A proposta desse simulador de fazenda com cara de anime é familiar desde os primeiros minutos: você herda as terras do avô, volta para uma ilha onde passou parte da infância e assume a missão de transformar um pedaço de terra abandonado em um novo lar.

A história não tenta reinventar a roda, mas o jogo compensa a falta de originalidade narrativa com uma apresentação visual que parece ter escapado diretamente de um anime aconchegante inspirado no Studio Ghibli. Entre plantações, animais, praias, moinhos de vento e moradores simpáticos, Starsand Island deixa claro desde o começo que sua principal intenção é oferecer um lugar confortável para passar muitas horas, e foi exatamente isso que aconteceu comigo durante o teste.

Ficha Técnica

• Jogo: Starsand Island

• Lançamento: 18/08/2026

• Onde jogar: Nintendo Switch 2, PS5, PC e Xbox

• Plataforma de teste: PC

• Preço: A partir de R$ 107,95

Se você já jogou Stardew Valley, Coral Island ou My Time at Portia, vai se sentir em casa

A estrutura básica de Starsand Island é familiar para qualquer pessoa que já tenha passado algumas dezenas de horas cuidando de uma fazenda virtual. A rotina de gameplay conta com agricultura, criação de animais, pesca, mineração, exploração, coleta de recursos e relacionamentos com os moradores.

A diferença aqui está em como essas atividades são organizadas. O jogo apresenta cinco profissões — plantação, rancho, pesca, criação e exploração — e cada uma delas possui um mentor responsável por apresentar desafios que liberam novos itens, pontos de melhoria e partes da progressão.

Cada profissão possui cinco níveis, indo de Aprendiz a Especialista, e completar suas missões faz com que a evolução da ilha esteja diretamente ligada ao domínio dessas atividades. Em vez de simplesmente entregar ao jogador um mundo aberto e esperar que ele descubra sozinho o que fazer, Starsand Island cria objetivos constantes que dão um motivo extra para experimentar sistemas que poderiam facilmente acabar esquecidos durante uma rotina de fazenda.

Logo no início, você precisa escolher uma profissão para começar sua jornada, mas minha recomendação é conversar com todos os mentores e aceitar o máximo de missões possível. Algumas tarefas demoram mais para serem concluídas ou dependem de acontecimentos que não estão sob seu controle imediato, então deixar várias delas acontecendo simultaneamente evita aquela sensação de estar trabalhando em uma única atividade enquanto todo o restante do jogo fica parado.

O mais interessante é que as profissões conversam entre si e criam uma espécie de efeito dominó, fazendo com que uma atividade ajude a desenvolver outra e incentivando o jogador a não ficar preso apenas à plantação. Isso transforma a progressão em uma rotina mais dinâmica e ajuda Starsand Island a encontrar sua própria identidade dentro de uma fórmula que já foi explorada à exaustão por outros simuladores.

Até vender suas plantações exige uma pequena viagem

Uma das decisões que mais estranhei no começo foi a ausência da tradicional caixa de venda dentro da fazenda, já que é necessário colocar os produtos na mochila e levá-los pessoalmente até uma loja para comercializar. A ideia funciona como parte do desafio e incentiva o jogador a conhecer melhor a ilha.

Por outro lado, isso também pode ser bastante irritante quando a mochila está lotada e você percebe que passou mais tempo andando de um lado para o outro do que realmente trabalhando. É justamente aí que os veículos entram em cena.

A mobilidade no game é bem trabalhada e rapidamente trouxe alguns dos meus itens favoritos, especialmente porque é possível criar skate, patins e carros, além de outros meios de transporte. A motinha, em particular, parece praticamente uma necessidade depois que a ilha começa a ficar maior, mas também transforma uma tarefa potencialmente cansativa em uma pequena diversão durante os deslocamentos.

Com a progressão das habilidades, também é possível desbloquear a tão desejada caixa de venda instantânea, reduzindo parte dessa burocracia conforme o jogador avança. É uma solução inteligente porque transforma uma limitação inicial em uma recompensa de progressão, embora eu não tenha conseguido evitar alguns momentos de impaciência antes de chegar lá.

Plantar não é simplesmente jogar sementes no chão

A agricultura possui algumas particularidades que ajudam a evitar que ela se transforme em uma sequência automática de plantar, regar e colher todos os dias. Isso acontece especialmente porque algumas culturas possuem condições específicas para serem cultivadas.

Uvas e pimentões, por exemplo, precisam de treliças fabricadas pelo jogador, enquanto as plantações possuem momentos específicos para rega e coleta que exigem um pouco mais de atenção. Assim, o jogo consegue diversificar bem essas mecânicas já tradicionais do gênero.

O rancho segue uma proposta igualmente simpática e começa com coelhinhos que rapidamente conquistam espaço no coração e na fazenda, mas os animais vão além de simplesmente produzir lã, ovos ou outros materiais. Dependendo da espécie, eles também podem ajudar a capturar insetos, eliminar ervas daninhas e coletar recursos, criando mais uma camada de utilidade para a criação de animais.

Essa integração entre os sistemas é um dos pontos mais interessantes do jogo, porque cuidar dos bichos pode ajudar na agricultura e determinados recursos podem ser importantes para outras profissões. Por outro lado, a pesca continua sendo o elo mais fraco dessa corrente para mim, mantendo aquela tradição dos simuladores de fazenda em que pescar é uma atividade que parece muito mais divertida na descrição do que na prática.

A ilha é mais interessante quando você começa a conhecer seus moradores

A narrativa de Starsand Island segue uma estrutura bastante conhecida, mas ganha um pouco mais de personalidade ao trabalhar com o retorno do protagonista à comunidade onde passou parte da infância. Você não está simplesmente chegando a uma cidade desconhecida, pois existe uma relação prévia com aquele lugar e com algumas das pessoas que vivem nele, o que ajuda a criar uma sensação de reencontro durante a jornada.

Ainda assim, não espere uma história extremamente profunda, já que a maior parte do foco está nos relacionamentos e na possibilidade de construir vínculos com os moradores. Os primeiros encontros com os personagens romanceáveis são apresentados em cutscenes que abraçam sem vergonha o estilo anime, muitas vezes com uma energia de “amor à primeira vista” que pode arrancar algumas risadas, mas combina perfeitamente com a proposta estética do jogo.

