do lançamento, existe uma sensação genuína de encerramento aqui.

Você percebe como personagens mudaram, como o mundo ficou mais desesperado e como Santuário parece cansado de sobreviver eternamente ao mesmo ciclo de destruição. Lord of Hatred entende o peso dessa jornada e usa isso muito bem em sua ambientação.

Qualidade técnica

Na parte técnica, Diablo IV segue um show — e Skovos ajuda bastante nessa sensação. O jogo esbanja beleza em um mundo caótico e repleto de ameaças.

As áreas litorâneas, florestas densas e regiões inundadas criam um contraste visual muito bonito com outras partes do jogo base. Tudo mantém a identidade sombria da franquia, mas adiciona uma melancolia diferente, quase como se o próprio mundo estivesse desmoronando lentamente.

No Xbox Series X, o visual impressiona bastante, assim como no jogo base e na expansão anterior. Os efeitos de iluminação, a qualidade das animações e o nível de detalhe dos cenários ajudam a criar uma ambientação extremamente imersiva, mesmo com a visão isométrica.

Áudio transforma o Inferno em algo assustadoramente imersivo

Se visualmente Diablo IV continua impressionante, o trabalho sonoro de Lord of Hatred talvez seja ainda melhor. A Blizzard continua entendendo como poucos o poder da ambientação sonora.

Jogando em uma soundbar JBL com Dolby Atmos, a sensação de imersão foi absurda. As habilidades ecoam pelos ambientes, explosões mágicas ocupam diferentes direções do áudio e a trilha sonora sabe exatamente quando crescer ou desaparecer silenciosamente para deixar o desconforto tomar conta.

A dublagem em português brasileiro também merece elogios. As vozes carregam peso dramático sem soar artificiais, algo essencial em uma expansão tão focada na narrativa.

Não é apenas uma trilha bonita. O áudio aqui ajuda a construir tensão, medo e grandiosidade constantemente, algo que faz de Diablo IV um jogo assustadoramente prazeroso de se jogar.

O excesso visual ainda incomoda

Apesar dos elogios na parte técnica, Diablo IV ainda carrega alguns problemas antigos. Os menus continuam excessivamente complexos, cheios de informações, abas demais e sistemas que poderiam ser apresentados de maneira mais intuitiva.

Para veteranos isso eventualmente vira rotina. No entanto, novos jogadores provavelmente ainda vão se sentir um pouco perdidos no início, o que acaba tirando um pouco da magia do game.

O Bruxo também amplifica outro problema recorrente do jogo: o excesso visual. Entre invocações, explosões demoníacas, partículas, efeitos elementais e dezenas de inimigos simultâneos, alguns momentos viram um verdadeiro carnaval infernal na tela.

Em batalhas mais caóticas, especialmente no multiplayer, entender exatamente o que está acontecendo pode ser complicado. Felizmente, é algo que melhora conforme você se acostuma com os sistemas e aprende a “ler” o caos visual do combate.

Ainda assim, seria interessante ver a Blizzard oferecendo mais opções de limpeza visual no futuro. Logo, se você está interessado no game, vale a pena ter isso em mente antes da compra.

Vale a pena?

Lord of Hatred não é apenas uma expansão, é a sensação de finalmente ver Diablo IV completo. Depois de anos acompanhando o jogo evoluir, mudar e tentar encontrar seu melhor formato, Lord of Hatred entrega exatamente aquilo que muitos jogadores esperavam: uma conclusão épica para a campanha, novas classes extremamente divertidas e sistemas capazes de revitalizar completamente a experiência.

O Bruxo sozinho já justificaria parte do pacote, mas as melhorias gerais no gameplay, na progressão e no endgame tornam essa expansão importante tanto para veteranos quanto para novatos. E talvez esse seja o maior mérito da Blizzard aqui.

Pela primeira vez desde o lançamento original, Diablo IV realmente parece pronto para ser recomendado sem ressalvas enormes. Com todas as expansões disponíveis, múltiplas classes, ajustes acumulados ao longo dos anos e uma campanha finalmente concluída, agora é o melhor momento possível para entrar em Santuário.

Se você abandonou o jogo no passado, Lord of Hatred é um ótimo motivo para voltar. E se nunca jogou Diablo IV, talvez essa seja exatamente a versão que valia a pena esperar.

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Ele é curto, extremamente linear, tem pouquíssima gameplay tradicional e depende muito mais da conexão emocional do jogador do que de qualquer desafio mecânico. Mas talvez seja justamente aí que mora sua força.

Desenvolvido pelo mesmo estúdio de The Artful Escape, Mixtape é uma experiência narrativa sobre amizade, juventude e despedidas. Acompanhamos três amigos durante sua última noite antes do fim do colégio, enquanto uma seleção musical cuidadosamente montada conduz o jogador por lembranças, sentimentos e momentos que parecem saídos diretamente de um clássico da Sessão da Tarde dos anos 90.

É aquele tipo de aventura que mistura melancolia e conforto ao mesmo tempo, como revisitar uma memória feliz sabendo que ela nunca mais vai voltar. E por mais que eu tenha começado o jogo acreditando que ele talvez não fosse “para mim”, bastaram algumas músicas, alguns diálogos e alguns silêncios para eu perceber que Mixtape não queria apenas me divertir. Ele queria me fazer sentir.

Ficha Técnica

• Jogo: Mixtape

• Lançamento: 7/05/2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2.

• Plataforma de teste: Xbox Series S

• Preço: A partir de R$ 54 (incluso no XboX Game pass Ultimate).

O jogo foi testado utilizando a versão do Xbox Game Pass.

Um álbum musical em forma de videogame

Poucos jogos conseguem usar música de maneira tão orgânica quanto Mixtape. Aqui, a trilha sonora não serve apenas para ambientar cenas ou criar emoção em momentos específicos: as músicas literalmente conduzem a narrativa. Cada faixa escolhida parece representar uma fase emocional da história, quase como se estivéssemos ouvindo um álbum cuidadosamente organizado para nos levar por diferentes estados de espírito.

A protagonista Stacy Rockford funciona quase como uma curadora dessas emoções. Conforme a noite avança, somos transportados para memórias que misturam alegria, insegurança, paixão, medo do futuro e aquela sensação agridoce de perceber que a adolescência está chegando ao fim. Existe uma metalinguagem muito forte em toda a construção do jogo, porque Mixtape entende perfeitamente o poder que a música tem de eternizar momentos da vida.

É impossível não perceber o carinho colocado nessa estrutura narrativa. Cada sequência parece montada para provocar um sentimento específico no jogador, como se a Beethoven & Dinosaur estivesse organizando um verdadeiro álbum emocional.

Existem momentos de euforia, outros contemplativos e alguns surpreendentemente melancólicos. E mesmo quando certas cenas parecem simples, a combinação entre música, direção e contexto faz tudo ganhar um peso muito maior.

É um filme interativo? Sim… mas isso nunca foi um problema

A principal crítica que muita gente provavelmente fará a Mixtape é justamente a quantidade extremamente limitada de gameplay. E honestamente? É uma crítica compreensível. O jogo possui poucos momentos realmente “interativos” no sentido tradicional.

Não existem sistemas complexos, escolhas narrativas relevantes ou mecânicas profundas. A história já está definida, e o jogador está ali principalmente para acompanhá-la. Mas em nenhum momento isso me incomodou.

Existe uma certa obsessão na indústria em validar videogames apenas através da complexidade de suas mecânicas, como se um jogo precisasse constantemente desafiar o jogador para justificar sua existência. Mixtape ignora completamente essa lógica e entende videogames como uma ferramenta narrativa, assim como cinema ou música. E dentro dessa proposta, funciona muito bem.

Ao longo da jornada, controlamos os personagens em pequenos cenários, exploramos ambientes detalhados e participamos de minigames simples que ajudam a reforçar os sentimentos daquela fase da vida. Em um momento estamos tentando manter o equilíbrio enquanto carregamos filmes; em outro, aprendendo o tempo certo de rebater uma bola de softball. Nenhuma dessas atividades é particularmente complexa, mas todas ajudam a criar intimidade com os personagens e com aquele universo.

Além disso, mesmo com movimentos limitados pela narrativa, Mixtape oferece pequenas liberdades que fazem diferença. Explorar quartos, observar detalhes dos cenários e simplesmente caminhar pelos ambientes ajuda a criar uma sensação de presença que um filme talvez não conseguiria alcançar da mesma forma. É justamente essa interação mínima que transforma a experiência em algo mais pessoal.

Uma trilha sonora que carrega a alma do jogo

Se existe algo que define Mixtape, é sua música. Confesso que normalmente trilhas sonoras não costumam me impactar tanto em jogos ou filmes. Especialmente músicas internacionais, que não fazem muito parte do meu cotidiano.

No entanto, aqui foi impossível não se deixar levar. A trilha não apenas acompanha a experiência: ela é a experiência. Faixas como More Than This e Yesterday’s Hero transformam cenas simples em momentos memoráveis.

Existe um cuidado impressionante em como cada música entra, cresce e conversa com o que está acontecendo na tela. Em muitos momentos, parecia que eu não estava apenas jogando, mas revivendo memórias que nem eram minhas.

E talvez seja exatamente isso que torna Mixtape tão especial. Mesmo que você não tenha vivido aquela adolescência americana retratada pelo jogo, existe algo universal ali. O medo do futuro, a vontade de prolongar momentos felizes, o receio de que amizades acabem quando a vida adulta começar… tudo isso atravessa a tela com muita naturalidade.

Para quem cresceu ouvindo bandas como Joy Division, Roxy Music, Smashing Pumpkins e Siouxsie and the Banshees, imagino que a conexão emocional seja ainda mais forte. Mas mesmo para quem não possui essa bagagem musical, o jogo consegue funcionar porque entende perfeitamente o sentimento que quer transmitir.

Um dos jogos mais bonitos dos últimos anos

Visualmente, Mixtape também é um absurdo. A direção de arte da Beethoven & Dinosaur já chamava atenção em The Artful Escape, mas aqui o estúdio parece ainda mais seguro da própria identidade artística. O jogo possui uma estética cartoon extremamente estilizada, com uso brilhante de iluminação, composição de cena e cores vibrantes que fazem cada ambiente parecer vivo.

E não é apenas bonito de maneira superficial. Existe muito cuidado na construção desses espaços. Os quartos dos personagens, por exemplo, refletem suas personalidades através de pequenos detalhes espalhados pelo cenário. Os NPCs possuem animações cheias de vida e reagem de maneiras diferentes ao jogador, criando uma sensação constante de que aquele mundo existe além da nossa presença.

Cada cenário parece pensado para provocar alguma sensação específica. Algumas cenas passam conforto; outras, nostalgia; algumas conseguem até gerar uma tristeza silenciosa sem precisar de uma única linha de diálogo. É um daqueles jogos em que frequentemente você desacelera só para observar tudo ao redor.

Vale a pena?

Sem exagero: até aqui, Mixtape é meu jogo do ano. E não porque ele reinventa a indústria ou apresenta mecânicas revolucionárias. Muito pelo contrário. Mixtape funciona justamente porque sabe exatamente o que quer ser.

O jogo não tenta agradar todo mundo, não tenta inflar sua duração artificialmente e nem se preocupa em justificar sua existência através de sistemas complexos. Ele só quer contar uma história. E faz isso de maneira extremamente humana.

Durante suas cerca de três horas de duração, eu joguei constantemente com um sorriso no rosto. Existe uma leveza muito bonita em toda a experiência, mesmo nos momentos mais melancólicos. Quando a experiência chega ao fim, a sensação não era de “acabou um jogo”, mas de estar se despedindo de pessoas que eu aprendi a gostar.

Claro, quem busca gameplay intensa, liberdade narrativa ou desafios talvez não encontre aqui o que procur. E a boa notícia é que temos muitos jogos bons este ano que podem suprir esta necessidade maior por ação, como Pragmata, Crimson Desert e Resident Evil Requiem, além de indies como Dead as Disco.

Mixtape é muito mais próximo de uma experiência sensorial e emocional do que de um videogame tradicional. Mas honestamente? Acho que isso faz dele ainda mais especial. Afinal, existe espaço pra tudo na indústria de games, principalmente quando o jogo é feito com qualidade.

Talvez Mixtape não seja o tipo de jogo que você normalmente gosta, mas é exatamente o tipo de jogo que vale a pena experimentar pelo menos uma vez. Porque algumas histórias não precisam durar dezenas de horas para permanecerem com você.

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Com lançamento em 7 de maio de 2026, o conteúdo adiciona uma nova abordagem focada na criação artística, ampliando o escopo do museu e trazendo novas camadas de estratégia. Se antes a graça estava em montar exposições com itens encontrados em expedições, agora o jogo convida o jogador a literalmente produzir arte dentro do próprio museu.

Ficha técnica

• Jogo: Two Point Museum – Arte-Fatos

• Desenvolvedora: Two Point Studios/SEGA

• Lançamento: 07/05/2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series S/X e Nintendo Switch 2.

• Plataforma de teste: PC

• Preço: A partir de R$ 45

A seguir, contamos como foi a experiência com a expansão e se essa nova proposta realmente agrega valor ao gameplay já conhecido. Uma cópia de review da expansão foi cedida pela assessoria da SEGA.

Nova proposta de gameplay traz mais estratégia (e mais responsabilidade)

A principal novidade de Arte-Fatos é a introdução do Especialista em Arte, um novo tipo de funcionário que vai muito além de explorar mapas em busca de relíquias. Agora, ele também pode criar obras próprias dentro de um estúdio dedicado, o que muda bastante a dinâmica tradicional do jogo.

Cada obra produzida carrega uma emoção específica, como alegria, tristeza ou romance, o que adiciona uma camada interessante na hora de montar exposições. Isso transforma o museu em algo mais autoral e menos dependente apenas de descobertas externas.

Por outro lado, essa liberdade vem acompanhada de novas exigências, já que essas emoções não estão disponíveis desde o início. É preciso desbloqueá-las por meio de expedições e progressão dos personagens, o que deixa o gerenciamento mais complexo.

Essa mudança torna o jogo mais estratégico, mas também mais punitivo para quem não presta atenção na equipe. Uma má gestão pode travar o progresso por um tempo, especialmente se você não tiver os especialistas certos para criar as obras necessárias.

Sistema de criação de arte amplia possibilidades

A criação de obras dentro do museu é, sem dúvida, o coração da expansão. O estúdio de arte funciona como uma nova sala essencial, onde especialistas produzem peças que podem ser expostas ou até comercializadas.

A qualidade das obras depende diretamente da experiência do profissional e da profundidade emocional trabalhada. Quanto mais refinada a peça, maior seu valor — tanto para atrair visitantes quanto para gerar lucro.

E aqui entra uma mecânica interessante: as obras podem ser leiloadas. Isso se torna um recurso valioso em momentos de aperto financeiro, oferecendo uma alternativa dinâmica para equilibrar as contas do museu.

Essa decisão entre expor ou vender cria um dilema constante, especialmente quando você precisa escolher entre manter a qualidade da galeria ou garantir o caixa positivo.

Novas mecânicas exigem mais atenção na gestão

Com a chegada da expansão, alguns sistemas também foram ajustados, o que pode pegar jogadores mais acostumados de surpresa. Um exemplo claro é o fato de que obras de arte não podem ser desmontadas na Sala de Análise.

Isso quebra um hábito comum do jogo base, e pode levar a decisões pouco eficientes se o jogador agir no automático. Aqui, é necessário repensar a forma de lidar com os itens e focar mais na evolução dos especialistas.

Outro detalhe importante está nas novas qualificações dos funcionários, como a habilidade de Modelagem para assistentes. Isso permite que eles participem diretamente da criação de obras, como retratos e esculturas.

Esse tipo de integração entre funções deixa o gerenciamento mais profundo e interessante, mas também aumenta a complexidade geral da experiência.

Porto Mudundee e novos itens mantêm o charme da série

A nova localização, Porto Mudundee, segue o estilo irreverente característico da franquia, trazendo um ambiente propício para essa proposta mais artística. O mapa de expedição ligado ao Caderno de Esboços da Zara também adiciona variedade às missões.

Além disso, a expansão inclui mais de 27 novas peças de arte, displays interativos e itens temáticos que ajudam a renovar o visual do museu. Como de costume, o humor está presente em cada detalhe.

Um dos destaques fica para a cafeteria temática, com móveis em estilo 2D preto e branco que reforçam a identidade criativa do conteúdo. Para quem gosta de decorar, é um prato cheio.

Ainda assim, fica aquela sensação de que mais variedade de itens não faria mal, especialmente considerando o potencial criativo dessa proposta.

Vale a pena investir na expansão Arte-Fatos?

Arte-Fatos não reinventa Two Point Museum, mas adiciona uma camada significativa de profundidade ao gameplay. A criação de obras e o foco nas emoções trazem uma identidade própria para a expansão que certamente vai agradar os fãs.

Por outro lado, ela também exige mais atenção e planejamento, o que pode afastar jogadores que preferem uma experiência mais tranquila. Ainda assim, para quem já está imerso no jogo base, o conteúdo é um ótimo complemento, principalmente com o convidativo preço de R$ 45.

No fim das contas, o ciclo continua o mesmo — expandir, atrair visitantes e otimizar o museu — mas com novas ferramentas e desafios. E honestamente, se vierem mais expansões nesse nível, fica difícil reclamar.

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E essa escolha teve resultados que ficam evidentes no novo projeto. Se ele não abandonou completamente a identidade focada em gameplay que marcou títulos anteriores do estúdio, há concessões claras a questões como acessibilidade e narrativa para se encaixar no conhecido “estilo Triplo A”.

O resultado dessa mistura é um jogo que, tecnicamente excelente e muito divertido, nem sempre trafega bem entre o desafio e a ênfase na progressão contínua. No entanto, o resultado final é bastante satisfatório e Saros é definitivamente um dos melhores representantes de seu estilo a chegar às lojas em 2026.

Ficha técnica

• Jogo: Saros

• Desenvolvedora: Housemarque

• Lançamento: 30/04/2026

• Onde jogar: PlayStation 5

• Plataforma de teste: PlayStation 5

• Preço: R$ 399,90

Jogamos Saros com uma chave cedida pela PlayStation.

Saros é sobre tentar, falhar e recomeçar

Em Saros, somos apresentados ao protagonista Arjun que, ao menos nas primeiras horas de jogo, fica tão confuso quanto o jogador sobre o que está acontecendo. Tudo o que sabemos é que fazemos parte da Echelon IV, uma expedição que partiu rumo ao planeta Carcosa após as três versões anteriores da Echelon sumirem sem deixar sinal.

Chegando no local, não demoramos a nos confrontar com criaturas bastante agressivas e com um antigo colega que não está nos melhores dias. E, com essa recepção, fica bastante evidente que nossa jornada no planeta não vai ser muito pacífica — mas há bons motivos para o protagonista da história não desistir de sua jornada (calma, não vou entrar em spoilers).

Em um review do jogo, é difícil não mencionar Returnal, seu antecessor, dado o quanto eles são semelhantes em diversos pontos. Ambos trazem narrativas que são contadas aos poucos (muitas vezes por documentos e mensagens de áudio), nas quais a morte do personagem principal e seu retorno a uma base revelam novos detalhes sobre o que está acontecendo.

Além disso, os dois são jogos de tiro em terceira pessoa marcados pelo grande desafio, que fazem os jogadores sentirem na prática que precisam melhorar e aprender os padrões de seus inimigos. Assim, seria fácil dizer que a Housemarque simplesmente pegou a fórmula que funcionou e a adaptou para outro contexto.

No entanto, quanto mais adentramos em Saros, mais percebemos que esse é um jogo que não quer exatamente que você falhe. Ele não vai exatamente dificultar e vai colocar várias barreiras complicadas em seu caminho. Mas, no fundo, a desenvolvedora não quer que você desista e fornece várias ferramentas para garantir que você vai chegar aos créditos, contanto que tenha paciência suficiente.

Não é só sua habilidade que conta

O maior diferencial do jogo em relação a Returnal é o quanto ele facilita o acesso a upgrades permanentes — o que não é exatamente uma novidade para o gênero “roguelight” ao qual ele pertence. Enquanto sua habilidade realmente conta na hora de enfrentar inimigos e sobreviver a eles, aos poucos vamos desbloqueando alguns facilitadores bastante impactantes.

Logo nas primeiras horas, você vai descobrir que pode aumentar sua quantidade de vida, resistência e até mesmo o quanto obtém de dinheiro com relativa facilidade. Mais para frente, vai destravar uma segunda chance que mantém Arjun nas batalhas, bem como o acesso a armas mais poderosas e um maior acesso a itens de cura, entre outras vantagens.

Enquanto tecnicamente é possível ignorar tudo isso e manter Saros “puro” (e bastante difícil), esse claramente não é o intuito da Housemarque. Isso não significa necessariamente que ela abandonou quem procura por uma experiência hardcore, mas mesmo suas soluções para isso são comedidas.

No ponto intermediário do jogo, desbloqueamos os “Modicadores Carcosianos”, que permitem aumentar muito a resistência ou o dano de inimigos, por exemplo. No entanto, o game nos obriga a equilibrar essas dificuldades adicionais com vantagens para o protagonista — uma forma de impedir que a experiência chegue a um ponto que se torne completamente inacessível.

Essa situação representa aquilo que considero uma das fraquezas de Saros e que mostra que a Housemarque está em um ponto de transição de sua história. Ao mesmo tempo que não abraça totalmente o lado narrativo e acessível, a empresa também abre mão de seu histórico focado no arcade, onde o desafio imperava e ditava as regras.

E isso se traduz em certa frustração para jogadores que buscam por um desses lados em específico. Para quem gosta do desafio, o jogo “não chega lá” (Returnal é muito mais desafiador), enquanto quem busca pela narrativa inevitavelmente vai enfrentar momentos nos quais a dificuldade aumenta subitamente e demanda algum “grind” para desbloquear novas habilidades.

Eu gosto mais de azul do que de amarelo

Enquanto a dificuldade e a narrativa de Saros se mantém em um conflito constante, felizmente a parte que importa do jogo é excelente. A Housemarque criou um gameplay bastante viciante, que vai fazer você ficar mais atento às cores azul, vermelha e amarela (e provavelmente ter alguns pesadelos com elas).

Elas representam as tonalidades dos disparos que sempre machucam Arjun, mas exigem respostas diferentes dele. Os azuis são os mais tranquilos de lidar, e o protagonista pode tanto usar seu desvio para passar sobre eles quanto usar sua defesa para absorvê-los — e transformá-los em munição para ataques especiais.

Já os vermelhos são aqueles dos quais você só quer fugir, e tentar bloqueá-los deixa o personagem temporariamente vulnerável. No entanto, os que você mais vai temer são os amarelos, cujos efeitos vão além de tirar vida. Eles também podem “bloquear” parte da energia do herói, impedindo que ela se recupere completamente.

Para recuperar os recursos, é preciso usar os ataques especiais (aqueles recuperados com os disparos azuis), o que nem sempre é fácil. Em momentos pontuais de suas fases, Saros ativa um grande eclipse, que faz com que os inimigos se tornem mais numerosos e agressivos — e passem a usar os mais os disparos amarelos do que os azuis.

Embora essas regras básicas sejam fáceis de aprender, na prática as coisas não são assim tão simples. Saros é especialista em nos tirar da zona de confronto (especialmente na transição de áreas) e confundir nosso cérebro sobre o que é melhor a fazer diante de escolhas que parecem impossíveis.

Para complicar tudo um pouco mais, também há inimigos que criam barreiras de proteção (rompidas somente com ataques físicos) ou são capazes de erguer escudos que cobrem grandes áreas do cenário. No entanto, os mais memoráveis são os chefes — nos quais você provavelmente vai morrer algumas vezes até aprender seus padrões de comportamento e como lidar com eles.

Enquanto a dificuldade de Saros nem sempre é a mais justa ou equilibrada, o ato de jogar o game é sempre divertido. E mesmo voltar a áreas inicias é recompensador, já que isso permite desbloquear novos trechos narrativos ou acumular bônus temporários que garantem que você vai estar melhor equipado para lidar com desafios mais avançados.

Vale a pena embarcar para Carcosa?

Embora a narrativa de Saros seja competente e tenha momentos interessantes, o jogo brilha realmente pelo gameplay. Nesse sentido, a Housemarque volta a demonstrar os mesmos talentos que fizeram sua fama no passado e, embora não entregue uma experiência focada no desafio, ainda assim faz com que ela seja muito gostosa de experimentar.

A ênfase da companhia em fazer você falhar algumas vezes antes de progredir faz com que o título definitivamente não seja para todos — e o mesma impressão se aplica para quem vê o desafio puro como a graça de um game.

No entanto, quem tiver certa resistência a frustração e entender a proposta dos ciclos que formam a narrativa tem grandes chances de sair satisfeito. Só espero que, em um próximo projeto, o estúdio consiga decidir melhor qual lado de sua identidade recente quer abraçar com mais força.

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Com uma proposta mais científica e fundamentada, o jogo tenta equilibrar realismo e emoção ao contar uma história sobre dois astronautas presos em um planeta desconhecido após um acidente. E é justamente nesse equilíbrio que Aphelion encontra sua identidade, entregando uma experiência que pode tanto encantar quem ama ficção científica quanto assustar quem já sonhou em olhar a Terra de longe.

No entanto, mesmo com uma abordagem interessante, o título ainda comete alguns deslizes que podem afastar jogadores mais exigentes.

Ficha Técnica

Jogo: Aphelion
Lançamento: 28/04/2026
Onde jogar: Xbox Series X|S, PC
Plataforma de teste: Xbox Series X
Preço: Disponível no Xbox Game Pass (a partir de R$ 76/mês)

Confira, a seguir, a review completa de Aphelion, feita com uma chave cedida pela desenvolvedora para Xbox Series X.

Uma história sobre espaço, solidão e sentimentos não ditos

Aphelion acompanha Ariane e Thomas, dois astronautas enviados em uma missão para avaliar o planeta Persephone, uma possível nova casa para a humanidade em um futuro onde a Terra se tornou inabitável. Logo no início, um acidente separa os dois, e o que era uma missão científica se transforma em uma luta desesperada pela sobrevivência e, principalmente, pelo reencontro.

A narrativa se desenrola alternando entre os pontos de vista dos dois protagonistas, explorando não apenas os perigos do planeta congelado, mas também os sentimentos reprimidos que eles carregam. Essa construção emocional ganha força nas atuações de voz, que conseguem transmitir tensão, saudade e fragilidade de maneira muito natural, aproximando o jogador da relação complicada entre os personagens.

Existe aqui uma atmosfera que lembra produções como Interstellar, tanto pelo tom contemplativo quanto pela sensação constante de insignificância diante do universo. Ao mesmo tempo, o jogo não romantiza a vida de astronauta, mostrando que o espaço pode ser tão fascinante quanto assustador, especialmente quando tudo dá errado.

O desfecho da história consegue emocionar, mas deixa aquela sensação de que poderia ter ido além, como se faltasse um último passo para fechar completamente a jornada. Ainda assim, é uma narrativa que prende e que funciona muito bem durante a maior parte da experiência.

Jogabilidade que alterna entre tensão e repetição

A estrutura de gameplay acompanha a proposta narrativa ao dividir a experiência entre Ariane e Thomas, criando dois estilos bem distintos de jogo. Enquanto Ariane enfrenta o ambiente com movimentação mais dinâmica, escaladas e puzzles, Thomas oferece uma abordagem mais lenta e introspectiva, focada em exploração e sobrevivência.

Controlar Ariane traz uma sensação que lembra jogos como Tomb Raider, com exploração de cavernas congeladas, escaladas perigosas e desafios ambientais que exigem atenção. As mecânicas de movimentação, como o uso de impulso e a necessidade de acertar o tempo dos saltos, ajudam a criar tensão constante, principalmente quando um erro pode significar uma queda fatal.

Além disso, o jogo introduz elementos interessantes, como o uso de pulsos para interagir com o ambiente e distrair a ameaça alienígena que ronda Persephone. Esses momentos de furtividade adicionam uma camada de suspense, ainda que o comportamento do inimigo nem sempre funcione como deveria.

Já com Thomas, o ritmo muda completamente, adotando uma pegada de “walking simulator” onde o foco está na exploração de bases, gerenciamento de recursos e na luta contra suas próprias limitações físicas. Essa mudança de ritmo é interessante no começo, mas pode cansar com o tempo, principalmente quando combinada com a repetição de cenários e interações.

Com cerca de 10 horas de duração, a jornada consegue ser envolvente, mas não escapa de momentos em que a repetição começa a pesar, especialmente na segunda metade do jogo.

Um planeta bonito, mas nem sempre polido

Visualmente, Aphelion impressiona ao apresentar Persephone como um mundo congelado, hostil e ao mesmo tempo fascinante. As paisagens geladas, cavernas e tempestades criam uma ambientação forte, que reforça a sensação de isolamento e perigo constante.

No entanto, essa imersão é frequentemente quebrada por problemas técnicos que aparecem ao longo da jornada. Durante a campanha, encontramos bugs que vão desde animações estranhas até momentos mais problemáticos, como personagens presos em cenários ou inimigos que não reagem corretamente.

Algumas telas de morte também passam a impressão de estarem inacabadas, o que reforça a sensação de falta de polimento geral. Vale destacar que a versão testada foi anterior ao lançamento e a equipe já está ciente de alguns desses bugs, então existe a possibilidade desses problemas serem corrigidos com atualizações futuras.

Por fim, destaco também o cuidado da Dontnod com acessibilidade. Mesmo com alguns deslizes técnicos, o jogo traz diversas opções para alterar o gameplay e facilitar a experiência para quem só quer ver a história, como tanque de gás infinito para Thomas.

Vale a pena encarar essa missão?

Aphelion é um jogo que aposta muito mais na sua atmosfera e narrativa do que na inovação de gameplay, entregando uma experiência que pode tocar quem busca histórias mais humanas dentro da ficção científica. Ao mesmo tempo, seus problemas técnicos e a repetição de algumas mecânicas impedem que ele alcance todo o seu potencial.

Para quem já é assinante do Game Pass e gosta de histórias espaciais com um toque emocional, vale a pena embarcar nessa jornada e tirar suas próprias conclusões. Já quem busca uma experiência mais refinada ou não se interessa tanto pelo tema, talvez seja melhor esperar por atualizações que corrigam bugs ou uma boa promoção antes de dar esse salto rumo ao desconhecido.

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Desenvolvido pela Fumi Games, o título coloca o jogador na pele de Jack Pepper, um detetive particular em uma cidade corrupta até o último tijolo. A premissa pode até parecer simples no começo — um desaparecimento misterioso —, mas rapidamente se transforma em uma teia de conspirações envolvendo corrupção, sequestro e assassinatos. E é nesse cenário que o jogo tenta equilibrar narrativa envolvente com ação desenfreada, apostando tanto no estilo quanto na substância.

Ficha Técnica

• Jogo: MOUSE: P.I. For Hire

• Lançamento: 16 de abril de 2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series S/X e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Xbox Series S

• Preço: A partir de R$ 88,99.

Um noir animado que prende desde o início

A história gira em torno de Jack Pepper, um ex-herói de guerra que virou detetive particular na cidade de Mouseburg. Neste lugar 100% noir e cartunesco, e cheio de referências a queijo e ratos, a corrupção parece fazer parte da paisagem tanto quanto os becos escuros e os prédios decadentes.

Dublado por Troy Baker, o personagem carrega aquele típico arquétipo do detetive cansado, mas competente. A figura resolve problemas enquanto se envolve em outros ainda maiores, sempre com aquele ar de quem já viu de tudo, mas continua seguindo em frente.

O que começa como o sumiço de um mágico rapidamente escala para algo muito mais complexo, levando o jogador a investigar uma rede de crimes que envolve figuras poderosas e situações cada vez mais perigosas. Ao longo da campanha, novos personagens surgem, histórias paralelas se entrelaçam e pistas vão sendo reveladas aos poucos, criando uma progressão narrativa que mantém o interesse.

O uso de um quadro de investigação, onde organizamos evidências para avançar na história, ajuda a reforçar essa sensação de estar realmente montando um quebra-cabeça, ainda que seja uma mecânica relativamente simples dentro do conjunto.

A progressão não traz muitas inovações, mas faz a história andar com novos personagens e intrigas. O sistema de missões, apresentação de novas mecânicas de gameplay e aumento do arsenal é muito semelhante ao que temos em jogos do gênero de roguelike, por exemplo.

No entanto, aqui em Mouse PI, temos um enredo mais robusto e mais interessante que a maioria de jogos do gênero. Só que as semelhanças não param por aqui.

Gameplay frenético que lembra Doom — para o bem e para o mal

A essa altura do campeonato você já deve ter visto em algum lugar alguém comentando que esse jogo é uma espécie de doom noir. Bom, é uma afirmação correta. Mas que eu não vejo como algo negativo, até certo ponto.

Se a narrativa puxa para o lado noir, o gameplay segue firme na ação desenfreada. MOUSE: P.I. For Hire adota uma estrutura bastante familiar para quem gosta de FPS clássicos, com fases que combinam exploração, coleta de pistas e combates intensos contra hordas de inimigos.