A versão completa também amplia consideravelmente o conteúdo dos NPCs, com novos eventos de relacionamento, atividades de namoro e quatro personagens adicionais. Além disso, 19 personagens recebem novas missões ligadas aos níveis de relacionamento.

Todo esse conteúdo ajuda a tornar a comunidade mais interessante com o passar das horas, especialmente para quem gosta de transformar cada NPC em uma pequena história paralela.

Os pets roubaram minha atenção mais do que os romances

Os relacionamentos não ficam restritos aos habitantes da ilha, já que também é possível construir vínculos com os animais até eventualmente adotá-los. Entre uma missão e outra, eu frequentemente me pegava desviando completamente do objetivo original para encontrar um gatinho, cachorrinho ou capivara e gastar alguns minutos fazendo carinho e entregando presentes.

Os pets também possuem suas próprias possibilidades de personalização, incluindo alimentos, móveis e roupas que podem ser fabricados pelo jogador. A versão completa ainda adiciona quatro novos animais adotáveis e mais opções de customização, tornando esse sistema uma das distrações mais simpáticas para quem gosta de colecionar pequenos companheiros durante a aventura.

Construir a casa é quase outro jogo

Se existe uma área em que Starsand Island demonstra uma preocupação especial com personalização, é na construção e decoração da casa, que utiliza um sistema baseado em peças modulares para permitir que o jogador monte praticamente tudo do seu jeito. Para alguém acostumada com a liberdade de construção de The Sims, porém, achei o sistema inicialmente complexo e pouco intuitivo, especialmente durante os momentos em que joguei no Steam Deck.

Felizmente, quem não quiser passar horas tentando descobrir como encaixar cada parede pode recorrer aos presets com estilos variados, que tornam a reforma da casa muito mais simples. Para quem gosta de decoração, existe conteúdo de sobra, com móveis, estruturas, paisagismo e novos conjuntos adicionados na versão completa, incluindo peças europeias, modernas, temáticas de sala de aula e piquenique.

A liberdade também aparece na possibilidade de construir a casa em diferentes pontos da ilha e personalizar detalhes de maneira bastante específica, criando um espaço que realmente pode ficar com a cara do jogador. É uma abordagem que ajuda a transformar a fazenda em algo mais pessoal, em vez de apenas um lugar onde as máquinas e plantações ficam espalhadas esperando o próximo dia.

Até escolher uma roupa pode virar uma missão

A personalização do personagem também recebeu bastante atenção, com uma quantidade generosa de opções para cabelos, maquiagem e roupas. O detalhe interessante é que as roupas precisam ser fabricadas a partir de receitas e materiais específicos, transformando uma área que normalmente funciona apenas como cosmético em mais uma razão para explorar e produzir recursos.

Essa escolha combina bem com a filosofia geral de Starsand Island, em que quase tudo parece ter alguma utilidade dentro do ciclo de progressão. Mesmo quando o jogador quer apenas deixar o personagem bonito, existe um pequeno objetivo por trás da atividade, o que mantém a sensação de evolução presente em praticamente todos os sistemas.

O visual é encantador, mas os monstros parecem ter vindo de outro jogo

A direção de arte é provavelmente um dos maiores responsáveis pela personalidade de Starsand Island, com cenários coloridos, iluminação aconchegante e uma estética claramente inspirada na animação japonesa. A ilha consegue transmitir a sensação de um lugar em que seria agradável passar algumas horas, seja cuidando da fazenda, andando pela praia ou simplesmente observando os moradores seguirem suas rotinas.

O problema aparece quando os monstros entram em cena, porque o design deles destoa bastante do restante da direção de arte e passa uma impressão semelhante à que já encontramos em outros simuladores, como Coral Island. A existência de combate também parece um pouco deslocada dentro da proposta, mas o sistema funciona bem o suficiente para não se transformar em um problema durante a exploração.

A trilha sonora também segue a mesma proposta visual e aposta em músicas tranquilas que ajudam a construir a sensação de estar vivendo em um pequeno paraíso. O problema é que a variedade não acompanha a quantidade de horas que o jogo pretende oferecer, fazendo com que algumas faixas acabem se tornando repetitivas durante sessões mais longas.

A ausência de dublagem também é sentida, especialmente porque as cutscenes são uma parte importante da apresentação dos personagens e da identidade do jogo. Outro ponto que pesa para jogadores do nosso país é a falta de tradução em português brasileiro, algo que poderia ser corrigido em atualizações futuras e que seria particularmente importante para um título tão dependente de diálogos, missões e descrições de itens.

O conteúdo é grande o suficiente para render muitas horas

Starsand Island não é exatamente um jogo que você termina e imediatamente coloca de lado, principalmente porque existe uma enorme quantidade de sistemas para desenvolver, itens para fabricar, personagens para conhecer e espaços para personalizar. Eu passei um final de semana praticamente inteiro jogando e ainda sentia que havia atividades suficientes para continuar por muitas outras horas.

A versão completa também adiciona multiplayer online para até quatro jogadores, permitindo visitar as ilhas de outras pessoas e ajudar na construção. Além disso, o pacote inclui suporte a mods, Steam Workshop e ModKit no PC.

A equipe também adiciona, na versão 1.0, elementos como festivais, novos pets, conteúdos de relacionamento, conjuntos de decoração, veículos e melhorias em praticamente todos os sistemas. Isso mostra que a proposta é construir uma experiência de longo prazo para quem realmente gosta de viver dentro desses mundos.

Depois de tantas horas nesse mundo, fica difícil dizer que Starsand Island revolucionou os simuladores de fazenda, porque praticamente tudo que ele oferece já apareceu de alguma forma em outros jogos do gênero. A diferença está em combinar essas ideias com uma progressão baseada em desafios, uma quantidade enorme de personalização e uma estética anime que dá ao conjunto uma identidade bastante própria.

Isso também é o que torna o jogo interessante para quem já esgotou Stardew Valley, Coral Island ou My Time at Portia e está procurando outro lugar para investir dezenas de horas. Ele não precisa ser uma revolução para funcionar, porque a graça de um bom farming simulator está justamente em encontrar uma nova rotina, descobrir novos sistemas e transformar aquela pequena propriedade inicial em algo que pareça realmente seu.

Starsand Island vale a pena?