A movimentação é rápida, exige atenção constante e recompensa jogadores que dominam o ritmo acelerado, criando momentos bastante empolgantes, especialmente nas primeiras horas. O jogo também incorpora elementos que ampliam essa experiência, como habilidades desbloqueáveis, uso de ganchos para mobilidade e pulos duplos que incentivam a verticalidade dos cenários.

Há ainda uma leve influência de estrutura metroidvania, com áreas que podem ser revisitadas e segredos escondidos que recompensam a exploração. Tudo isso funciona muito bem do ponto de vista mecânico, mostrando um trabalho técnico refinado por parte da Fumi Games.

Em suma, a gameplay é um ciclo clássico de um roguelike. Entramos em uma missão, exploramos o mapa através de respostas/pistas e eliminamos as dezenas de inimigos que aparecem em nosso caminho. Eventualmente, lutamos contra um chefão.

Esse modelo, aliado a uma movimentação frenética e um vasto arsenal em mãos, é muito divertido. No entanto, sustentar esse tipo de gameplay por tantas horas, acaba enjoando um pouco.

O problema aparece com o passar do tempo. Esse ciclo de entrar em uma missão, enfrentar ondas de inimigos, coletar pistas e avançar para o próximo desafio começa a se repetir de forma previsível. O que antes era empolgante passa a dar sinais de desgaste, especialmente para quem está mais interessado na narrativa do que no combate em si.

A sensação de cansaço surge por volta da metade da campanha, quando o jogo já mostrou boa parte do que tem a oferecer em termos de mecânicas. Ainda assim, vale ressaltar que o trabalho técnico fantástico feito pela Fumi Games. Afinal, todas as mecânicas de FPS são muito bem refinadas, e o trabalho artístico é impecável.

Direção de arte é simplesmente absurda

Se existe um aspecto em que MOUSE: P.I. For Hire não apenas acerta, mas se destaca com folga, é na sua direção de arte. O jogo abraça completamente a estética dos desenhos animados da década de 1930, com animações feitas quadro a quadro e um visual em preto e branco que vai muito além de um simples filtro estilístico.

Tudo é deslumbrante. Desde os gráficos cartoon do game aos cenários muito bem detalhados e variados. Existe um cuidado evidente com iluminação, contraste e composição, criando cenas que são visualmente marcantes do começo ao fim.

Os cenários ajudam a reforçar essa identidade, trazendo uma variedade interessante de ambientes que vão desde ruas escuras e decadentes até locais mais elaborados, como estúdios de cinema e casas de ópera. Mesmo com a limitação de cores, o jogo consegue construir espaços ricos em detalhes e personalidade, sempre oferecendo algo novo para observar.

As animações também merecem destaque especial. Personagens, inimigos e armas possuem movimentos exagerados e cheios de estilo, capturando perfeitamente a essência dos cartoons clássicos. Esse cuidado se estende às cutscenes, que ajudam a contar a história de forma envolvente e reforçam ainda mais a identidade única do jogo.

Jazz que dá vida ao caos

A trilha sonora de MOUSE: P.I. For Hire funciona como uma extensão natural da sua proposta estética. Com composições originais de jazz no estilo big band, o jogo consegue criar uma ambientação sonora que mistura tensão e dinamismo na medida certa. As músicas acompanham bem o ritmo da ação, intensificando os combates e contribuindo para a imersão nos momentos mais investigativos.

Além disso, os efeitos sonoros seguem a mesma linha estilística, trazendo aquele exagero característico dos desenhos animados antigos. Cada disparo, explosão ou interação carrega um toque cartunesco que reforça a identidade do jogo sem comprometer a sensação de impacto durante o gameplay.

É um trabalho sonoro consistente, que ajuda a dar ainda mais personalidade à experiência.

Vale a pena?

MOUSE: P.I. For Hire é um jogo que conquista com facilidade nas primeiras horas e continua sendo interessante até o final, ainda que com algumas ressalvas. A direção de arte é excepcional, a trilha sonora é marcante e o gameplay, apesar de repetitivo em certos momentos, é sólido e bem executado.

No geral, MOUSE: P.I. For Hire é um jogo extremamente gostoso de jogar, de ouvir e de, ocasionalmente, apenas apreciar o trabalho técnico da equipe artística da Fumi Games. Existe um cuidado claro em entregar uma experiência com identidade própria, algo que se destaca em meio a tantos jogos que seguem fórmulas mais seguras.

Por outro lado, a repetitividade do loop de gameplay pode afastar alguns jogadores, especialmente aqueles que priorizam narrativa e variedade ao longo da campanha. Ainda assim, o jogo encontra seu público com facilidade, principalmente entre fãs de FPS clássicos e de propostas visuais mais ousadas.

No fim das contas, vale a pena embarcar nessa investigação, especialmente se você busca algo diferente e estiloso. Talvez não seja uma experiência perfeita do começo ao fim, mas é, sem dúvida, uma das mais interessantes em termos de identidade e direção artística nos últimos tempos.

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Aqui no Jornal dos Jogos, a experiência foi ainda mais especial por ser o primeiro título da Nintendo analisado por nós, e ele chega carregando essa leveza que combina com momentos despretensiosos. Contamos a seguir como foi viver nessa ilha onde amigos, pets e ideias completamente aleatórias ganham vida de maneiras inesperadas.

Ficha Técnica

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• Jogo: Tomodachi Life: Living the Dream

• Lançamento: 2026

• Onde jogar: Nintendo Switch 1 e 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 299

Uma cópia de Tomodachi Life: Living the Dream foi cedida pela Nintendo para análise.

Crie sua ilha com quem você quiser

Tomodachi Life: Living the Dream começa de forma simples, mas rapidamente se transforma em algo pessoal e até um pouco caótico. O objetivo é simples: você cria moradores para uma ilha e gerencia o local, no maior estilo “The Sims”.

No entanto, tudo ocorre no estilo Mii, os clássicos avatares da Nintendo, com vozes robóticas e gráficos cartunescos. Criar personagens baseados em amigos, familiares ou até animais de estimação parece uma ideia inocente. No entanto, ver essas versões interagindo cria situações que misturam humor, estranheza e um certo carinho inesperado.

A liberdade criativa é, sem dúvida, o coração do jogo, permitindo que você construa desde versões fiéis de pessoas reais até figuras completamente absurdas. Essa abertura transforma cada ilha em um universo único, onde as histórias não são escritas pelo jogo, mas surgem naturalmente das interações entre os personagens.

Por aqui, por exemplo, nós extrapolamos até mesmo os limites do próprio game. Enquanto o foco de Tomodachi Life é criar pessoas, eu montei a minha ilha personificando os pets da minha família e amigos, que ganharam versões “humanizadas” com personalidades próprias montadas no sistema do jogo.

O resultado é tão bizarro que ficou extremamente divertido. Ver cães e gatos discutindo sobre assuntos que eu defini, como “roubar comida” e “caminhão do lixo”, tornou toda a experiência cheia de surpresas e divertida não só de jogar, mas assistir. Afinal, você monta todo o cenário, mas não tem total controle do que está acontecendo.

Um simulador de relações que vive por conta própria

Uma das coisas mais interessantes em Tomodachi Life é perceber que você não tem controle total sobre o que acontece. Mesmo podendo influenciar situações ao arrastar personagens ou incentivar encontros, eles ainda tomam decisões próprias e frequentemente ignoram suas tentativas de interferência.

Esse comportamento dá vida ao jogo de uma forma muito orgânica, criando momentos que parecem espontâneos e até surpreendentes. É comum entrar na ilha esperando uma rotina tranquila e acabar testemunhando declarações de amor, brigas inesperadas ou eventos aleatórios como festas do pijama acontecendo sem aviso.

A sensação predominante é a de estar assistindo a um reality show improvisado, onde você é mais um observador curioso do que um diretor absoluto. Essa escolha de direção, inclusive, é intencional, já que os desenvolvedores queriam preservar a autonomia dos Mii e garantir que o inesperado fosse sempre parte da experiência.

Com essa fórmula de gerenciamento com observação, o jogo parece uma m istura de Big Brother Brasil (BBB) com The Sims. Afinal, quando você não está se surpreendendo com as histórias criadas pelos personagens, está criando e personalizando personagens e a ilha.

Gameplay simples, mas cheio de possibilidades

Apesar da proposta aparentemente complexa, Living The Dream é extremamente didático ao apresentar suas mecânicas. Cada novo recurso vem acompanhado de explicações claras, o que torna a experiência acessível até para quem nunca jogou algo parecido.

O ciclo de gameplay gira em torno de cuidar dos personagens, atender suas necessidades e observar suas interações, criando uma rotina que mistura gestão leve com observação constante. Com o tempo, novas áreas, lojas e possibilidades vão sendo desbloqueadas, expandindo o que você pode fazer na ilha.

Existe, sim, um momento em que o ritmo pode desacelerar, especialmente quando você já desbloqueou boa parte dos recursos. Ainda assim, a possibilidade de adicionar novos moradores — com um limite generoso de até 70 personagens — sempre renova a dinâmica e cria novas histórias.

Personalização quase infinita (para o bem e para o caos)

Se tem algo que Tomodachi Life faz com excelência é permitir que o jogador se expresse. A criação de personagens é extremamente detalhada, com opções que vão desde ajustes sutis até possibilidades completamente exageradas.

Além disso, a personalização se estende para roupas, casas, comidas e até itens inusitados, o que reforça a sensação de que cada ilha é única. Para quem gosta de criar, testar e experimentar, isso é praticamente um prato cheio.

Por outro lado, essa liberdade pode intimidar jogadores que preferem algo mais direto, já que nem sempre há presets suficientes para facilitar o processo. Por aqui, nós sofremos muito para criar as “versões humanas” dos pets, o que exigiu bastante liberdade criativa e tempo.

Ainda assim, até criações “estranhas” acabam se encaixando no tom do jogo e contribuem para o humor geral. Afinal, quando mais bizarras as coisas, mais engraçadas ficam as interações.

Narrativa sem roteiro, mas cheia de histórias

Tomodachi Life não tem uma narrativa tradicional, mas isso não significa que ele não conte histórias. Pelo contrário, as relações entre os personagens criam pequenos arcos que surgem naturalmente ao longo do tempo.

Amizades, romances, desentendimentos e reconciliações acontecem de forma orgânica, muitas vezes pegando o jogador de surpresa. Esse formato faz com que cada sessão de jogo seja única, já que nunca se sabe exatamente o que vai acontecer.

Existe também um toque curioso de identificação, já que muitos personagens são baseados em pessoas reais. Ver essas versões digitais vivendo situações absurdas cria uma conexão emocional que mistura humor com um leve sentimento de proximidade.

Por aqui, mesmo com a nossa abordagem envolvendo animais de estimação, o sistema de personalidades funcionou muito bem e consegue refletir características dos pets. Assim, cada interação parece muito genuína, garantindo muitas surpresas engraçadas.

Visual simples, mas cheio de identidade

Visualmente, o jogo mantém o estilo clássico dos Mii, mas com melhorias que deixam tudo mais expressivo e agradável. A direção de arte aposta em um visual limpo e levemente inspirado em anime, o que ajuda a destacar as emoções e interações dos personagens.

Os ambientes são coloridos e funcionais, servindo mais como palco para as interações do que como destaque técnico. Ainda assim, há um cuidado evidente em tornar cada espaço reconhecível e cheio de pequenos detalhes.

Essa escolha reforça a proposta do jogo de não buscar realismo, mas sim identidade. O resultado é um visual que combina perfeitamente com o tom leve e bem-humorado da experiência.

Áudio que abraça o absurdo

A trilha sonora segue a mesma linha do restante do jogo, com músicas leves e até um pouco excêntricas que lembram trilhas de elevador ou programas de TV. Esse estilo pode parecer simples à primeira vista, mas ajuda a criar uma atmosfera relaxante e constante.

As vozes dos personagens merecem destaque à parte, já que são propositalmente “estranhas” e robóticas. Essa escolha evita o realismo e reforça o tom cômico, transformando diálogos em momentos ainda mais engraçados.

Os efeitos sonoros também contribuem para a experiência, aparecendo de forma inesperada e ajudando a dar ritmo às interações. Tudo funciona em conjunto para criar uma ambientação que é ao mesmo tempo confortável e imprevisível.

Experiência no Switch

Rodando no Nintendo Switch 2, o jogo apresenta um desempenho estável e sem problemas técnicos. Os carregamentos são rápidos e não há quedas de desempenho que atrapalhem a experiência.

A possibilidade de jogar tanto no modo portátil quanto na TV também adiciona um charme especial, principalmente quando você compartilha as situações com outras pessoas. Afinal, assistir alguém jogando Tomodachi Life pode ser tão divertido quanto jogar.

Essa transição para um ambiente mais social faz sentido com a proposta do jogo, que sempre incentivou o compartilhamento de histórias e momentos inusitados. No entanto, ainda existe uma barreira para ser superada.

A única bola fora da Nintendo foi a ausência de localização em português brasileiro, o que seria ótimo para aumentar o alcance do jogo — e que poderia torná-lo um hit gigantesco no Brasil, considerando o potencial para memes. Considerando que a empresa está investindo cada vez mais em localização, vamos torcer para que vozes robóticas brasileiras sejam adicionadas no futuro.

Vale a pena?

Tomodachi Life: Living the Dream não é um jogo tradicional, e isso pode afastar quem busca objetivos claros ou desafios constantes. Ainda assim, ele entrega algo diferente, baseado em criatividade, humor e pequenas histórias do cotidiano.

O valor está justamente na experiência contínua, que se desenvolve com o tempo e depende diretamente do quanto você se envolve com os personagens. Não é um jogo para maratonar, mas sim para visitar regularmente e descobrir o que mudou.

Para quem gosta de jogos relaxantes e despretensiosos, Living the Dream se torna quase um refúgio. E se você consegue entender inglês e está comprado pela proposta maluca do game, a experiência pode ser uma das mais divertidas do ano que você vai ter.

Tomodachi Life: Living the Dream é, acima de tudo, um jogo sobre observar, rir e se apegar a pequenas situações inesperadas. Ele não tenta competir com grandes produções realistas e, justamente por isso, encontra sua força em ser simples, estranho e extremamente humano.

Vale a pena para quem busca algo leve, criativo e cheio de personalidade, especialmente se você gosta de criar histórias próprias dentro dos jogos. Já quem precisa de objetivos claros ou ação constante pode não se conectar da mesma forma com essa proposta.

Com essa combinação que mistura pitadas de Animal Crossing, The Sims e BBB, Tomodachi Life: Living the Dream é uma experiência despretensiosa que encontra sua força justamente no inesperado. No fim, ele não é sobre vencer, completar ou dominar sistemas complexos, mas sobre observar, rir e se surpreender com um mundo que continua vivo mesmo quando você não está olhando — e talvez seja exatamente por isso que seja tão difícil largar essa ilha maluca.

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Inspirado nos desenhos animados dos anos 1930 e com uma pegada noir, o jogo mistura investigação com combate em primeira pessoa, criando uma identidade bem única dentro do gênero. Mas além do estilo, um dos pontos que mais chama atenção é justamente como ele roda — especialmente no Steam Deck. E é sobre isso que falamos a seguir.

Ficha técnica

Jogo: Mouse P.I. For Hire
Lançamento: 2026
Onde jogar: PC (Steam)
Plataforma de teste: Steam Deck (modelo original) e PC
Preço: A partir de R$ 80

Requisitos e otimização chamam atenção

Mesmo com um visual bastante estilizado e efeitos bem trabalhados, o jogo apresenta requisitos acessíveis e um desempenho consistente, o que reforça o bom trabalho de otimização. A ficha de especificações, disponível na Steam, já dá uma ideia de que o game roda bem até mesmo em computadores mais antigos, desde que tenham um hardware relativamente potente.

Requisitos mínimos:

• Processador: Intel Core i5 9500 / Ryzen 3400

• Memória: 12 GB de RAM

• Placa de vídeo: GTX 1060 / RX 580 / Intel Xe 2

• Armazenamento: 11 GB

Requisitos recomendados:

• Processador: Intel Core i5 9600 / Ryzen 3600

• Memória: 16 GB de RAM

• Placa de vídeo: RTX 3060 / RX 7600 / Intel Arc B570

• Armazenamento: 11 GB

Na prática, o desempenho no Steam Deck mostra que o jogo foi bem pensado para rodar em diferentes configurações. Mesmo em um hardware portátil, Mouse P.I. For Hire consegue entregar uma experiência estável e visualmente competente.

Um exemplo técnico já no primeiro contato

Logo ao iniciar o jogo no Steam Deck, a primeira impressão é bastante positiva. Mouse P.I. For Hire já chega configurado com gráficos no médio e rodando a 40 FPS, o que, para os padrões do portátil, é uma escolha extremamente acertada.

O resultado entregue é muito sólido, especialmente considerando que o modelo testado é o original de 2022, que já não é exatamente novo no mercado. Ainda assim, o jogo roda com fluidez acima dos 30 FPS e mantém uma boa estabilidade na maior parte do tempo.