Starsand Island é uma boa escolha para quem gosta de simuladores de fazenda e quer uma experiência confortável, extensa e cheia de coisas para fazer. O pacote é ainda mais indicado se a estética inspirada em anime e a possibilidade de personalizar praticamente tudo chamarem sua atenção.

O jogo tropeça na falta de inovação narrativa, em algumas escolhas de interface e na ausência de português. Por outro lado, o título compensa parte desses problemas com sistemas que se conectam bem e uma progressão capaz de manter o jogador ocupado por muitas horas.

No lançamento, porém, o preço a partir de R$ 107 pode ser um pouco salgado para quem já tem outros simuladores do gênero no backlog e não está desesperado por uma nova fazenda para cuidar. Para os aficionados por farming simulators, por outro lado, Starsand Island entrega exatamente aquilo que promete: uma nova ilha para explorar, uma fazenda para construir, bichinhos fofos para adotar e, inevitavelmente, mais uma plantação que vai precisar ser regada antes de dormir.

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A proposta pode soar “parada” para quem espera ação, mas é justamente isso que torna o jogo, lançado em julho de 2025, tão especial. Ele coloca o jogador no ritmo tranquilo do Condado, com tarefas simples, relações calorosas e um mundo detalhado que valoriza os pequenos prazeres da vida hobbit.

Ficha Técnica

• Jogo: Tales of the Shire: A The Lord of the Rings Game

• Lançamento: 26/07/2025

• Onde jogar: PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch e PC

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 99,99

Confira a seguir a nossa review do game, realizada com a versão de Xbox Series X do game.

Um simulador de hobbit de verdade

O jogo acerta em cheio ao traduzir a essência do que é viver no Condado: comer bem, cuidar da sua toca e manter relações calorosas com os vizinhos. Seu personagem chega a uma vila que precisa ser restaurada, e o progresso acontece por meio da amizade com NPCs, criação de grupos de coleta, pesca e jardinagem.

A culinária ganha papel de destaque — nada mais justo, já que a mesa sempre foi o coração da vida hobbit. Preparar refeições e compartilhá-las com os moradores é parte fundamental da experiência.

Apesar disso, a repetição pesa. As tarefas de coleta são frequentes e, mesmo sendo a base do jogo, poderiam oferecer mais variedade. Jardinagem e enigmas quebram um pouco a rotina, mas a sensação é de que faltam atividades diferentes para manter o ritmo envolvente ao longo das horas.

Jogabilidade simples e acessível

Quando o assunto é gameplay, não há mistério: Tales of the Shire é fácil de jogar. A interface é clara, intuitiva e parece pensada para que qualquer pessoa consiga mergulhar sem dificuldades.

Gostei especialmente da forma como as missões — chamadas de “contos” — são rastreadas. Em vez de marcadores convencionais, você segue pássaros pelo mapa, o que dá um toque poético e respeita o clima da obra de Tolkien.

Essa simplicidade é ao mesmo tempo um ponto forte e uma limitação. O game é relaxante, mas também menos desafiador para quem busca algo além da calmaria. Jogadores acostumados a simuladores mais profundos podem achar a experiência um tanto rasa, enquanto novatos ou fãs de Tolkien provavelmente vão se sentir em casa.

Uma narrativa de pequenas histórias

Não há uma grande trama central movendo os acontecimentos, e isso faz sentido: a narrativa é construída nas relações cotidianas.

Cada amizade cultivada, cada refeição preparada e cada tarefa concluída ajudam a fortalecer a comunidade. É interessante perceber como o jogo transforma o simples ato de compartilhar uma refeição em um momento importante para o progresso.

Para os fãs da obra original, há ainda pequenos acenos ao universo de O Senhor dos Anéis. Menções a Bilbo e Gandalf aparecem como lembranças afetuosas que ampliam a sensação de estar, de fato, vivendo na Terra-média.

Gráficos detalhados e personalização caprichada

Visualmente, o jogo entrega um Condado cheio de vida. Os cenários são detalhados, com cores aconchegantes e ambientes que transmitem calma.

A criação de personagens é robusta e permite ajustes completos, enquanto a personalização da toca é um verdadeiro convite à criatividade. É possível modificar janelas, vigas, móveis e até talheres na mesa. Para um jogo que simula a vida hobbit, esse cuidado faz toda a diferença.

Durante o teste, alguns pequenos bugs chamaram atenção, como piscadas ocasionais na tela. Não chegam a comprometer a imersão, mas lembram que o polimento técnico poderia ser maior. Vamos torcer para a equipe não largar o jogo e seguir lançando atualizações com melhorias.

A trilha sonora também ajuda a criar a atmosfera acolhedora do Condado. Cada área do mapa tem sua própria música, o que reforça a identidade de cada local e diferencia as regiões. No início, é um charme, mas depois de algumas horas, algumas faixas podem soar repetitivas.

Já as interações entre personagens são feitas apenas por texto, sem dublagem. Funciona dentro da proposta intimista, mas deixa a sensação de que ouvir vozes hobbits com sotaques marcantes teria elevado ainda mais a imersão.

Vale a pena ?

Tales of the Shire não tenta competir com gigantes como Stardew Valley. O objetivo aqui é ser um jogo de aconchego, focado na vida hobbit. E, mesmo com limitações, nisso ele acerta.

Para quem busca uma experiência relaxante, que valoriza o cotidiano e os laços sociais, o jogo cumpre o que promete. Para fãs de O Senhor dos Anéis, a experiência é ainda mais saborosa, cheia de referências sutis que reforçam a sensação de estar na Terra-média.

Por outro lado, a repetição de tarefas e a falta de variedade nas atividades podem tornar a jornada monótona para quem procura algo mais dinâmico. É um título feito para desacelerar, e não para prender o jogador por dezenas de horas de desafios constantes.

Vale a pena apostar no jogo se você procura calmaria e aconchego, ou se é fã do universo de Tolkien e quer vivenciar a rotina de um hobbit. Caso contrário, pode ser um jogo melhor aproveitado em uma bela promoção — como um bom segundo café da manhã no Condado: não é essencial, mas deixa o dia mais gostoso.

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Neste cenário mais do que favorável, o jogo foi cercado de muita expectativa, sendo chamado por muitos de “sucessor espiritual” da franquia Marvel VS Capcom (só que sem os personagens da Capcom, obviamente). Agora, chegou a hora de descobrir se tudo isso é verdade.

Eu testei Marvel Tokon durante os últimos dias e o prognóstico inicial é consideravelmente positivo. O jogo busca trazer os personagens em pancadarias típicas do estúdio com gráficos estilizados, lembrando animes e trazendo várias referências.

A seguir, confira a review completa e veja se o jogo é realmente para você.

Ficha Técnica

• Jogo: Marvel Tokon: Fighting Souls

• Lançamento: 06/08/2026

• Onde Jogar: PlayStation 5 e PC

• Plataforma de Teste: PlayStation 5

• Preço: A partir de R$ 339,90

Pancadaria Heroica

Feito pela Arc System Works, estúdio responsável por múltiplos jogos de luta como Guilty Gear e Dragon Ball FighterZ, Marvel Tokon funciona como um jogo de luta em que o jogador usa quatro personagens em combates contra outra equipe de quatro personagens. No entanto, existe um “pulo do gato” no meio da fórmula.

O jogo é diferente de títulos como Marvel VS Capcom 3, em que se enfrenta todos os membros da equipe, com cada um tendo sua barra de vida. Em Marvel Tokon, você só enfrenta uma barra de vida, que é compartilhada entre os quatro personagens que se intercalam na arena de batalha.

A fórmula deixa as lutas mais rápidas, porém também pode torná-las mais desafiadoras em alguns casos, Apesar de não terem barras de vida únicas, você pode alternar entre os membros da equipe durante as lutas a praticamente qualquer hora, com cada membro sendo liberado conforme os rounds passam.

Além de alternar entre os personagens, também é possível pedir ajuda deles durante as lutas, com comandos que ativam a assistência específica de cada um. Cada personagem possui habilidades únicas que diferenciam bastante o elenco, evitando a sensação de que existem personagens iguais apenas com aparências diferentes.

Ao todo, o jogo conta com 20 lutadores liberados logo no início, com um personagem secreto sendo liberado durante a campanha. A dica é ver o especial do Jornal para conferir mais detalhes sobre o gameplay de cada um.

Falando da gameplay, a jogabilidade é bastante acessível para novatos. O jogo busca simplificar os combos por meio do sistema Link Attacks, em que o jogador só precisa apertar o mesmo botão várias vezes para realizar sequências de golpes. Também existem combinações de botões práticas para executar os ataques especiais, eliminando a necessidade de memorizar comandos complexos.

Essa abordagem pode desagradar jogadores mais hardcore, que procuram sistemas de combate mais técnicos. Por outro lado, o sistema torna o jogo mais amigável para quem está começando no gênero e pode fazer de Marvel Tokon uma boa porta de entrada para novos jogadores.

Além disso, o título também conta com certa complexidade para quem curte se aprofundar nos personagens. Afinal, enquanto é fácil fazer combos e firulas, o game também conta com técnicas para rebater ataques e tornar o gameplay mais aprofundado, seguindo os padrões do estúdio, o que deve garantir uma cena movimentada nos esports — além da clássica diversão no multiplayer online e de sofá.

Uma história em quadrinhos contada como mangá

O modo história do jogo, chamado de Episode Mode, é dividido em cinco histórias diferentes, uma para cada equipe. Enquanto a linha narrativa principal é sempre a mesma, o jogador acompanha a saga de cada equipe, que traz os seguintes personagens, intercalados no decorrer das brigas:

• Vingadores Avante! (composto por Homem de Ferro, Capitão América, Hulk e Pantera Negra)

• Mutantes Indomáveis (composto por Tempestade, Wolverine, Magik e Danger),

• Guardiões Incríveis (composto por Homem-Aranha, Senhor das Estrelas, Ms. Marvel e Peni Parker)

• Vanguarda Samurai (composto por Motoqueiro Fantasma, Blade, Deadpool e Loki)

• Senhores do Destino (composto por Doutor Destino, Magneto, Duende Verde e Carnificina).

Na trama, uma figura chamada Champion desafia os campeões da Terra em um torneio pelo destino do planeta. A história é apresentada por meio de quadrinhos dublados em português brasileiro e outros idiomas, desenhados por diversos artistas, com algumas cutscenes no meio. O estilo mistura a arte dos quadrinhos ocidentais com os mangás, garantindo uma experiência dinâmicas e divertida.

A história é escrita por Kieron Gillen, roteirista de quadrinhos responsável pela popular série de quadrinhos do Darth Vader publicada pela Marvel, além de ter trabalhado com personagens da editora como os Eternos e X-Men. A trama em si é simples, mas acerta justamente ao focar nas questões pessoais dos heróis e em suas motivações.

O roteiro consegue compreender perfeitamente a essência de heróis como Homem-Aranha e os X-Men, trazendo histórias carregadas de emoção e que conversam bem com os quadrinhos. Além disso, o jogo consegue equilibrar muito bem o tom que cada personagem e equipe pede.

O modo em si não é muito longo, levando em média duas horas para terminar a história de cada equipe e cerca de dez horas para concluir todas. Além disso, um personagem secreto também é desbloqueado após a conclusão da primeira história.

No quesito gameplay, o modo possui lutas espaçadas entre os capítulos, que funcionam como tutoriais dos personagens. Isso resolve o maior problema do modo história de Guilty Gear Strive, outro jogo da desenvolvedora, que era justamente a ausência de gameplay. Os combates, à primeira vista, são extremamente fáceis, mas vão ficando mais difíceis a cada história concluída, o que evita que o modo se torne entediante.

Variedade de Modos

Marvel Tokon possui uma variedade de modos além da história. A seleção inclui o Arcadia Rumble, All-Star Arena, Versus, Lobby Aberto e as Partidas Online.

Arcadia Rumble

No modo Arcadia Rumble, que pode ser jogado tanto solo quanto em multiplayer, o jogador batalha por pontos para ver quem ganha. O modo é divertido para jogar com os amigos, mas, caso esteja jogando sozinho, pode se tornar um tanto quanto repetitivo devido à similaridade da gameplay.

A experiência é dividida em dois loops de gameplay: a fase de exploração, em que os jogadores andam por parte do mapa do lobby com seus avatares, coletando itens e enfrentando outros jogadores para ganhar mais pontos; e a fase de luta, em que os pontos são obtidos por meio de nocautes.