Essa decisão de travar em 40 quadros por segundo cria um equilíbrio interessante entre desempenho e qualidade visual. Na prática, a experiência fica mais suave do que 30 FPS e evita os problemas mais comuns que surgem ao tentar alcançar 60 FPS em hardware portátil.

Dá para chegar nos 60 FPS, mas com ressalvas

Para quem gosta de mexer nas configurações, o jogo permite ajustes suficientes para tentar alcançar os 60 quadros por segundo. No entanto, isso vem com alguns compromissos importantes.

É necessário reduzir a escala de renderização e diminuir a qualidade de sombras, por exemplo, para manter a estabilidade durante o gameplay. Mesmo assim, ainda existem quedas ocasionais — especialmente em momentos mais intensos ou ao girar a câmera rapidamente.

Essas oscilações podem impactar diretamente o combate, que é rápido e exige precisão. Por isso, apesar de ser possível jogar a 60 FPS na maior parte do tempo, a experiência não é totalmente consistente.

Na prática, a melhor recomendação é manter as configurações padrão. Jogar a 40 FPS garante uma experiência mais estável, visualmente agradável e com melhor autonomia de bateria — o que faz bastante diferença no Steam Deck.

Gameplay funciona muito bem no portátil

Mesmo com o visual em preto e branco, Mouse P.I. For Hire consegue se destacar muito bem na tela menor do portátil. O estilo artístico ajuda bastante na leitura dos cenários e dos inimigos, o que é essencial em um FPS.

Os tiroteios são caricatos, dinâmicos e fáceis de acompanhar, mesmo em uma tela compacta. Isso mostra um cuidado claro no design visual e na forma como o gameplay foi pensado para diferentes tipos de tela.

Outro ponto positivo é a interface. Os textos têm um tamanho confortável para leitura e o jogo conta com localização em português brasileiro, o que ajuda bastante na imersão e na compreensão da história.

Um estilo que pode não agradar todo mundo — mas funciona muito bem

Visualmente, o jogo é um espetáculo à parte. A estética inspirada em animações clássicas dos anos 1930, com tudo em preto e branco e animações desenhadas à mão, cria uma identidade muito forte.

Ao mesmo tempo, esse estilo é bastante específico e pode não agradar todo mundo. Quem busca algo mais moderno ou visualmente “tradicional” pode estranhar em um primeiro momento.

Ainda assim, é difícil negar o cuidado artístico presente aqui. Somado ao combate dinâmico e à narrativa noir, o jogo entrega uma experiência bem diferenciada dentro do gênero de tiro em primeira pessoa.

Vale a pena?

Mouse P.I. For Hire é um daqueles jogos que conseguem equilibrar estilo e técnica de forma muito competente. Ele não chama atenção apenas pela estética única, mas também por entregar uma performance sólida — algo essencial para quem pretende jogar no Steam Deck.

Se você gosta de FPS com identidade própria, combate dinâmico e uma narrativa bem apresentada, há grandes chances de se divertir aqui. A boa otimização e o preço acessível reforçam ainda mais esse pacote.

No fim das contas, é um exemplo interessante de como jogos independentes podem entregar experiências bem polidas, mesmo sem o orçamento de grandes produções. Seja no PC ou no portátil da Valve, Mouse P.I. For Hire mostra que dá, sim, para unir criatividade e desempenho no mesmo projeto.

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No entanto, uma surpresa também estava a caminho. Estamos falando de Pragmata, um novo jogo inédito da empresa com temática especial. Enquanto o jogo cativou alguns jogadores com seus trailers mostrando belos gráficos, uma dúvida ainda estava no ar: será que o novo projeto tem chance de competir com os pesos pesados da empresa?

Depois de tantas teorias e adiamentos, finalmente colocamos as mãos no game aqui no Jornal dos Jogos — cortesia de uma key cedida pela desenvolvedora. Confira como foi nossa experiência completa na nova proposta de ação futurista da Capcom.

Ficha Técnica

• Jogo: Pragmata

• Desenvolvedora: Capcom

• Lançamento: 17 de abril de 2026

• Onde jogar: PlayStation 5, Xbox Series X|S, PC e Nintendo Switch 2.

• Plataforma de teste: PC e Xbox

• Preço: A partir de R$ 259,00

Muito além do trailer: Como é o mundo de Pragmata?

O jogador é colocado para explorar uma base lunar enorme que parece vazia de início, mas acaba se tornando uma confusão de robôs tentando impedir o progresso de nossos protagonistas. O título acompanha o astronauta Hugh e Diana, um androide com a aparência de uma garotinha que vive no local.

Após a dupla passar por muitos apertos, um companheirismo entre os dois personagens se desenvolve, o que é refletido no gameplay. Diana serve como um importante componente do combate e história, mas também uma amiga bem divertida — ou melhor, uma filha bem simpática e curiosa.

O game monta cenários que fazem a relação dos dois parecer como um pai cuidando de sua filha diante dos perigos iminentes. Isso se reflete não apenas durante ameaças, mas também em momentos leves, como brincadeiras e interações mais cotidianas no abrigo.

O jogo também impressiona no quesito técnico. A cada nova área visitada, percebe-se uma vasta gama de cenários diferentes e estéticas que encaixam perfeitamente na proposta de mundo futurista que é esperada pelo jogador, tornando a experiência bem mais imersiva e atraente.

Não dá pra dizer que a história em si é digna de cinema ou o foco absoluto, mas a narrativa deixa a experiência bem mais leve. Afinal, o desenvolvimento dos personagens principais e a trajetória deles parece ser mais importante do que a missão.

Apesar disso, sempre é interessante mergulhar mais nesse mundo, indo na direção contrária de algumas obras que se tornam muito confusas com o desenrolar dos acontecimentos. Enquanto certos games geram uma perda de interesse com o aprofundamento, a premissa de Pragmata é interessante, simples e bem contada, onde tudo parece se encaixar de pouco em pouco.

Um ponto importante é que a história do jogo não é tão longa, algo que pode afastar jogadores buscando um bom “custo-benefício”. No entanto, depois de um final emocionante de suar os olhos, garanto que vale a pena acompanhar a jornada de Hugh e nossa pequena Diana nessa aventura espacial.

É ação, exploração ou simulação?

Na parte do gameplay, Pragmata se trata de um shooter em terceira pessoa frenético e inovador — e é aqui que o jogo brilha de verdade. Hugh, nosso astronauta, fica no comando de se movimentar nos cenários e atirar ou desviar nos combates.

Porém, é com Diana que a experiência se torna única. Nas costas de Hugh, ela fica responsável por hackear os robôs para deixá-los vulneráveis aos ataques do astronauta, o que exige atenção dupla do jogador.

Essa combinação de mecânicas entre os dois personagens deixa tudo mais divertido e viciante. Ao mesmo tempo que é preciso encarar de frente o perigo, ainda é necessário resolver um puzzle de hackeamento para cada inimigo.

Na prática, a interface apresenta uma espécie de mecânica de grade do qual o jogador precisa conectar um ponto da matriz a outro para expor as fraquezas do inimigo. Mesmo enquanto está enfrentando vários robôs de uma só vez, tudo isso acontece de forma bem fluida e dinâmica.

Além de lidar com o hackeamento de Diana, ainda existem outras coisas para se preocupar com Hugh. Há várias armas diferentes para serem utilizadas, onde cada uma tem um impacto no combate, garantindo bastante variedade no gameplay.

Enquanto parte do arsenal tem foco em dano próximo ou à distância, outras armas permitem travar o movimento dos inimigos temporariamente, lembrando a experiência de DOOM de 2016. Essa variedade, combinada com a habilidade de hack de Diana, torna a experiência de tiro frenética e bem estratégica ao mesmo tempo.

Vale ressaltar, também, que os hacks de Diana também possuem modificadores. Ao progredir na história, é preciso lidar com bloqueios nos caminhos do nódulo e também inimigos que desabilitam completamente a ação. Além disso, é possível aprimorar as habilidades dela com boosts de dano espalhado, vírus e até paralisia, garantindo um aproveitamento melhor do combate.

Dito isso, o único ponto que me incomodou no gameplay foi o fato de mirar com o mouse ser infinitamente melhor do que com o controle — ainda assim, o jogo recomenda fortemente o uso do gamepad. Com isso, jogadores como eu precisam sacrificar a mira pela imersão nas outras mecânicas presentes na jogatina.

O poder da RE Engine no espaço cibernético e sua música

Quando o assunto são gráficos, Pragmata dá um show com a RE Engine. O jogo apresenta praticamente todas as boas e novas tecnologias da NVIDIA para serem utilizadas. O pacote inclui upscalling e multi frame generation com o DLSS 4.5, sem esquecer o Ray Tracing ou Path Tracing, que elevam a experiência gráfica a um nível inacreditável de nova geração.

Mesmo apostando em tecnologias de ponta, o desempenho no PC foi excelente. Eu rodei o jogo em uma RTX 5060 e a iluminação global e o Ray Tracing entregaram o que foi prometido nos trailers. Nós também tivemos a chance de testar o game no Xbox Series X, onde a experiência visual não é tão rebuscada quanto no PC, mas o título entrega belos visuais e recursos adicionais, como suporte para o Quick Resume.

Ao que tudo indica, o tempo extra de desenvolvimento trazido pelos adiamentos fez a diferença para o jogo chegar muito bem polido no estado final de lançamento. Acertos como esse, bem como a experiência em Resident Evil Requiem, mostram que a RE Engine atualmente deve ser a melhor engine de games do mercado com folga.

E junto desse vislumbre visual, vem outro ponto forte de Pragmata: o design de áudio e trilha sonora colaboram para elevar ainda mais a experiência do jogador. As músicas encaixam de maneira satisfatória em cada área que é apresentada — música eletrizante no combate, contemplativa na exploração e até leve no abrigo que serve como descanso.

Outro destaque especial vai para o design de som dos efeitos. O jogo capricha nos nossos passos em cada superfície, nas vozes e efeitos dos robôs e personagens, bem como nos barulhos dos tiros de cada arma, muito bem trabalhados e refinados. Quando se encaixa tudo que foi dito, o decorrer da jogatina se torna extremamente imersivo e satisfatório em todos os momentos.

Pragmata ainda apresenta vários elementos de acessibilidade, incluindo configuração de tamanho e cor das legendas bem como dublagem em português brasileiro. A experiência ainda traz o modo casual de dificuldade diminuída para jogadores que querem aproveitar mais da narrativa do que ter muita dor de cabeça durante os vários combates.

Pragmata vale a pena?

Enquanto Pragmata é uma bela obra, é importante deixar claro que estamos falando de um jogo full price que é relativamente curto para se terminar a história principal. Com isso em mente, dependendo de quanto tempo o jogador quiser gastar aqui, pode acabar sendo um investimento arriscado comparado com outros títulos.

No entanto, o tópico do preço já entra em algo tradicional na indústria: o tamanho da sua carteira e o que você está disposto ou pode pagar. Afinal, se você acha que está caro agora, basta aguardar uma promoção para aproveitar o jogo mais pra frente.

Mesmo com uma duração que não é tão longa, Pragmata vale a pena para quem achar interessante a premissa futurista espacial do jogo. Pode-se dizer que o título é quase um Death Stranding, só que mais frenético, ágil e bem fácil de aprender.

O jogo também é uma boa recomendação para gamers que querem experimentar algo novo e diferente sem muitas complexidades. Afinal, é um projeto novo que a Capcom depositou suas fichas e investiu por muito tempo — e o resultado entregue é satisfatório.

Além de ser um ótimo exemplo de jogo single-player com temática de ficção-científica, Pragmata conquista com seus personagens cativantes, gameplay refrescante e atmosfera única. Com uma bela relação de pai e filha entre Hugh e Diana, o game também deixa claro como o companheirismo e a amizade podem mover grandes barreiras — até mesmo na Lua.

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Em um mercado lotado de jogos consagrados e novos competidores nascendo todo dia, o jogo traz um diferencial curioso para tentar se destacar: um mecha controlado por animaizinhos carismáticos.

Atualmente em acesso antecipado, o jogo já oferece uma boa quantidade de conteúdo, incluindo exploração, construção de vilarejo e interações com NPCs. Mas, como esperado de um título ainda em desenvolvimento, ele também carrega algumas arestas que impactam diretamente na experiência.

A seguir, conto como foi minha jornada montando uma vila fofa… enquanto brigava com um robô meio teimoso.

Ficha técnica

Jogo: Animalkind
Lançamento: Acesso antecipado (versão completa prevista para 2027)
Onde jogar: PC
Plataforma de teste: PC/Steam Deck
Preço: A partir de R$ 59,99

Uma key foi cedida pela desenvolvedora para a realização da review.

Um cozy com identidade própria (e um toque de caos mecânico)

A proposta de Animalkind é simples e bastante convidativa: você é um animal que precisa reconstruir sua ilha, formar um vilarejo e explorar novas áreas desbloqueando portais. Até aí, tudo dentro do esperado para o gênero, com atividades como coleta, construção e interação com personagens espalhados pelo mapa.

O diferencial está no uso de um mecha para realizar praticamente todas as tarefas. A ideia é divertida no papel e até charmosa na prática, principalmente nas primeiras horas, quando tudo ainda é novidade e a curiosidade fala mais alto.

No entanto, conforme o tempo passa, começam a surgir alguns atritos que afetam diretamente o ritmo do jogo. O que parecia ser um diferencial acaba se tornando um ponto de discussão importante na experiência como um todo.

O mecha mais atrapalha do que ajuda

Aqui está o ponto mais complicado da experiência. O mecha, que deveria ser o grande diferencial, acaba sendo um dos principais problemas do jogo neste momento.

Ele é lento, pouco responsivo e apresenta dificuldades claras de movimentação, principalmente ao lidar com plataformas e terrenos mais irregulares. Em várias situações, ações simples acabam exigindo mais tempo e esforço do que deveriam.

Como a maioria das tarefas depende dele — incluindo coleta, construção e exploração — isso impacta diretamente o ritmo do gameplay. Em vez de ser uma ferramenta divertida que potencializa a experiência, o mecha frequentemente se torna um obstáculo que quebra o fluxo do jogo.

Progressão confusa e repetição que pesa

Animalkind tem uma boa variedade de atividades, como coleta de recursos, construção, culinária e exploração. No entanto, a forma como essas mecânicas se conectam nem sempre é clara para o jogador, o que pode gerar frustração.

Durante a minha experiência, por exemplo, passei um bom tempo procurando peças de portal acreditando que isso desbloquearia novas mecânicas importantes. No fim das contas, o progresso dependia de algo muito mais simples: conversar com um NPC específico.

Além disso, o jogo cai em repetição com certa facilidade, especialmente nas tarefas de coleta e construção. A segunda ilha evidencia isso ainda mais, exigindo a criação de inúmeros caminhos e pontes, o que pode tornar a progressão um pouco cansativa ao longo do tempo.

Interações simples, mas cheias de charme

Se tem algo que o jogo acerta em cheio é no carisma dos seus personagens e interações. Conversar com NPCs fora do mecha, vendo dois animaizinhos trocando diálogos, é um dos momentos mais agradáveis da experiência.

Essas interações não são apenas estéticas, já que avançar na amizade com os personagens desbloqueia novas missões, habilidades e itens importantes. Isso cria um incentivo interessante para explorar esse lado mais social do jogo.

Mesmo sendo um sistema relativamente simples, ele funciona bem dentro da proposta cozy. É aquele tipo de mecânica que não busca inovar, mas entrega exatamente o que promete com muito charme.

Criatividade é destaque, mas controles ainda precisam evoluir

O modo de construção e personalização é facilmente um dos pontos mais fortes de Animalkind. Há uma boa variedade de itens decorativos, e o “modo design” permite planejar a ilha com bastante liberdade.

Essa liberdade criativa é um dos grandes atrativos do jogo, especialmente para quem gosta de passar horas ajustando cada detalhe do seu espaço. Montar o vilarejo aos poucos é satisfatório e reforça a sensação de progresso.

Por outro lado, os controles podem ser um pouco engessados em alguns momentos, o que atrapalha essa liberdade. Isso torna a experiência mais confortável no PC, enquanto outras formas de controle ainda parecem precisar de ajustes.

Jogar sozinho é ok, mas com amigos tudo faz mais sentido

Apesar de ser totalmente jogável solo, fica claro que Animalkind foi pensado para brilhar no multiplayer. A possibilidade de jogar com até quatro pessoas muda bastante a dinâmica e transforma tarefas simples em momentos mais interessantes.

Momentos que seriam arrastados ou repetitivos ganham mais vida quando divididos com amigos. Além disso, certas partes da progressão — especialmente as menos intuitivas — acabam fluindo melhor quando há mais gente explorando e descobrindo juntas.