All-Star

O modo All-Star Arena é dividido em dois modos distintos. No modo Arena, o jogador deve escolher percursos para enfrentar determinados inimigos, servindo para desbloquear cosméticos e cores secundárias para os personagens. Já no modo Sobrevivência, os jogadores, com um medidor de vida limitado, enfrentam séries de inimigos até chegar ao chefão.

O modo é uma ótima maneira de estender o tempo de gameplay, além de ser recompensador pelos cosméticos liberados.

Versus

O modo Versus é o que já se espera: uma opção em que o jogador enfrenta outros personagens controlados por outro jogador ou pelo computador. Aqui, a experiência entregue está dentro do padrão do gênero, garantindo opções de lutadores e arenas para aquela diversão com a galera no multiplayer de sofá.

Online

Já as partidas online, como o nome indica, colocam o jogador para encarar outros adversários pela internet. Para usar no PS5, é necessário ter uma assinatura PS Plus Essential, enquanto o PC está livre da cobrança.

Como tem virado padrão em jogos de luta modernos, o jogo possui um lobby em que você controla um avatar pelo mundo. Diferente da maioria dos jogos do gênero, porém, aqui o lobby não se restringe a apenas uma sala de fliperama.

Em Marvel Tokon, temos um mundo completo, cheio de referências ao universo Marvel e com a aparição de personagens como Mary Jane, Homem de Gelo, entre outros. Além disso, é possível participar de minigames no lobby, trazendo uma experiência única e diferenciada em relação aos lobbies de outros jogos de luta.

Visuais e Sons de primeira

Assim como em títulos anteriores do estúdio, Marvel Tokon utiliza uma mistura de 2D com 3D, em um estilo artístico cel-shading com visual de anime. O resultado traz belíssimos visuais, principalmente nos designs dos personagens e nos efeitos exibidos em tela.

O jogo possui uma direção de arte bastante inspirada e criativa nos designs, buscando referências em outras obras e elementos culturais. Um exemplo é o Homem de Ferro, cujo design no jogo possui bastante inspiração nos mechas da franquia Gundam. Já o Blade possui elementos inspirados na cultura japonesa.

Enquanto isso, outros personagens apresentam designs mais similares às suas contrapartes dos quadrinhos, como os personagens dos X-Men e a Ms. Marvel. Essa variedade ajuda a diferenciar visualmente o elenco.

No quesito performance, o jogo roda muito bem no PlayStation 5. Porém, houve muitos relatos de que o título estaria rodando com problemas no PC, mesmo em máquinas mais potentes.

Na parte sonora, o jogo também faz bonito. Os golpes especiais e outros efeitos sonoros são satisfatórios, agradáveis e combinam com o visual. O jogo é dublado e possui uma boa dublagem na maior parte dos personagens, principalmente naqueles em que as vozes dos filmes e desenhos retornam.

Porém, alguns personagens possuem vozes que não combinam tanto assim. Esse é o caso do Wolverine, cuja voz, que inclusive será utilizada no jogo solo do personagem que será lançado mês que vem, parece jovial demais para o herói. Isso acaba não combinando com o personagem devido à idade e à entonação que ele pede.

Ainda no quesito dublagem, os nomes de todos os personagens são usados em inglês, assim como acontece em outros jogos da Marvel, como Spider-Man 2. Isso causa alguns momentos bizarros na dublagem, já que estamos acostumados com os personagens falando seus nomes em português. Como resultado, alguns nomes acabam não soando naturais durante as falas, como é o caso do Green Goblin, conhecido por aqui como Duende Verde.

Ainda no departamento sonoro, um dos maiores acertos do jogo é, com certeza, sua trilha sonora. Ela é composta por uma equipe formada por Toma Otowa (compositor de Ghost of Yotei), Daisuke Ishiwatari (da franquia Guilty Gear), Norichiki Sato (também da franquia Guilty Gear) e a dupla de ex-integrantes da banda Guns N’ Roses, Brain e Melissa.

Tokon apresenta uma trilha sonora de primeira, utilizando vários temas em Heavy Metal com direito a vocais, como nos temas do Motoqueiro Fantasma e do Magneto. O jogo também aposta em outros gêneros, como a música eletrônica, no caso do Blade.

Os temas dos personagens são o ponto alto da trilha sonora. Mesmo que as músicas das fases sejam um tanto quanto genéricas, elas não chegam a subtrair o brilho da excelente trilha sonora que o jogo possui.

Vale a Pena comprar Marvel Tokon: Fighting Souls?

Marvel Tokon: Fighting Souls traz uma gameplay acessível e divertida, um modo história surpreendentemente robusto, modos de jogo variados e um online divertido. Os visuais são belíssimos e a trilha sonora também é um dos grandes destaques.

O jogo é uma excelente porta de entrada para novatos no gênero e alegra aqueles que estavam sentindo falta de um jogo de luta estrelando os heróis da editora. E trazer a Arc System Works para cuidar desse retorno foi uma cartada tão boa quanto colocar o Deadpool como lutador.

Marvel Tokon tem tudo para ser o melhor jogo de luta do ano e um dos melhores jogos do ano. Se você possui um PlayStation 5 e é fã de jogos de luta ou dos heróis da Marvel, pode ir sem medo. Porém, se for um jogador de PC, talvez seja melhor esperar alguns patches de atualização, já que o título ainda precisa de melhorias na plataforma.

Marvel Tokon: Fighting Souls consegue equilibrar acessibilidade, variedade e profundidade em uma experiência que mostra todo o potencial dos jogos de luta. Se depender de Tokon, o universo da Marvel encontrou um novo palco de peso nos games — e ele está pronto para pegar fogo com embates de cair o queixo.

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O título se trata do remake do lendário jogo de 2001 lançado para o Xbox original e que revolucionou a maneira como jogos de tiro eram feitos para consoles. Campaign Evolved é a segunda modernização do clássico de 2001, com a outra sendo o Halo Combat Evolved Anniversary de 2011, feito pela 343 para Xbox 360, e também disponível na Master Chief Collection.

Agora, resta saber se o remake está a altura do clássico ou não. Afinal, vale a pena apostar no remake ou é melhor ficar nas versões anteriores? Confira, a seguir, a review de Halo Campaign Evolved.