Sozinho, o jogo pode parecer um pouco lento em alguns momentos e até cansativo dependendo da atividade. Em grupo, ele se aproxima muito mais da proposta cozy ideal: um espaço relaxante, divertido e cheio de pequenas histórias compartilhadas.

Problemas técnicos ainda fazem parte da jornada

Por estar em acesso antecipado, alguns problemas técnicos já eram esperados, e eles realmente aparecem durante a jogatina. Em alguns momentos durante o nosso gameplay no PC e Steam Deck, a experiência acabou sendo interrompida por falhas que poderiam ser evitadas em uma versão mais polida.

Durante a minha experiência, enfrentei bugs como o personagem desaparecendo ou ficando completamente travado, exigindo reset para continuar jogando. Não são problemas constantes o tempo todo, mas aparecem o suficiente para impactar a imersão.

A expectativa é que esses pontos sejam corrigidos ao longo do desenvolvimento, especialmente considerando que os próprios desenvolvedores destacam a importância do feedback da comunidade nessa fase.

Vale a pena jogar agora?

Animalkind é aquele tipo de jogo que conquista primeiro pelo carisma e pela proposta. Ele é fofo, acolhedor e tem ideias interessantes, principalmente para quem gosta de jogos de construção e simulação de vida.

Ao mesmo tempo, ainda carrega limitações importantes típicas de um acesso antecipado, como repetição, progressão confusa e problemas técnicos. O mecha, que deveria ser o grande destaque, ainda precisa de ajustes para realmente funcionar como parte positiva da experiência.

No estado atual, vale a pena principalmente para quem gosta do gênero e quer acompanhar o desenvolvimento do jogo de perto, especialmente jogando com amigos. Para quem prefere experiências mais completas e polidas, talvez seja melhor esperar um pouco mais antes de embarcar nessa jornada — mas vale ficar alerta, pois o preço vai subir na versão final.

Depois da minha experiência, dá pra concluir que Animalkind é quase como o próprio vilarejo que você constrói: cheio de potencial, muito charmoso e com boas ideias — mas ainda em processo de evolução.

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O estúdio de Psychonauts 2 resolveu criar um game de batalha em arena online onde os jogadores controlam potes de cerâmica: o gameplay envolve criar sua “armadura” e cair na pancadaria com o time rival, visando quebrar os adversários e apagar o fogo de um grande forno.

Enquanto a ideia é bem diferente no papel, o gameplay é bem fácil de entender na prática. O Jornal dos Jogos teve a chance de testar o game durante o beta aberto que rolou no fim de semana e a experiência foi bem divertida, mas sentimos falta de um recurso que poderia tornar a experiência ainda mais divertida.

Ficha técnica

• Jogo: Kiln

• Desenvolvedora: Double Fine/Xbox Game Studios

• Lançamento: 23 de abril de 2026

• Onde jogar: PlayStation 5, Xbox Series S/X e PC

• Plataforma de teste: PC e Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 62,10 (também disponível no Xbox Game Pass)

Kiln te transforma em um pote lutador — e você faz o molde

Enquanto a Double Fine é renomada por jogos narrativos e artísticos como Keeper e Psychonauts 2, Kiln é o novo título que explora a veia multiplayer do estúdio. O jogador vira um espírito capaz de possuir potes de cerâmica com um único objetivo: apagar o fogo do forno adversário.

O gameplay acontece em dois estágios diferentes. Primeiro, é necessário construir seus potes — mas também é possível selecionar alguns pré-prontos, o que tira parte da diversão. Em uma estadão com argila, você pode moldar livremente como vai ser a sua armadura.

Dependendo do formato, o pote é classificado em uma das classes do game, o que garante uma habilidade especial diferente. Além disso, o formato influencia nos dois fatores mais importantes para a batalha: durabilidade (que é a vida) e capacidade de carga de água.

Outro ponto interessante do game é a influência do formato do pote na jogabilidade. Potes maiores possuem mais capacidade para levar água e apagar o fogo adversário, mas não podem entrar em certos locais, como buracos que levam para áreas “secretas” na arena.

Com essas mecânicas, a montagem de potes e trabalho em equipe faz bastante diferença na hora de jogar. Afinal, se o time de quatro jogadores combinar bem, é possível montar uma equipe matadora com potes para flanquear, defender e atacar. Tudo bem lúdico, mas com bastante abertura para estratégias.

Pancadaria em arena é divertida

Quando os jogadores partem para a pancadaria, a experiência é bem divertida. As partidas são rápidas: os competidores nascem em lados opostos do mapa e precisam atravessar a arena para chegar até o forno inimigo e jogar água na caldeira adversária.

Cada fornalha possui uma barra de energia e três vidas; o time que apagar todo o fogo primeiro é o vencedor. No entanto, o ciclo de gameplay vai além do encontro entre jogadores para uma troca franca de pancadaria.

A arena que estava disponível no open beta, por exemplo, conta com uma discoteca. Ao pisar em blocos brilhantes no chão, o personagem começava a dançar, impedindo de atacar ou seguir em frente.

Além disso, os jogadores de cada equipe nascem em frente ao forno que precisa ser defendido dos adversários. Com isso, o ciclo de gameplay sempre envolve ataques surpresa e estratégias para escapar de pancadas que podem quebrar seu pote ou derramar água.

A progressão apresentada no open beta também é promissora. O jogo traz um sistema de níveis que libera novos itens cosméticos, além de mais argila para construir potes diferentes. Com a abordagem certa no pós-lançamento, Kiln pode encontrar um lugar ao sol no mercado competitivo de jogos multiplayer e garantir um nicho para chamar de seu.

A ausência do multiplayer local

Enquanto o jogo é muito divertido, a única coisa que senti falta no game foi a presença de um modo voltado para multiplayer local. Em sua versão atual, Kiln é vendido exclusivamente como uma experiência online para equipes de quatro jogadores.

A fórmula de gameplay atual, com batalhas em arenas e visão isométrica, dificulta a implementação de um modo com tela dividida. Ainda assim, seria interessante o time da Double Fine lançar um modo separado voltado para combates locais.

O sucesso e longevidade de jogos como Bumerang Fu e Overcooked mostram que existe um mercado para party games com multiplayer local, seja no Xbox ou em outras plataformas. Ter a possibilidade de construir potes e cair na pancada com os amigos em tela dividida seria uma ótima adição em Kiln — vamos torcer para que algo assim esteja no roadmap pós-lançamento do projeto.

Vale a pena ficar de olho?

Kiln chega com uma ideia diferente e divertida de multiplayer. Mesmo com o conteúdo limitado no open beta, já deu para sentir que o game pode ser uma experiência divertida para quem curte jogos mais experimentais e para serem aproveitados com a galera.

Para quem assina o Game Pass, vale a pena dar uma chance ao game. Por outro lado, com valores partindo de R$ 69,00 em sua compra, o jogo acaba tendo um preço maior que outros multiplayer que trazem uma vibe similar para gmeplay em grupo, como é o caso de Peak e R.E.P.O. Com isso em mente, vale a pena estudar se o investimento vale para você — e se os seus amigos estão dispostos a entrar nessa aventura ao seu lado.

Kiln tem lançamento marcado para 23 de abril no PC, PS5 e Xbox Series S e X. O jogo estreia direto no Xbox Game Pass Ultimate.

A descrição do game na Steam também não ajuda a apagar essa fama. Com várias imagens que podem gerar confusão logo de game, o jogo é descrito de um jeito que pode assustar. “Jogue como um Corredor biocibernético e explore a colônia perdida de Tau Ceti IV no FPS PvPvE de extração dos criadores de Halo e Destiny.”

Enquanto as credenciais da Bungie são renomadas para alguns jogadores, a sigla “PvPvE” pode assustar quem não está acostumado com jogos multiplayer. No entanto, como a gente já está acostumado com Overwatches e Fortnites da vida aqui no Jornal, testar o game não foi desafiador, mas uma jornada de descoberta.

Ficha Técnica

• Jogo: Marathon

• Desenvolvedora: Bungie/PlayStation Studios

• Lançamento: 5 de março de 2026

• Onde jogar: PlayStation 5, Xbox Series S/X e PC

• Plataforma de teste: PC e Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 164,90

A seguir, confira a review do Jornal com Marathon, realizada no PC, com uma key oferecida pela galera da Bungie e da Theogames. A análise também contou com apoio de uma versão de Xbox Series X cedida por empréstimo.

Não é uma corrida, mas uma Maratona

Quando você cai pela primeira vez em Marathon, que já te joga em um tutorial bem desafiador, seu primeiro instinto pode ser pegar a arma e matar todo mundo que aparece na sua frente. Com câmera em primeira pessoa, o game te joga em um planeta cheio de objetos coloridos, áreas rochosas e robôs assassinos como principal população.

Com tantas ameaças ao redor, é comum que a primeira reação seja simplesmente apertar o gatilho no primeiro momento de terror. Assim como em muitos jogos multiplayer, a programação normal do jogador é correr, conseguir o melhor loot possível e sobreviver matando geral.

No entanto, diferente de jogos como Fortnite e até outros shooters de extração, Marathon não é uma corrida, mas, ironicamente, uma maratona. Você não precisa gastar toda a sua energia tentando ser o melhor ou matando todo mundo. Na verdade, o objetivo aqui é outro: cadenciar o gameplay para sobreviver e ir mais longe na jornada.

Morra, reviva, tente de novo

Minhas primeiras horas com Marathon foram horríveis justamente porque pensei que o game era um shooter comum. Se você entra numa partida pensando em matar geral, com certeza vai se frustrar.

As coisas só começaram a fazer sentido para mim quando explorei Marathon além do game. O jogo conta com menus cheios de textos explicativos e ótimas narrações em português brasileiro, mas a interface é tão complexa que fui em busca de vídeos no Youtube, e acabei caindo em uma obra de arte.

No ano passado, a Bungie lançou um curta-metragem do jogo em parceria com Alberto Mielgo, diretor de a nimação conhecido por Love, Death & Robots. Na produção, acompanhamos a destruição de Tau Ceti IV e o momento em que encontramos o jogo: corredores, que são pessoas que morrem e são reimpressas em 3D, vão ao planeta para realizar trabalhos para grandes corporações.

Na história futurista do jogo, você é apenas um objeto que está perdendo a essência da alma enquanto realiza tarefas para uma megacorporação. Tudo isso em troca de itens para serem usados em novas incursões, sempre em busca de um loot melhor.

Quando olhamos pelo ângulo do personagem que você assume, independente da classe, o jogo entrega um estado de imersão gigante. Assim como na história do game, seu maior objetivo como jogador é ir até o planeta, buscar itens legais e voltar vivo. E se você não conseguir, uma nova versão do seu personagem é impressa em 3D para você tentar de novo.

Talvez o niilismo do game tenha batido forte demais por aqui, mas essa visão mudou tudo na hora de jogar. Em Marathon, a vida não tem valor, mas a sobrevivência é um grande recurso. Você não precisa correr para matar seus inimigos, mas precisa caminhar até o fim da partida para sair vitorioso.

E se você não conseguir, sempre existe a chance de tentar de novo. Talvez você perca uns itens no caminho, mas nada tem muito valor nesse mundo digital.

Uma incursão punitiva

A sobrevivência em Tau Ceti IV também ganha novos horizontes quando você começa a enfrentar seus perigos. O jogo conta com inimigos controlados por IA que são extremamente fortes, um ambiente que pode te matar a qualquer momento e limitações que dificultam a cura.

Com isso, cada movimento do jogador precisa ser calculado. Aqui, a estratégia em grupo é valiosa, pois cada membro da dupla ou trio precisa escolher bem as armaduras de corredor e o loot para garantir a sobrevivência da equipe.

Jogando sozinho, então, isso é ainda mais latente. Ao colocar os pés em Tau Ceti IV, o jogador precisa respirar, ver quais são seus objetivos e calcular o melhor jeito de alcançá-los. E eu garanto: muitas vezes, a melhor maneira de fazer isso é evitando confronto direto com inimigos humanos e robóticos.

Como o próprio conceito de Marathon aponta, o ciclo de gameplay envolve ir até o planeta, fazer coisinhas que vão desde quebrar vidros até resgatar objetos valiosos, e voltar para a nave. Nesse processo, porém, extrair com sucesso nem sempre é fácil, e você vai morrer. Muitas vezes.

Além da dificuldade imposta pelas máquinas e pelos outros jogadores, o próprio mundo do game é uma ameaça. E uma muito bela: Os cenários futuristas são coloridos e chamativos, incluindo até mesmo mudanças no clima. No entanto, o planeta traz ameaças que vão desde plantas venenosas até monstros que explodem no contato.

A pior parte nisso tudo é a demora para encontrar partidas. O game até possui crossplay, mas encontrar um lobby, mesmo jogando no solo, pode demorar até dez a quinze minutos, dependendo do horário que você jogar. Uma atualização chegou para ajudar nisso agora no fim de março, mas a demora ainda existe em alguns casos.

E a pior parte é que você nem consegue mexer nos menus enquanto a busca rola, só pode aceitar a dor e seguir aguardando em uma tela bonita, mas estática.

Ninguém vai te ajudar

Enquanto sobrevivência é a palavra que define Marathon, uma das partes mais interessantes no game é a falta de colaboração. Em tese, os jogadores na mesma partida poderiam se ajudar para todo mundo alcançar seus objetivos e todo mundo extrair com sucesso.

No entanto, a atmosfera tensa criada pelo game acaba impedindo isso: na primeira chance, outros jogadores vão atirar em você. Sério, eu joguei todas as vezes com chat de proximidade habilitado, sempre tentando contato com outros player. Resultado: todas as vezes acabei tomando um tiro antes mesmo de receber qualquer palavra em retorno.

Esse tipo de experiência torna Marathon um ótimo game multiplayer para ser jogado sozinho. Seja com ameaças robóticas ou outros jogadores, o título passa uma atmosfera constante de solidão e perigo, tornando as missões e os itens encontrados, por mais bobos que sejam, grandes tesouros — justamente da mesma forma que foi exibido no curta de apresentação da Bungie.

Tudo isso fica ainda mais forte quando levamos em conta o design do game. O jogo traz um visual único, realista e colorido. A combinação traz uma vibe cyberpunk diferenciada quando comparado a outros shooters online, tornado o game algo realmente peculiar e interessante. No entanto, o título pode ser, justamente, peculiar até demais.

Uma experiência complicada e que não é para qualquer um

Marathon fica muito legal quando você compra a sua premissa, aceita que morrer faz parte da experiência e que o jogo está longe da dopamina rápida entregue por outros títulos do gênero. No entanto, em um mundo onde um TiKTok de três minutos é um longa-metragem para várias pessoas, esse conceito pode ser desagradável para alguns jogadores.

Enquanto o gênero de tiro de extração já é um nicho, Marathon vai ainda mais longe. Além do visual peculiar e classes bem diferentes, o jogo conta com uma dificuldade consideravelmente maior que outros games similares.

Não bastasse isso, o game também conta com outras barreiras que podem afastar jogadores casuais. O sistema de contratos rende menus complexos e com microtextos, que não são legais de ler na TV da sala, por exemplo. Além disso, o próprio sistema de loot pré-partida pode ser complexo para quem está acostumado com outros jogos de tiro.

Essas barreiras tornam toda a experiência bem complexa logo no começo do jogo, que fica ainda mais cansativo quando temo que esperar diversos minutos para encontrar uma partida, seja no solo ou com squad fechado. Em alguns momentos, parece que o próprio game está contra você.

Se eu não tivesse que fazer a review do game, com certeza teria dropado Marathon nas primeiras horas para pedir reembolso na Steam — e com isso teria perdido uma das melhores experiências multiplayer que tive em 2026. Para um game que depende de jogadores fieis, ter uma barreira de entrada tão grande pode ser muito danoso.

Felizmente, a Bungie também está fazendo um bom trabalho expandindo e dando suporte para o game, tanto no gameplay quanto na lore. O título recebeu a atualização com os Crioarquivos, trazendo o endgame do jogo, além de diversas atualizações com base em feedback da comunidade.

Com isso em mente, a expectativa é que o jogo evolua para alcançar a sua forma definitiva com o passar do tempo, algo que também aconteceu com Destiny. No entanto, isso pode exigir a paciência de muitos executivos.

A Sony está pronta para isso?

Assim como todo grande jogo online, Marathon virou pauta por causa de seu número de jogadores desde o lançamento. Mesmo com reviews positivas de jogadores, o game teve um pico de 88 mil jogadores na Steam, mantendo uma média de 40 mil players nas semanas pós-lançamento.

Além das barreiras de gameplay que comentei acima, o jogo também é vendido por valores partindo de R$ 164,90 no PC — além de exigir PS Plus e Game Pass para jogar online nos consoles. Tudo isso sem contar que o título ainda possui um passe de batalha premium que vende mais itens dentro do game, que felizmente são cosméticos.