Ficha Técnica

• Jogo: Halo Campaign Evolved

• Denvolvedora: Halo Studios

• Lançamento: 28 de Julho de 2026

• Onde Jogar: PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de Teste: Xbox Series S

• Preço: A partir de R$ 249,00 (também disponível no Game Pass)

Um clássico refeito para reviver a franquia

Halo Campaign Evolved é desenvolvido pela Halo Studios, estúdio anteriormente chamado de 343, que iniciou sua jornada na franquia Halo em 2011 com o remaster Halo Combat Evolved Anniversary, buscando modernizar o título original para uma nova geração de consoles. Após isso, tivemos o lançamento de Halo 4 em 2012, que deu continuidade a franquia, concluindo a história de Halo 3.

Após o lançamento deste jogo, em 2014, chega a Master Chief Collection, coletânia que possui todos os jogos da franquia Halo. No ano seguinte, é lançado o infame Halo 5 Guardians, jogo amplamente criticado pelos fãs por sua história e pouco uso do protagonista Master Chief, em prol de um personagem novo que acabou sendo esquecido.

Depois do lançamento de Halo 5, só teríamos um novo jogo da franquia em 2021,, com Halo Infinite, que também chegou envolto de polêmicas. Após o lançamento do título, a franquia passou por um breve hiato, até que em 2025 foi anunciado Halo Campaign Evolved, o remake do primeiro jogo da franquia com a proposta de modernizar a gameplay do primeiro título da série, trazer melhoras gráficas e um novo modo história com três missões extras, se passando antes da história principal.

A Evolução do Combate

Campaign Evolved chega modernizando a gameplay do jogo original, seguindo o molde de jogos anteriores da era 343. O remake adiciona elementos modernos à gameplay, como o sprint, recurso que divide a fanbase de Halo desde que foi introduzido em Halo 4, em 2012.

Há fãs que argumentam que ele atrapalha o ritmo da gameplay, enquanto outros acreditam que torna os combates mais dinâmicos. Independente do lado escolhido, uma coisa é certa: a adição do recurso ajuda a modernizar a gameplay, pois muitos jogos atuais usam a “corridinha”.

Porém, essa não foi a única mudança na gameplay. Também foram alterados o balanceamento dos inimigos e a presença deles. Uma das diferenças mais gritantes nesse quesito é a presença dos Jackal Snipers, um tipo de inimigo que só seria introduzido em Halo 2 (e que foi o pesadelo de todos os jogadores que jogaram na dificuldade mais difícil).

A agressividade dos inimigos também foi modificada, com os Elites agora partindo em direção ao jogador e matando com um golpe na dificuldade normal, o que torna o jogo mais desafiador em certo ponto.

Uma das maiores mudanças do remake no aspecto da gameplay é a adição de marcadores de objetivo. Isso resolve um dos maiores problemas do jogo original, que era a facilidade de se perder no mapa devido à semelhança dos territórios e à falta de uma indicação clara de onde se devia ir em locais mais abertos. Além disso, foram adicionados marcadores indicando os últimos inimigos restantes no ambiente.

Visuais e Sons Mistos

À primeira vista, a mudança mais notável é a gráfica. Feito na Unreal Engine 5, Campaign Evolved traz visuais repaginados e mais bonitos, porém com uma grande quantidade de problemas de desempenho. Com o teste feito no Xbox Series S, foram percebidos problemas já conhecidos da engine, como os stutterings, que estão presentes tanto na gameplay quanto nas cutscenes, o que parece um tanto quanto estranho por serem pré-renderizadas.

Além disso, é possível notar a presença de texturas que só carregam quando se chega muito perto, além de efeitos que aparecem de maneira pixelizada, como explosões e raios elétricos. Isso causa a impressão de que não houve uma atenção adequada à otimização do jogo no console.

Por falar nas cutscenes, elas apresentam mudanças em relação ao original, não só nos gráficos, mas também no ritmo. Elas são mais longas que no original, porém isso acaba prejudicando o ritmo narrativo do jogo.

A história original apresentava cutscenes curtas justamente pelo senso de urgência que passava. Algo que se perde aqui devido às cutscenes desnecessariamente longas, com pausas entre diálogos que acabam servindo mais para estendê-las do que para cumprir algum propósito narrativo. Isso é prejudicado ainda mais por uma dublagem um tanto quanto apática.

Por falar em dublagem, o jogo não possui uma dublagem no nosso idioma, tendo apenas legendas em português brasileiro. Por causa disso, só é possível jogar no áudio original, que parece soar um tanto quanto apático em relação ao jogo original.

Alguns personagens, como o Capitão Keys e o Sargento Johnson, possuem novas vozes, enquanto personagens como o Chief e a Cortana retornam com as vozes originais. Porém, todos parecem entregar uma performance um tanto quanto apática em relação ao jogo original. Isso parece ser culpa de uma direção fraca, fazendo com que muitos diálogos careçam do impacto que tinham originalmente.

O trabalho sonoro do remake como um todo acaba carecendo de impacto. Seja na sonoplastia das armas, cujos sons acabam soando similares para passar a sensação de realismo, mas que, com isso, perdem a identidade. Já em relação à trilha sonora, aspecto marcante da franquia, ela é simplesmente uma reutilização da trilha do jogo original com um trabalho de remasterização, ao invés de ter recebido um novo arranjo, como no remaster de 2011.

Porém, ela não se encaixa no restante da experiência devido à sua mixagem, que faz com que fique sempre baixa em relação aos efeitos sonoros. Além disso, encontra-se destoante dos gráficos modernos, principalmente pelo uso de sintetizadores, que deixam à mostra que é uma trilha sonora feita em 2001. Muitas vezes, ela parece mais um mod de fã incluído em um jogo moderno do que a trilha sonora do jogo propriamente dita.

Uma Nova Missão

O maior chamariz do remake para aqueles que já jogaram o jogo original com certeza é o conjunto de missões prequel, denominado Operation Meteorite. O conjunto de três missões coloca Master Chief e o Sargento Johnson em uma missão para invadir uma nave Covenant e recuperar dados valiosos.

A operação em si leva de uma hora e meia a duas horas e já está disponível logo quando se abre o jogo. Porém, as missões em si não apresentam muita variedade, sendo apenas corredores atrás de corredores repletos de inimigos. Isso torna a experiência repetitiva rapidamente e faz com que as duas horas pareçam quatro.