Como se trata de um jogo de nicho, faz sentido não esperar que o jogo tenha um grande público mas mantenha uma média de jogadores que sempre retornarão para uma nova run. A metáfora que usamos no gameplay é válida aqui também: enquanto títulos free-to-play, como o falecido Highguard, correm por um lançamento bombástico, Marathon está numa maratona, em que precisa manter seus jogadores fieis sempre engajados, pensando em um prêmio a longo prazo.

Criadora de Destiny, a Bungie já está acostumada com esse tipo de coisa. No entanto, resta saber agora se a Sony está preparada para esse tipo de abordagem. A PlayStation comprou o estúdio por por US$ 3,6 bilhões em 2022 e está numa má fase com jogos online, o que claramente coloca certa pressão em Marathon.

Ainda assim, com as características do game, Marathon definitivamente não vai fazer dinheiro infinito. Por outro lado, o jogo pode ser um bom exemplo de game com crescimento saudável e ganhos em longo prazo, isso se o mercado tiver paciência para isso — algo que, como mostram jogos como Highguard, está cada vez mais raro.

Vale a pena investir em Marathon?

Com seu design diferenciado e proposta única, Marathon é um dos jogos multiplayer mais diferentes que já tive o prazer de jogar. Seja solo ou em equipe, o game traduz muito bem a sua atmosfera peculiar no gameplay, algo que nem sempre acontece em jogos do tipo.

No entanto, a barreira de entrada do game é complicada. Além de a busca por partidas demorar em alguns casos, o jogo não facilita a vida dos novatos, o que pode ser um dos motivos para o título não ter milhões de jogadores — e tá tudo bem.

Se você curte jogos de extração e títulos com pegada experimental bem fora da caixa, vale a pena deixar Marathon em seu radar. Por outro lado, se você busca algo mais casual, talvez o game seja muita areia para o seu caminhãozinho, principalmente em seu estado atual.

Marathon é um título interessante justamente por aceitar o que ele é: algo bem diferente e que não é para qualquer um. Agora, resta esperar pra ver se a Sony também aceitará essa natureza rebelde do jogo em um mercado cheio de expectativas.

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O Jornal dos Jogos recebeu uma cópia do game no PC e teve a chance de revisitar a jornada de Sam Porter Bridges em uma nova plataforma. A seguir, contamos como está a experiência no computador com a review da nova versão.

O texto está totalmente livre de revelações da história, mas deixamos um spoiler da review: a experiência tá bem maneira.

Ficha técnica

Jogo: Death Stranding 2: On The Beach
Lançamento: 19 de março de 2026 (PC)
Onde jogar: PS5 e PC
Plataforma de teste: PC com GeForce RTX 5080
Preço: A partir de R$ 399

Death Stranding 2 de PC traz pacote completo no computador

A versão de PC foi produzida pela Kojima Productions em parceria com a Nixxes, estúdio da Sony já conhecido por ports de qualidade. O resultado é exatamente o que muitos jogadores esperavam: um pacote completo que eleva ainda mais a experiência vista no console.

Ou seja, o jogador já pode esperar aquela clássica tela que abre antes do game para definir configurações técnicas. Além disso, o título traz conexão opcional com a PlayStation Network, o que oferece itens extras no jogo — algo que virou comum nos lançamentos da marca.

Além disso, o título abraça as tecnologias mais modernas do mundo do computador, entregando uma experiência no nível esperado de um lançamento do tipo. Entre as principais tecnologias presentes na versão de PC, vale destacar:

• Suporte a NVIDIA DLSS, AMD FSR e Intel XeSS (com upscaling e frame generation)

• Taxa de quadros destravada

• Configurações gráficas avançadas e personalizáveis

• Suporte a ultrawide (21:9) e super ultrawide (32:9)

• Ray Tracing para reflexos e ambient occlusion

• Compatibilidade com DualSense (feedback háptico e gatilhos adaptáveis)

• Suporte completo a teclado e mouse com remapeamento

• Áudio 3D (Dolby, DTS e Windows Sonic)

Além dos gráficos de ponta que já vimos no PS5, o game conta com suporte para ultrawide, garantindo uma imersão ainda maior e um tom quase cinematográfico durante a exploração. A sensação de atravessar os cenários amplos do jogo ganha uma nova camada quando expandida para esse tipo de monitor.

O jogo também não decepciona em performance: Nos testes realizados, utilizando uma GeForce RTX 5080, o game alcançou uma média de 240 FPS em 1440p com configurações no máximo e Ray Tracing ativado e DLSS. Esse desempenho impressionante só é possível graças ao ótimo uso das tecnologias de upscaling e geração de quadros, que estão muito bem implementadas.

Mesmo assim, o título não abandona quem tem máquinas mais modestas. Os requisitos indicam suporte até para GPUs como a GTX 1660, mostrando que, com alguns ajustes gráficos, ainda é possível aproveitar a experiência completa sem precisar de um setup de ponta.

Jogo de Hideo Kojima traz história original e gameplay terapêutico ao PC

Além da parte técnica de qualidade, Death Stranding 2 também marca a chegada de um dos jogos mais originais dos últimos tempos ao PC. A experiência é tão única que tivemos nada menos que duas reviews do jogo por aqui — três, contando com essa aqui.

Se você já está acostumado com o mundo dos games, provavelmente já ouviu falar de Hideo Kojima. Conhecido por suas ideias fora da curva, o criador sempre divide opiniões — e Death Stranding talvez seja o melhor exemplo disso.

O primeiro jogo ficou marcado por ser chamado, muitas vezes de forma pejorativa, de “simulador de carteiro”. Ainda assim, conquistou público suficiente para virar uma franquia relevante, culminando em uma sequência que não só expande sua proposta, como também refina praticamente tudo que veio antes.

Death Stranding 2 mantém a essência do original, mas entrega uma experiência mais madura e melhor estruturada. A sequência melhora o ritmo, adiciona novas mecânicas e aprofunda sua narrativa, tornando a jornada muito mais envolvente tanto para veteranos quanto para quem está chegando agora.

Com isso, até mesmo se você desistiu ou nem deu uma chance ao jogo anterior, Death Stranding 2 ainda pode ser bom para você. Afinal, o game melhora todos os aspectos do antecessor — e também traz um resumo da história em seu começo.

“Simulador de carteiro”? Só se for no melhor sentido

O gameplay continua centrado em entregas, mas reduzir o jogo a isso é ignorar toda a construção ao redor dessa ideia. Em um mundo devastado por eventos sobrenaturais, onde sair de um abrigo pode significar a morte, cada entrega ganha peso e significado.

A ambientação ajuda muito nessa construção, com fenômenos como a chuva temporal e criaturas misteriosas tornando cada trajeto uma pequena missão de sobrevivência. Isso transforma tarefas simples em momentos de tensão, planejamento e, curiosamente, satisfação.

Existe uma certa tranquilidade quase terapêutica em atravessar cenários carregando equipamentos, escolhendo rotas e superando obstáculos. Em um cenário atual cheio de estímulos rápidos, Death Stranding 2 funciona como uma pausa inesperada — e muito bem-vinda.

O jogo também conta com um combate engajante, e a versão de PC ainda chegou com o modo “To The Wilder”, que garante ainda mais dificuldade para quem jogou anteriormente e está acostumado com a experiência. Ou seja, se o jogo te fisgar no combate, é um bônus interessante.

Uma história que continua provocando reflexões

Assim como no primeiro jogo, a narrativa de Death Stranding 2 aposta em mistério, personagens marcantes e temas profundos. A diferença aqui é que o foco está menos na construção do mundo e mais nas consequências das conexões criadas.

Temas como luto, amizade e o peso das relações humanas aparecem com mais força, trazendo reflexões que vão além da tela. Em alguns momentos, o jogo consegue provocar pensamentos inesperados, daqueles que ficam com você mesmo depois de desligar o PC.

Tudo isso é apresentado no clássico “jeito Kojima”, com momentos grandiosos, cenas impactantes e algumas decisões criativas que podem causar estranheza. Ainda assim, o resultado final é bastante positivo e entrega uma narrativa envolvente do começo ao fim.

Vale a pena jogar Death Stranding 2 no PC?

A versão de PC de Death Stranding 2 chega como a forma definitiva de experimentar o jogo. Com melhorias técnicas significativas, excelente otimização e uma série de recursos extras, o título aproveita muito bem o potencial da plataforma.

Para quem já gostava da franquia, essa é uma recomendação fácil. Já para quem ainda tem dúvidas por conta da proposta diferente, talvez essa seja a melhor oportunidade de dar uma chance — especialmente em uma eventual promoção, já que o game custa R$ 399,90.

No fim das contas, Death Stranding 2 continua sendo uma experiência única dentro da indústria. Pode não ser para todo mundo, mas para quem embarca na jornada, dificilmente sai indiferente.

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Senta aí, pega um café (ou uma água, porque o texto vai longe) e vamos dissecar por que esse jogo é, sem sombra de dúvidas, um dos maiores marcos dessa geração, apesar de todo o ruído negativo desnecessário que tentaram criar em volta dele.

Requisitos e Plataformas

Primeiro, vamos tirar a parte técnica do caminho. Muita gente ficou em choque achando que precisaria de uma supermáquina da NASA para rodar o jogo. Olha, não vou mentir: o jogo é pesado porque é lindo. Mas a otimização que a PA fez é de tirar o chapéu.

• Plataformas: O jogo saiu para PC, PlayStation 5 e Xbox Series X/S. Nada de geração passada aqui, o que foi uma decisão acertada. Para entregar esse nível de detalhe, o PS4 ia simplesmente entrar em combustão.

• PC e Performance: Se você está no PC, uma RTX 3060 já te entrega uma experiência honesta em 1080p com o DLSS ou FSR ligado. Mas, se você quer ver o “suco” gráfico, uma série 40 da Nvidia faz milagres com o Frame Generation.

• Preço: O valor segue o padrão atual de lançamentos AAA (aqueles $70 dólares que dói no bolso, mas que aqui no Brasil a gente sempre chora por uma promoção). Mas quer saber? Pelo volume de conteúdo, cada centavo vale a pena. Não é um jogo de 10 horas que você zera e esquece. É um investimento em centenas de horas de diversão.

O “Red Dead Redemption 2” da Fantasia Medieval

A comparação mais óbvia e que todo mundo faz — e com razão — é com Red Dead Redemption 2. E não, não é só porque tem cavalo. É o feeling.

Sabe aquela sensação de peso do personagem? De que cada passo importa? Em Crimson Desert, o mundo é vivo. Se você esbarra em alguém na rua, a reação é realista. Se você entra na lama, o Kliff (nosso protagonista) fica sujo de um jeito que dá agonia.

A física dos objetos, a forma como a vegetação reage ao vento e ao toque, o ciclo de dia e noite... tudo grita RDR2. Você luta para restaurar seu clã que foi devastado no início da lore e constrói um novo lar para eles, é isso.

A Pearl Abyss entendeu que, para criar imersão, não basta gráfico bonito; é preciso interação. Você se sente parte de Pywel (o continente do jogo). Você pode parar numa taverna, sentar, ouvir as fofocas dos NPCs e isso pode acabar liberando uma missão secreta. É aquele tipo de jogo orgânico que te distrai do objetivo principal a cada cinco minutos porque algo interessante aconteceu no caminho.

O mapa do jogo é renderizado por completo, então você pode ver todos os biomas e regiões no horizonte sem se preocupar com travamentos ou quedas de FPS.

Mecânicas, Puzzles e o “Tempero” de Zelda

Se RDR2 é a base da imersão, The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom e Breath of the Wild são as inspirações para a liberdade e inteligência do gameplay.

Os puzzles de Crimson Desert não são aquela coisa “aperte o botão A para abrir a porta”. Eles exigem que você use o cenário. Tem muito uso de física e elementos da natureza. Precisa atravessar um desfiladeiro? Talvez você precise incendiar uma grama seca para criar uma corrente de ar quente e planar (sim, temos mecânicas de voo/planagem sensacionais).

As habilidades do Kliff não servem apenas para bater em monstro. Elas são ferramentas de exploração. A verticalidade do mapa é insana, e o jogo te incentiva o tempo todo a pensar: “Será que eu consigo chegar lá em cima?”. E geralmente, a resposta é sim, e o jogo te recompensa com um baú ou uma vista de tirar o fôlego.

A Ponte com Black Desert

Para quem é fã das antigas e jogou (ou ainda joga) Black Desert Online (BDO), Crimson Desert é um prato cheio. No começo, a gente achava que seria um MMO, depois virou single-player, mas a verdade é que ele é uma prequela (ou se passa no mesmo universo em uma cronologia muito próxima).

A história está diretamente ligada aos eventos de Black Desert. Você vai encontrar referências a divindades, regiões que você já conhece (como as terras de Calpheon ou Valência, mas em versões “antigas”) e entender a origem de muitos conflitos que eram apenas lendas no BDO. É como se a PA estivesse pegando toda aquela mitologia riquíssima que às vezes se perde na correria do MMO e dando o foco narrativo que ela sempre mereceu.

Vale ressaltar que a história do Black Desert gira em torno de viagem entre mundos paralelos onde os personagens tem vidas diferentes, e que o nosso próprio personagem não é daquele mundo, e foi trazido até lá pelo abismo, que não sabemos ainda como foi criado. Talvez o Crimson dê mais informações sobre isso.

Quem manda no pedaço: Kliff e os Mercenários

Diferente do BDO, onde você cria seu personagem do zero, aqui seguimos a jornada de Kliff. Ele é o líder dos Mercenários de Greymane. E cara, que personagem bem construído. Ele não é o herói perfeito; ele é um sobrevivente. Ele tem cicatrizes, tem um passado pesado e uma motivação que te faz querer continuar jogando só para ver o que vai acontecer com ele.

Mas ele não está sozinho. Os outros membros do bando de mercenários têm personalidades distintas. Você acaba criando um laço com esses NPCs. Eles te ajudam no combate, dão dicas e tornam a jornada menos solitária. A dinâmica de grupo é muito bem feita, lembrando um pouco o que a BioWare fazia nos tempos áureos, mas com uma pegada muito mais visceral e realista.

Combate, Exploração e Progressão

O combate... ah, o combate! Se existe uma coisa que a Pearl Abyss sabe fazer melhor do que qualquer empresa no mundo, é sistema de luta. É fluido, é rápido, é impactante.

• Combate: Esqueça o “esmaga botão”. Você precisa aprender combos, entender o tempo de esquiva e usar o cenário a seu favor. Você pode agarrar inimigos, jogá-los contra paredes, usar habilidades elementares e trocar de postura de combate dependendo do tipo de arma que está usando.

• Progressão via Exploração: O que eu achei mais genial é que você não fica “forte” apenas matando mil javalis para subir de nível. A progressão está na exploração. Você encontra santuários, aprende novas técnicas observando mestres pelo mundo ou descobre itens raros em cavernas escondidas. Isso torna o ato de “andar pelo mapa” a parte mais importante do jogo, e não um fardo entre uma missão e outra.

O sistema de montarias é um show à parte. Seguindo a tradição do BDO, os cavalos aqui são quase personagens. Você precisa cuidar deles, domá-los e a progressão da montaria é recompensadora.

Além disso, o jogo tem um sistema de Evolução de Clã. Conforme você avança, seu grupo de mercenários cresce. Você pode recrutar novos membros, gerenciar recursos e ver sua base de operações se transformar. Tem também um sistema de coleções para os complecionistas de plantão: desde peixes raros até relíquias antigas que contam mais sobre a história do mundo. É conteúdo que não acaba mais.

O Futuro: Multiplayer e Cooperativo

Embora o foco principal seja a jornada épica do Kliff no single-player, a PA já deixou escapar que teremos atualizações com conteúdo multiplayer em breve. Imagine fazer as raids imensas que o jogo tem (com chefes que parecem ter saído de Shadow of the Colossus) junto com seus amigos?

O potencial de Crimson Desert se tornar um “hub” onde você vive sua história solo, mas pode encontrar pessoas para desafios épicos, é o que vai manter esse jogo vivo por anos. E conhecendo a produtora, eles não vão lançar qualquer modo “mata-mata” genérico; vai ser algo integrado ao mundo.

A Pearl Abyss e a Resiliência Contra o Ódio

Agora, vamos falar de um assunto chato, mas necessário: a postura da Pearl Abyss. Afinal, é admirável o que essa empresa faz. Desde o anúncio, eles sofreram com atrasos, mudanças de escopo e muita desconfiança. O “hate” gratuito em cima deles foi absurdo. Muita gente dizendo que os trailers eram falsos, que o jogo nunca sairia ou que seria um “scam”.