Narrativamente, as missões não se saem muito melhor, com uma história fraca que serve apenas como desculpa para o tiroteio. O maior problema está nos diálogos, seja com o Chief, que se mostra excessivamente piadista, com falas que parecem não combinar com o personagem, seja com os personagens novos, que acabam sendo mais irritantes do que qualquer outra coisa, levando a momentos de vergonha alheia.

Vale a Pena Jogar Halo Campaign Evolved?

Halo Campaign Evolved, apesar de trazer uma camada moderna, acaba sendo inferior ao título de 2001 e ao remaster de 2011. Apesar de entregar uma gameplay modernizada e belos gráficos, o jogo faz pouco para justificar a própria existência. Com um trabalho sonoro inferior, um desempenho fraco no Xbox Series S e um modo história extra nem um pouco divertido, Campaign Evolved parece mais um trabalho feito por obrigação do que uma carta de amor à franquia.

Se você é um jogador de Xbox ou PC e nunca teve contato com a franquia, a recomendação é jogar o remaster de 2011 presente na Master Chief Collection em vez deste, deixando Campaign Evolved apenas como uma curiosidade para depois. Se for um jogador de PlayStation, por outro lado,, o remake pode ser um ponto de partida interessante para a franquia.

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Trata-se de Avatar Legends: The Fighting Game, primeiro jogo de luta baseado na franquia e desenvolvido pela Gameplay Group International, estúdio que conta com uma forte presença de artistas e desenvolvedores brasileiros. Durante nossos testes, ficou claro que o objetivo nunca foi apenas aproveitar a popularidade da licença, mas criar um jogo de luta capaz de caminhar com as próprias pernas sem perder a essência da animação.

Ficha Técnica

• Jogo: Avatar Legends: The Fighting Game

• Lançamento: 23/07/2026

• Onde jogar: PC, PlayStation 5 e Nintendo Switch (versão de Xbox chega em 3 de setembro e Switch 2 ainda sem data)

• Plataforma de teste: PlayStation 5

• Preço: A partir de R$ 88,99

O combate encontra sua própria identidade

Jogos baseados em grandes propriedades intelectuais nem sempre conseguem ir além do fan service e, desde a época do PlayStation 2, já vimos inúmeras adaptações que apostavam apenas no nome da franquia. Felizmente, Avatar Legends consegue fugir dessa armadilha ao entregar um sistema de combate que funciona muito bem tanto para quem gosta de jogos de luta quanto para quem simplesmente ama o universo de Avatar.

As batalhas acontecem em arenas 2D e utilizam um sistema bastante criativo baseado em duas barras distintas. Enquanto a Barra de Foco permite realizar movimentações avançadas, defesas especiais e até escapar de situações complicadas, o medidor de Energia é utilizado para executar golpes especiais extremamente estilosos, acompanhados por belas animações inspiradas nas dobras da série.

Essa combinação cria um ritmo bastante dinâmico durante as partidas e evita que as lutas fiquem repetitivas ou dependentes de um único tipo de estratégia. Mecânicas como o Escape de Foco ajudam a impedir que um jogador fique preso permanentemente no canto da tela, tornando os confrontos mais equilibrados e incentivando decisões rápidas durante toda a partida.

O elenco inicial conta com apenas doze personagens, mas a variedade entre eles impressiona. Cada lutador possui identidade própria, estilos de combate bastante diferentes e combos que realmente aproveitam as características vistas na animação, evitando aquela sensação de que um personagem é apenas uma cópia de outro.

Ainda assim, alguns problemas de balanceamento ficam evidentes durante o lançamento. O próprio estúdio já confirmou ajustes para Ozai e algumas variantes de Korra e Aang, além da chegada de novos lutadores via Passe do Ano 1 e do personagem gratuito Tagah, mostrando que o elenco continuará evoluindo nos próximos meses.

Modos de jogo e campanha cheia de história

Para quem procura conteúdo além do versus tradicional, Avatar Legends oferece uma quantidade bastante satisfatória de modos de jogo. Estão presentes campanha, arcade, versus local, partidas online, treinamento e uma galeria recheada de artes conceituais desbloqueáveis ao longo da progressão.

O modo História merece destaque por apresentar uma aventura inédita desenvolvida em colaboração com os criadores da franquia. Utilizando o conceito de multiverso, a campanha reúne diferentes Avatares e vilões em uma mesma linha temporal, criando confrontos improváveis entre personagens como Aang, Korra, Kyoshi, Ozai e Zaheer sem perder o espírito da série.

A narrativa possui alguns momentos que exigem certa suspensão de descrença para justificar esses encontros, além de tudo andar com animações limitadas, mas funciona como um ótimo pano de fundo para conectar as batalhas. A dublagem em inglês ajuda na imersão e mantém os personagens bastante fiéis às suas personalidades, mesmo que a história esteja longe de ser o principal atrativo do jogo.

O modo Arcade também oferece incentivos interessantes para continuar jogando, recompensando o jogador com artes conceituais e conteúdos extras que mostram parte do processo de desenvolvimento. Para quem acompanha Avatar há anos, essas pequenas recompensas acabam funcionando como um bônus bastante agradável entre uma partida e outra.

Já o Versus se destaca por trazer uma experiência simples para lutar com amigos no mesmo ambiente, garantindo uma boa diversão para aqueles momentos de festa com videogame. O gameplay do jogo é bem profundo, mas dá pra se divertir simplesmente amassando os botões com a galera.

Ainda faltam alguns ajustes para atingir todo o potencial

O online chega equipado com rollback netcode e crossplay entre todas as plataformas, dois recursos praticamente indispensáveis para um jogo de luta moderno. No entanto, a ausência dos modos ranqueados no lançamento transmite a sensação de que Avatar Legends chegou um pouco antes do momento ideal, já que boa parte da experiência competitiva ainda será implementada em atualizações futuras.

O modo de treinamento também merece alguns ajustes, principalmente para jogadores iniciantes. Ferramentas avançadas como hitboxes, frame data e salvamento de estados devem agradar veteranos do gênero, mas o jogo dedica pouco espaço para ensinar conceitos básicos das mecânicas, algo que pode afastar quem está dando os primeiros passos em jogos de luta.

Para descobrir os conceitos de foco e energia, por exemplo, tive que passar um bom tempo lendo letras miúdas em menus, algo que está longe do ideal para um jogo baseado em uma franquia tão popular.