E o que a PA fez? Trabalhou em silêncio. Eles são extremamente participativos com a comunidade. Eles ouvem o feedback, ajustam o que os fãs pedem e são honestos sobre os problemas.

As provas disso estão, inclusive, nos primeiros dias do jogo. Antes mesmo do game ser lançado, enquanto jornalistas testavam o game, a Pearl Abyss coletou feedbacks e implementou atualizações que já ficaram disponíveis para todos os jogadores no primeiro dia.

Enquanto outras gigantes do mercado ignoram os jogadores ou lançam jogos quebrados e desaparecem, a PA está lá, na linha de frente, corrigindo bugs em tempo recorde e entregando melhorias que a gente nem sabia que precisava. Crimson Desert é a prova de que eles realmente se importam com o produto final.

A Verdade sobre as Críticas e o Metacritic

Para fechar, preciso desabafar sobre essa onde de “análises negativas” que a gente viu por aí. É bizarro o que aconteceu no Metacritic. Ficou claro que teve muita gente dando nota baixa sem ter explorado tudo o que o jogo tem a oferecer.

Além disso, nas reviews de jogadores, teve gente que nem jogou e só queria “dar hate” na empresa porque ela é coreana ou porque o jogo é “bonito demais para ser verdade”. É triste ver como a indústria pode ser tóxica às vezes.

Mas a verdade sempre aparece: quem realmente jogou Crimson Desert e curte esse tipo de game, sabe que ele é uma obra de arte. Não se deixe levar por um número. Vá pelos vídeos de gameplay real, pelas discussões em fóruns de quem realmente está explorando Pywel e, principalmente, pela sua própria experiência.

Crimson Desert não é apenas um jogo; é a prova de que ainda existem empresas dispostas a arriscar tudo para criar algo novo, ambicioso e profundo.

Resumo da ópera:

Se você gosta de uma boa história, um combate que te faz sentir um verdadeiro guerreiro e um mundo tão vivo que você esquece da vida real, Crimson Desert é obrigatório. Esqueça os haters, ignore as polêmicas vazias e mergulhe de cabeça.

A jornada do Kliff é épica, o mundo é maravilhoso e a Pearl Abyss merece todo o reconhecimento por não ter desistido desse projeto, mesmo com o mundo inteiro duvidando deles.

E aí, o que você está esperando para começar sua própria saga como mercenário? Deixe seu comentário!

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Com direito a uma transformação monstruosa em Açougueiro e até uma colaboração com DOOM: The Dark Ages, a proposta da vez é entrar, destruir tudo e ver números subindo na tela. Mas será que essa fórmula ainda segura o interesse? Contamos a seguir como foi nossa experiência com a nova temporada.

Ficha técnica

• Jogo: Diablo IV

• Temporada: Temporada do Massacre (Season 12)

• Lançamento: 11 de março de 2026

• Onde jogar: PC, PS5, PS4, Xbox Series X|S, Xbox One

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 229,90 (jogo base), também disponível no Game Pass e em promoções de até 40% de desconto hoje (R$ 137,94 na Steam)

Menos história, mais carnificina

A Temporada do Massacre é perfeita para quem quer desligar o cérebro e simplesmente sair eliminando hordas de inimigos. O jogo adiciona uma nova mecânica de Killstreak, mais áreas com uma alta quantidade de inimigos e até a possibilidade de se tornar o Açougueiro.

Resultado? Em poucos minutos de gameplay, você já está enfrentando dezenas de inimigos de uma vez só, gerando um banho de sangue na tela. Em vários momentos, o caos é tão grande que eu literalmente perdia meu próprio personagem no meio de tantos efeitos, inimigos e números pipocando.

A situação fica ainda mais caótica no multiplayer local. A Blizzard permite jogar no Xbox com duas contas ao mesmo tempo em tela dividida, o que deixa a interface recheada de informações.

Mas, curiosamente, isso não é um problema: é justamente o charme da temporada, isso se você conseguir aguentar tanta informação ao mesmo tempo. Existe uma sensação quase “terapêutica” em entrar no jogo, ativar uma sequência de abates e só assistir o contador de mortes subir enquanto tudo explode ao redor.

O novo sistema de Sequência de Abates reforça isso muito bem, incentivando um estilo de jogo agressivo e contínuo. Quanto mais você mata sem parar, mais recompensas recebe. É simples, direto e extremamente satisfatório.

Jogar como o Açougueiro é o grande diferencial

A grande estrela da temporada tem nome: O Açougueiro — um dos inimigos mais icônicos da franquia. Durante o gameplay da season, temos a possibilidade de assumir a forma do monstro e descer o cacete em todo mundo ao redor.

Essa mecânica traz um poder absurdo para o jogador, transformando cada combate em um espetáculo de violência exagerada. É aqui que a proposta da temporada realmente brilha: você não está só enfrentando o inferno, você vira o próprio pesadelo.

Eventos como os Matadouros e os Sigilos Ensanguentados ampliam ainda mais essa sensação, oferecendo desafios mais intensos e recompensas à altura. Para quem consegue gerenciar o caos em tela, a sensação de frescor (e sangue) trazida pelo monstro vale a pena.

Entre menus confusos e gameplay viciante

Se por um lado o combate é acessível e imediato, por outro, o jogo ainda sofre com um problema antigo: entender o que fazer nem sempre é simples. Mesmo após várias horas (e temporadas) em Diablo IV, ainda me peguei pensando: Para onde eu preciso ir agora? Qual missão realmente importa? O que preciso desbloquear primeiro?

Pode até ser falta de atenção em alguns momentos, mas a quantidade de informações, menus e textos acaba sendo excessiva e pouco clara. Enquanto você consegue se encontrar na pancadaria da jogabilidade, navegar pelos menus ainda pode ser um desafio.

Com isso, o jogo entrega um contraste curioso: enquanto o gameplay é puro instinto e ação, a navegação e progressão podem ser confusas e pouco intuitivas. É quase como se o game exigisse esforço demais fora do combate — justamente onde ele menos precisa.

A “world of warcraftização” chegou (e é fofinha)

Diablo IV também abraçou de vez elementos mais “leves”, como mascotes que acompanham o jogador, seguindo tendências que vem desde a época de World of Warcraft. Os pets não fazem muita diferença prática no gameplay, mas… são fofinhos. E isso já basta.

Aqui, entra o velho papo da “dissonância ludonarrativa”: faz sentido ter um mini urso polar ao lado de um necromante caçador de demônios? De forma alguma, mas é divertido para mostrar para os amigos online.

Considerando o mercado atual, o problema não está na existência desses elementos, mas na forma como eles são desbloqueados. O sistema de moedas da temporada, obtidas por missões, não deixa claro quanto você precisa jogar para conseguir recompensas específicas — algo que já comentamos na outra season.

Fica aquela sensação de progresso meio nebuloso, em que você joga bastante, mas não entende exatamente o quanto avançou em termos de recompensas cosméticas. Essa falta de transparência já é corriqueira, mas vale a pena ficar de olho se você não está acostumado e vai entrar na temporada agora.

DOOM encontra Diablo — e funciona melhor do que parece

Além de seguir com mais mascotes fofinhos, a nova temporada de Diablo IV também abraça a carnificina de DOOM. A colaboração veio de surpresa, mas funciona bem dentro do universo do jogo.

As skins são bem trabalhadas, os cosméticos têm identidade forte e as missões adicionais ajudam a dar uma variada no loop principal. Mais do que isso, a parceria mostra um movimento interessante da Microsoft em integrar melhor suas franquias.

Não é algo que muda completamente a experiência, mas adiciona um tempero bem-vindo para quem já está acostumado com o ritmo de Diablo. Para quem é fã das franquias e busca por mais conteúdo em D4, as roupas de DOOM adicionam ainda mais clima de carnificina para o gameplay.

Diablo ainda sabe se reinventar (mesmo sem revolucionar)

Mesmo depois de testar todas as classes ao longo das temporadas, ainda é interessante ver como Diablo IV consegue se manter relevante com pequenas mudanças. Para quem desinstalou o jogo após o lançamento e não voltou mais, retornar agora pode ser bem interessante.

A introdução de novas mecânicas, eventos e até classes ao longo do tempo (como aconteceu com o Paladino e outras novidades recentes) mostra que o jogo continua evoluindo — ainda que dentro da sua própria fórmula. A Temporada do Massacre não reinventa o jogo, mas dá um novo fôlego para quem já está investido nele.

A season também serve muito bem como um esquenta para a chegada da classe de Bruxo e todas as novidades de Lord of Hatred, que chega em 28 de abril.

Vale a pena jogar a Season 12?

A Temporada do Massacre é, acima de tudo, sobre se divertir sem compromisso. Se você quer uma experiência mais focada em ação do que em narrativa, ela entrega exatamente o que promete — e faz isso muito bem.

Por outro lado, quem busca uma experiência mais guiada, com progressão clara e sistemas bem explicados, ainda pode se frustrar com a bagunça dos menus e da estrutura do jogo. Por outro lado, ,se você já gosta de Diablo e quer algo mais direto e caótico, vale a pena baixar e jogar a nova temporada.

As novidades são perfeitas para jogadores que gostam de ação frenética, loot e progresso baseado em combate constante. Com a nova expansão chegando no mês que vem, agora é uma ótima hora para começar o esquenta.

No entanto, vale destacar que o jogo segue com mecânicas sem muita transparência para o passe de batalha. Com isso em mente, a dica é ter bastante tempo pra jogar e se dedicar se pegar a versão premium.

A Season 12 não é a mais profunda, mas talvez seja uma das mais honestas: Com o Açougueiro e muita matança, a temporada sabe exatamente o que quer ser — um festival de monstros, sangue e diversão descompromissada.

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Mas se você ainda não entende todo esse alvoroço, a review do Jornal dos Jogos pode ajudar a explicar. Não só isso, a análise também traz informações que podem te ajudar a saber se você faz parte do público que vai se empolgar jogando.

Afinal, Requiem é essencialmente um grande “amálgama” da franquia, reunindo tudo que fez Resident Evil se tornar um fenômeno. No entanto, isso inclui tanto suas qualidades quanto algumas características que sempre dividiram opiniões.

O resultado é um jogo que funciona como homenagem para quem acompanha a saga há décadas, mas que também pode gerar reações diferentes dependendo do tipo de jogador. A seguir, contamos como foi nossa experiência completa com o game, testado no Xbox Series X, com cópia cedida pela Capcom.

Ficha técnica

• Jogo: Resident Evil Requiem

• Desenvolvedora: Capcom

• Lançamento: 27 de fevereiro de 2026

• Onde jogar: PlayStation 5, Xbox Series S/X e PC

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 299

Uma história que funciona, mesmo sem querer ganhar o Oscar

A franquia Resident Evil nunca foi conhecida por roteiros complexos ou histórias dignas de premiações cinematográficas. Ao longo dos anos, a série sempre priorizou atmosfera, tensão e gameplay acima de qualquer pretensão narrativa.

Resident Evil Requiem segue exatamente essa filosofia, e funciona bem dentro dela. A história acompanha Grace Ashcroft, uma analista de inteligência do FBI que carrega um passado complicado e que se envolve em uma investigação envolvendo mortes misteriosas.

Essas mortes atingem sobreviventes parecem estar ligadas a uma manifestação tardia do T-Virus, o responsável pela tragédia de Raccoon City. O caso leva Grace até o abandonado Hotel Wrenwood, um local que também guarda relação direta com a morte de sua própria mãe anos antes.

Ao mesmo tempo, outro velho conhecido da franquia também entra em cena. Leon S. Kennedy, conhecido por Resident Evil 2 e 4, retorna agora como um agente experiente no combate ao bioterrorismo.

Leon investiga os mesmos acontecimentos ao lado de Sherry Birkin, outra personagem importante da história da série. Conforme as duas investigações avançam, surge a figura de Victor Gideon, um ex-cientista da Umbrella que parece estar tentando dar continuidade a experimentos ligados ao legado da empresa.

Sem entrar em spoilers, a narrativa leva os jogadores por diversos cenários ligados ao passado da franquia. Entre eles estão instalações médicas abandonadas, hotéis decadentes e até mesmo regiões próximas das ruínas de Raccoon City.

A história poderia ter mais profundidade em alguns momentos, especialmente no desenvolvimento de certos personagens. Ainda assim, ela cumpre exatamente o papel que deveria cumprir: sustentar a tensão e manter o jogador interessado em avançar pela campanha.

Mesmo não sendo algo extremamente elaborado, cada passo da narrativa funciona muito bem para deixar o jogador engajado entre puzzles e ações. No fim das contas, Resident Evil continua sendo Resident Evil, mostrando que sempre precisamos de um roteiro digno do Oscar para nos divertir quando o gameplay faz tão bem o seu trabalho.

Dois protagonistas, dois estilos de gameplay

Se a história funciona como suporte para a experiência, é no gameplay que Resident Evil Requiem realmente brilha. A Capcom deixou claro que revisitou elementos clássicos da franquia para equilibrar nostalgia e modernidade.

O resultado é uma estrutura dividida entre dois protagonistas com estilos completamente diferentes de jogar. Essa alternância ajuda a manter a campanha dinâmica e evita que a experiência se torne repetitiva.

As seções com Grace representam o lado mais tradicional do survival horror. Recursos limitados, exploração cuidadosa e momentos de puro desespero definem sua jornada ao longo do jogo, garantindo sustos e muito suspense a cada canto escuro.

Grande parte dessas áreas envolve investigação, resolução de puzzles e gerenciamento de itens. Esse estilo lembra bastante os primeiros jogos da franquia e cria uma sensação constante de vulnerabilidade, trazendo nostalgia e frescor ao mesmo tempo.

Em determinados momentos, Grace também precisa fugir de criaturas que a perseguem pelos cenários. Essas sequências criam momentos bastante tensos, já que se esconder ou distrair o inimigo muitas vezes é a única alternativa.

Explorar locais como centros médicos abandonados ou hotéis em ruínas enquanto algo gigante te caça pelos corredores é o tipo de situação que faz o coração acelerar. A protagonista também reforça o lado mais humano da história, já que ela não possui as mesmas habilidades de combate de outros personagens da série.

Já Leon representa o outro lado de Resident Evil. Mesmo mais velho, o personagem continua sendo praticamente uma máquina de combate: aqui, você não passa aperto com munição, mas tem que lidar com mais inimigos, além de monstros maiores e mais fortes.

Suas seções focam muito mais na ação e oferecem acesso a diversas armas, confrontos intensos e sequências que lembram os momentos mais explosivos da franquia. Leon também pode utilizar golpes corpo a corpo e improvisar com armas encontradas no cenário, tornando os combates mais dinâmicos.

Esse contraste entre terror e ação cria um ritmo interessante para a campanha. Quando o jogador começa a se acostumar com um estilo, o jogo muda para o outro e renova a experiência.

Por padrão, o jogo também muda automaticamente a câmera para tornar a experiência ainda mais interessante: enquanto Grace vem com a perspectiva em primeira pessoa “de fábrica”, Leon aparece em terceira pessoa. Você pode alterar a qualquer momento essa visão, mas a escolha natural da Capcom funciona muito bem.

Quando a fórmula se repete demais

Apesar de o gameplay ser bem legal na maior parte do tempo, a estrutura do gameplay também revela alguns pontos mais divisivos de Resident Evil Requiem. Isso acontece principalmente por conta da repetição de certas fórmulas ao longo da campanha, o que pode afastar jogadores que não gostam desses padrões.

As seções de Grace seguem um ciclo bastante claro. O jogador precisa explorar um ambiente fechado, coletar itens importantes, resolver puzzles complexos e eventualmente escapar da ameaça que domina o local.

Nas primeiras vezes, esse formato funciona perfeitamente e cria momentos realmente tensos. Porém, conforme o jogo avança, o fator surpresa diminui e a experiência passa a focar mais na resolução dos quebra-cabeças.

Já as sequências de Leon podem trazer flashbacks do Vietnã de Resident Evil 6, especialmente para jogadores que preferem o lado mais focado no terror da franquia. Ainda assim, a execução aqui é muito mais refinada do que naquele jogo.

A repetição dessas fórmulas, na verdade, funciona bem para quem joga há anos ou sempre flertou com jogos da franquia, mas nunca soube por onde começar. Ainda assim, vale deixar o aviso que, mesmo sendo ótimo, o título pode não ser pra todo mundo.

Um espetáculo visual da Capcom

Se no gameplay Resident Evil Requiem já impressiona, na parte técnica ele se torna um verdadeiro espetáculo. O jogo representa o ápice tecnológico da Capcom até agora nos videogames.

Os cenários são extremamente detalhados e a iluminação ajuda a construir uma atmosfera assustadora em praticamente todos os ambientes. Os modelos de personagens também impressionam, principalmente nas expressões faciais durante as cenas mais dramáticas.

No Xbox Series X, onde realizamos nossa análise, a experiência foi extremamente estável. Durante toda a campanha não encontramos problemas técnicos relevantes que atrapalhassem o progresso no jogo. Tudo fluiu exatamente como esperado.

Outro detalhe interessante é o suporte ao Quick Resume do console. Esse recurso permite retomar a campanha quase instantaneamente sempre que o videogame é ligado. Você praticamente não vê os menus e pode “pausar” o jogo e ir embora a qualquer momento, até mesmo durante custscenes.

Falando em cutscenes, Resident Evil Requiem vem totalmente dublado em português brasileiro, e traz um elenco de voz condizente com a experiência. Seja com Leon ou Grace, a versão dublada traz uma experiência a par do que temos em outros idiomas.

O jogo também conta com suporte a Ray Tracing nos consoles, trazendo reflexos e iluminação mais realistas que ajudam a reforçar a ambientação. Esse cuidado técnico faz bastante diferença em ambientes escuros e cenários fechados.

Ainda assim, a versão mais impressionante visualmente está no PC. Como comentamos em nossa prévia de primeiras impressões, o suporte a Path Tracing eleva o nível de realismo da iluminação para um patamar ainda mais alto.

Mesmo com essa diferença, a versão de Xbox Series X continua extremamente competente. Os visuais impressionam e ajudam a tornar a jornada com Leon e Grace ainda mais imersiva, dando um gosto de todo o potencial que atual geração ainda possui para entregar.

Vale a pena jogar Resident Evil Requiem?

Resident Evil Requiem é provavelmente o melhor jogo da franquia até agora, e isso não é exagero. Ele funciona tanto como uma excelente porta de entrada para novos jogadores quanto como um verdadeiro presente para fãs de longa data.

Mesmo sendo uma experiência relativamente curta, o jogo apresenta um bom fator de rejogabilidade. Existem diferentes níveis de dificuldade e desafios adicionais que incentivam revisitar a campanha. Jogadores mais corajosos também podem encarar o modo Insano, que oferece uma experiência muito mais brutal.

Trazendo excelência técnica e muita diversão, Requiem é a Capcom jogando no seguro, mas evoluindo tudo aquilo que já funcionava dentro da franquia. E às vezes isso é exatamente o que os fãs querem.

Se você gosta de survival horror ou quer conhecer uma das franquias mais importantes da história dos videogames, Resident Evil Requiem é uma experiência que merece sua atenção. Mas se prepare, pois o coração pode pular mais que o normal com alguns sustos.

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Enquanto ainda estamos começando a nossa jornada pelo game, cortesia de uma key cedida pela Capcom, ainda não podemos cravar se o jogo cumpriu bem a sua proposta. Ainda assim, o que vimos logo nos primeiros minutos de gameplay já é um espetáculo.

Para quem cresceu jogando Resident Evil e viu a franquia evoluindo desde os primórdios do PS1, o novo jogo chega a ser emocionante. Os gráficos apresentados no Xbox Series X são assustam de tão impressionantes.

Nascida em 1996, a franquia Resident Evil contava com poucos polígonos na época do PS1, mas bastante potencial. O primeiro jogo da série, bem como suas sequências no console da Sony, contavam com câmera no estilo tanque e visuais limitados, mas que atendiam aos padrões da época.

Olhando com a tecnologia atual em mente, os visuais estão consideravelmente ultrapassados, mas os games originais deram vida para elementos presentes até hoje na saga. Em Resident Evil Requiem, ao jogar com Grace logo no comecinho, temos o controle de inventário similar aos primórdios da série, as limitações na hora de enfrentar inimigos e, claro, a tensão que deixa até marmanjo crescido com medo.

Um dos meus primeiros contatos com o mundo dos games foi com Resident Evil 3, fugindo de um Nemesis poligonal em uma Raccoon City que hoje parece feita de papelão digital. Em Requiem, a sensação de vulnerabilidade volta com força — só que agora com iluminação realista, áudio 3D refinado e personagens que parecem gente de verdade.

Jogando com Grace em primeira pessoa, a tensão lembra não apenas Resident Evil 7, mas também os momentos mais claustrofóbicos dos clássicos. A diferença é que tudo é construído com um nível técnico que transforma aquele medo infantil em algo muito mais palpável.

A respiração pesada, as mãos trêmulas e o suor refletindo a luz mostram que o terror evoluiu — e muito. Requiem me conquistou em seu lado técnico justamente por traduzir o que eu sentia com oito anos de idade, segurando o Dualshock 1 e encarando uma TV de tubo, na linguagem da tecnologia atual.

Da câmera tanque aos gráficos com Ray Tracing

Estou jogando no Xbox Series X para review, e a experiência está espetacular. A cena inicial, com Grace andando na chuva, já mostra o poderio visual do game: gotas escorrendo nos guarda-chuvas que reagem ao vento, reflexos realistas no asfalto molhado e iluminação dinâmica.

É o tipo de abertura que deixa claro que a RE Engine atingiu um novo patamar. Na prática, tudo é simplesmente muito lindo, mas existe muita tecnologia por trás de tudo isso.

De acordo com a análise do Digital Foundry, o jogo trabalha com resolução interna pouco acima de 1080p nos consoles base, utilizando upscaling temporal extremamente eficiente para entregar uma imagem próxima do 4K. O ray tracing adiciona reflexos transformadores e iluminação global que elevam o realismo das cenas, especialmente em ambientes molhados e cheios de superfícies reflexivas.

No PC, a coisa vai ainda mais longe. Testei rapidamente o game em uma RTX 5080 (obrigado, compartilhamento de família da Steam) e pude ativar o Path Tracing, tecnologia que simula o comportamento completo da luz na cena.

Diferente do ray tracing tradicional, que trabalha com efeitos específicos (como reflexos ou sombras), o path tracing calcula múltiplas trajetórias de luz, resultando em iluminação mais natural, sombras com contato preciso e reflexos que respeitam o ambiente de forma quase fotorrealista.

Com DLSS 4 e Multi Frame Generation ativados, a RTX 5080 consegue manter taxas altas de quadros, garantindo uma experiência bonita e fluida. O resultado inclui cenários mais densos, reflexos múltiplos em superfícies brilhantes e uma propagação de luz que transforma corredores escuros em verdadeiros pesadelos cinematográficos.

No entanto, você precisa ter poder de fogo para segurar tudo isso, pois é uma tecnologia pesada. Sem DLSS e sem placas mais modernas, o path tracing pode derrubar o desempenho de forma significativa. Mas com as GPUs da série 50, o recurso mostra que Resident Evil Requiem não é apenas bonito — ele é uma vitrine técnica do que o PC atual pode oferecer.

Uma grande homenagem para a franquia Resident Evil

Ainda estamos nas primeiras horas de gameplay, mas os passos cautelosos de Grace e os primeiros tiros precisos de Leon já deixam claro que Resident Evil Requiem funciona como uma grande homenagem à franquia e mostra sua evolução durante os anos. O jogo respeita o survival horror clássico, abraça a ação moderna e amarra tudo com tecnologia de ponta.

Mais do que nostalgia, o jogo demonstra maturidade. A Capcom mostra domínio total da RE Engine, entregando personagens com materiais realistas, cabelos com física avançada e animações faciais que impressionam até em closes dramáticos. É evolução técnica sem perder identidade — o sonho de qualquer fã antigo.

Resident Evil Requiem também serve como vitrine para os consoles atuais e para o PC de ponta. Em um momento em que rumores indicam possíveis atrasos na próxima geração por conta de crises no mercado de componentes, o jogo prova que ainda há muito a extrair do hardware atual. Se mais estúdios explorarem suas engines com esse nível de ambição e otimização, talvez a pressa por novos consoles diminua.

Resident Evil Requiem não é apenas mais um capítulo da saga. Ele é uma declaração de que o terror pode evoluir tecnicamente sem abandonar suas raízes. E se os primeiros minutos já são esse espetáculo todo, a jornada completa promete ser, no mínimo, inesquecível — e possivelmente assustadora no melhor sentido da palavra.

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Jornal dos Jogos possui camiseta e pôster de Resident Evil

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Dessa vez, porém, a proposta é outra. Desenvolvido pela Mega Cat Studios em parceria com a Santa Monica Studio, o novo jogo abandona o 3D cinematográfico e abraça um formato 2D no estilo metroidvania — subgênero de ação e plataforma focado em exploração de mapa interconectado e progressão por habilidades desbloqueáveis.

No meio da surpresa, o título ainda acabou levemente ofuscado pelo anúncio do remake da trilogia original do PS2. Sons of Sparta surge, então, quase como um complemento nostálgico para os fãs da era grega — e é justamente aí que mora sua maior qualidade e também seu maior problema.

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Ficha Técnica

Jogo: God of War: Sons of Sparta
Lançamento: 12/02/2026
Onde jogar: PS5
Plataforma de teste: PS5
Preço: a partir de R$ 169,90

Um retorno à Grécia que expande o passado de Kratos

Sons of Sparta é um prelúdio ambientado na juventude de Kratos, durante o brutal treinamento espartano ao lado de seu irmão Deimos. A narrativa é canônica e se encaixa antes de toda a tragédia que conhecemos na saga original.

A história acompanha os irmãos em uma missão aparentemente simples: encontrar um colega desaparecido. Mas, como é tradição na franquia, o caminho é recheado de criaturas mitológicas, dilemas morais e reflexões sobre dever, honra e irmandade.

O roteiro, assinado pelos mesmos escritores da fase nórdica, funciona muito bem dentro da proposta. A dublagem é forte, emocional e ajuda a dar peso à juventude de Kratos — especialmente com o retorno de TC Carson como narrador adulto em inglês, bem como Ricardo Juarez aqui no Brasil.

Ao mesmo tempo, fica aquela sensação agridoce: esse período da vida do personagem merecia um jogo maior, mais grandioso, com o impacto visual e estrutural que a franquia costuma ter. É um ótimo recorte… mas parece pequeno demais para o potencial que carrega.

Metroidvania é retrocesso? Não, mas pode afastar fãs

Aqui está o ponto mais sensível da discussão. A mudança para o formato 2D com estrutura metroidvania não é, por si só, um retrocesso técnico ou criativo. Pelo contrário, trata-se de um gênero consolidado, com identidade forte e público fiel, que já provou inúmeras vezes sua capacidade de entregar experiências profundas e envolventes.

O problema não está no formato, mas na expectativa criada pelo nome God of War. A franquia se tornou sinônimo de espetáculo cinematográfico em 3D, combates coreografados com câmera próxima e narrativa grandiosa. Quando um novo capítulo abandona essa linguagem, de surpresa, parte do público inevitavelmente sente que está recebendo “menos”, mesmo que a proposta seja apenas diferente.

Dentro do que se propõe, Sons of Sparta funciona. O mapa interconectado estimula exploração constante, o gameplay é orgânico e a progressão por habilidades cria aquele ciclo clássico de voltar a áreas antigas com novas possibilidades. A estrutura é competente e respeita as bases do gênero, ainda que não traga grandes inovações.

Ainda assim, é impossível ignorar que o peso da marca amplifica qualquer decisão criativa. Se fosse uma nova propriedade intelectual, talvez a recepção fosse mais leve e curiosa. Como parte de uma das franquias mais prestigiadas da indústria, cada escolha passa por uma lente muito mais crítica.

O shadow drop, aquele lançamento surpresa durante o evento, logo após o anúncio do retorno da trilogia original, também pode ter colaborado para esse susto. Afinal, Após um anúncio de peso, o jogo pode ter ficado reduzido a um bônus do evento.

A escolha do gênero metroidvania também pesa no estilo desse tipo de jogo. Para quem acompanha o mercado, dá pra perceber como o gênero está em alta, com franquias consagradas, como Prince of Persia e até Pac-Man, também entrando nesse universo. Com isso em mente, será que agora, em um mercado lotado e pós-Silksong, era a melhor hora para um salto desses com God of War? Fica a dúvida para os executivos.

Como é jogar God of War: Sons of Sparta

Em um mundo pré-Lâminas do Caos, o combate de Sons of Sparta aposta na lança (Dory) e no escudo (Aspis), criando uma dinâmica mais tática e menos explosiva do que os jogos principais da série. A movimentação lateral é ágil, e os combos são fáceis de aprender, o que torna o sistema acessível sem abrir mão de desafio.

A árvore de habilidades e o uso dos Presentes do Olímpo adicionam camadas interessantes à progressão. Essas habilidades não servem apenas para fortalecer Kratos em batalha, mas também para destravar novos caminhos no mapa, reforçando o DNA metroidvania da experiência.

O resultado é um sistema de combate que não reinventa a roda, mas cumpre seu papel com eficiência. Os confrontos contra chefes são o grande destaque, trazendo momentos de tensão e exigindo leitura de padrões, algo que agrada especialmente quem sente saudade da brutalidade da fase grega.

Não se trata de um jogo competitivo ou técnico, ficando dentro do esperado para o gênero metroidvania. Ainda assim, há desafio suficiente para manter o jogador atento, especialmente nos níveis mais altos de dificuldade.

Multiplayer existe, mas precisa ser desbloqueado

O modo multiplayer local, estruturado como um desafio em arenas com elementos roguelite, surge como um complemento curioso. A ideia de enfrentar ondas de inimigos em partidas rápidas pode ser divertida em sessões presenciais, especialmente para quem gosta de cooperação no sofá.

No entanto, a decisão de desbloquear o modo apenas após a conclusão da campanha causa estranhamento. Em um jogo cuja espinha dorsal é a progressão individual e a exploração contínua, inserir um modo separado que depende do término da história parece desconectado da proposta principal.

Além disso, o multiplayer não é essencial para a identidade do jogo. Ele funciona como extra, mas dificilmente será o motivo que levará alguém a comprar Sons of Sparta, principalmente com o bloqueio do modo. Com isso em mente, fica a dica para futuros jogos no estilo: se forem adicionar um muliplayer local extra, deixem desbloqueado desde o início da experiência.

Visual 2D é muito lindo

Outro ponto envolvendo o game que gera debate são os gráficos. Existe um preconceito recorrente quando franquias AAA adotam o 2D, como se isso representasse uma limitação técnica. Sons of Sparta mostra que essa ideia não se sustenta quando há direção de arte competente e atenção aos detalhes.

A pixel art é rica, os cenários apresentam profundidade e a ambientação da Grécia Antiga transmite peso e atmosfera. A trilha sonora também mantém o tom épico característico da franquia, enquanto a dublagem ajuda a reforçar o drama e a juventude impulsiva de Kratos.

Tecnicamente, o desempenho no PS5 é estável, algo esperado para um jogo mais contido. Ainda assim, fica a sensação de que o game poderia alcançar um público ainda maior se estivesse disponível em mais plataformas desde o lançamento.

Por aqui, eu tive a chance de testar Sons of Sparta no Steam Deck usando o streaming do PS5, e a experiência parece feita sob medida para o portátil da Valve. Vamos torcer para que o título chegue futuramente ao PC, garantindo que mais gamers tenham acesso ao jogo.

Vale a pena jogar God of War Sons of Sparta?

No fim das contas, Sons of Sparta é um bom jogo dentro do que se propõe. O tíutulo entrega exploração consistente, combate funcional e uma expansão narrativa interessante para o passado de Kratos.

O que o limita não é a falta de qualidade, mas o peso da expectativa. Quando se carrega um nome tão grande, cada escolha criativa é comparada aos momentos mais grandiosos da franquia. Quando você está no topo do Monte Olímpo, é mais fácil decepcionar do que agradar.

Sons of Sparta não é um retrocesso, mas também não busca ser o próximo salto revolucionário da série. Ele funciona melhor quando entendido como um capítulo complementar, que expande o universo sem a ambição de redefini-lo. Ainda assim, o próprio formato limita a experiência para fãs.

Enquanto o gênero metroidvania está em alta e tem uma grande parcela de fãs, a interseção com os games de ação 3D de God of War não é grande, como mostra a recepção inicial de Sons of Sparta. Com isso em mente, o jogo serve mais para expandir a franquia para um novo estilo que simplesmente agradar fãs.

God of War: Sons of Sparta vale a pena para quem aprecia o gênero metroidvania e deseja revisitar a fase grega da franquia sob uma nova perspectiva. O jogo é competente, visualmente marcante dentro do seu escopo e oferece uma narrativa que adiciona camadas interessantes ao passado do protagonista.

Por outro lado, jogadores que esperam uma experiência cinematográfica em 3D, nos moldes dos capítulos mais recentes da série, podem sentir falta da grandiosidade habitual. Nesse caso, talvez seja melhor ajustar as expectativas ou aguardar uma eventual promoção.

Entre erros e acertos, God of War Sons of Sparta não redefine a franquia, mas cumpre bem o papel de expandi-la. E, para alguns jogadores, isso já pode ser o suficiente.

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