Uma carta de amor para quem cresceu assistindo Avatar

Se o sistema de combate consegue funcionar por mérito próprio, o cuidado com a franquia é o que torna Avatar Legends ainda mais especial. Desde as animações desenhadas à mão até os pequenos detalhes espalhados pelos cenários, fica evidente o carinho que a equipe teve ao transportar esse universo para os videogames.

O estilo artístico é facilmente um dos maiores destaques da produção e reproduz com enorme fidelidade o visual das animações da Nickelodeon. Boa parte desse trabalho passa pelas mãos de uma equipe formada majoritariamente por artistas brasileiros, responsáveis por grande parte das animações tradicionais que dão vida aos personagens durante as lutas.

As referências também aparecem o tempo todo, seja em diálogos, golpes, poses ou pequenos memes conhecidos pela comunidade. Para quem acompanhou tanto Avatar: A Lenda de Aang quanto A Lenda de Korra, praticamente toda partida reserva algum detalhe divertido para encontrar.

O jogo também receberá mais personagens e até um novo lutador conectado com o recém-lançado filme da franquia, o que mostra interesse da Paramount em manter o game vivo. Resta agora torcer para esse suporte seguir ativo durante os próximos anos.

Desempenho convence, mas localização precisava de mais cuidado

Durante nossos testes no PlayStation 5 Pro, Avatar Legends apresentou desempenho bastante sólido e não registrou problemas técnicos relevantes. O jogo mantém boa estabilidade durante as partidas e entrega exatamente a fluidez esperada de um título competitivo.

É importante ressaltar, no entanto, que o jogo segue os padrões modernos e exige PS Plus para jogar online — o mesmo também acontece no Switch Online e, futuramente, no Game Pass. Ou seja, se você quer total liberdade de uma assinatura, a versão de PC é a melhor pedida.

Por fim, também existem outras ressalvas ficam fora do gameplay. Além da falta de suporte para alguns controles especializados em jogos de luta, a localização em português brasileiro apresenta erros bastante perceptíveis, incluindo traduções equivocadas como “Korra Vitórias” após o fim das partidas, algo que acaba chamando atenção de maneira negativa e transmite uma sensação de falta de polimento.

Vale a pena comprar Avatar Legends: The Fighting Game?

Avatar Legends: The Fighting Game consegue algo que muitas adaptações licenciadas não alcançam: ser um bom jogo independentemente da franquia que representa. Seu combate criativo, o excelente trabalho artístico e o carinho evidente com o universo de Avatar fazem dele uma experiência bastante divertida tanto para fãs da animação quanto para jogadores que gostam de experimentar novos jogos de luta.

Ao mesmo tempo, o lançamento deixa claro que ainda existe espaço para evolução. O balanceamento de alguns personagens, os problemas de localização, a ausência dos modos ranqueados e algumas melhorias prometidas para os tutoriais mostram que o potencial do jogo ainda não foi totalmente explorado.

Quem é fã de Avatar provavelmente encontrará motivos suficientes para embarcar nessa aventura desde já, principalmente considerando o preço bastante competitivo da edição padrão. Já quem procura uma experiência mais completa e refinada talvez faça um melhor negócio esperando as próximas atualizações e uma eventual promoção, quando o jogo certamente estará ainda mais próximo daquilo que promete ser.

Curiosamente, ao início de toda a luta, Avatar Legends diz que o “balanço precisa ser restaurado”. O time da Gameplay Group e da Paramount Studios estão no caminho certo, mas ainda precisam trilhar um caminho até alcançar esse objetivo com o jogo de luta.

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Tanto por isso, para a nova temporada eu esperava apenas um refinamento dos novos elementos, sem investimento nas histórias de fundo que norteiam as missões de temporada. Descobrir que O Despertar da Morte, tema da Temporada 14, iria resgatar elementos de Diablo III: Reaper of Souls (2014), me fez pensar que poderíamos esperar por algo muito bom, ou muito frustrante, e o resultado foi algo nem lá, nem cá.

Pensando em gameplay, a nova temporada foi além dos refinamentos sutis e desenvolveu propriamente o potencial de muitas mecânicas novas da expansão, desde novas receitas do Cubo Horádrico até, supostamente, um aproveitamento melhor de itens Míticos. Naturalmente, já era de se esperar que muitos novos elementos seguidos introduzissem novos problemas, mas, ao que tudo indica, pelo menos dessa vez não precisamos esperar a temporada acabar para recebermos a solução.

Após 15 dias jogando o novo conteúdo, contamos como foi a experiência de cruzar os portões do Pandemônio nesta nova jornada por Santuário.

Ficha Técnica

• Jogo: Diablo IV: Lord of Hatred — Temporada 14, O Despertar da Morte

• Desenvolvedora: Blizzard

• Lançamento: 30 de junho de 2026

• Onde jogar: PS5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de teste: PS5

• Preço: Conteúdo de atualização gratuito + itens cosméticos (a partir de R$ 130,00 — 2.800 Platinas)

O conteúdo do passe de temporada foi cedido pela Blizzard.

Temporada 14 puxa pela nostalgia, mas se limita a um grande “vem aí”

Diablo é uma franquia que vive da nostalgia, sempre fazendo homenagens e referências, com o próprio Açougueiro, um dos primeiros chefes de Diablo I (1996) sendo um dos inimigos mais icônicos da franquia, mais até que os próprios Males Primordiais, Diablo, Mephisto e Baal. Justamente para não criar expectativas com esses tipos de homenagens e referências, eu evito acompanhar discussões e atualizações do Reino de Teste Público (PTR), mas fatalmente uma coisa ou outra escapa desse filtro pessoal.

Além de ser a última expansão do jogo anterior, Reaper of Souls forjou praticamente o conteúdo endgame do jogo como o conhecemos hoje. As Rupturas, presentes tanto em Diablo IV quanto em Diablo Immortal, e o Modo de Aventura, apresentado em Lord of Hatred na roupagem dos Planos de Guerra, surgiram lá. Não por menos, ver que a temática da Temporada 14, O Despertar da Morte, seria inspirada no capítulo final de Diablo III, despertou um “quentinho” que eu não sentia há muito tempo.

O problema é que as referências se limitaram a diálogos com curiosidades sobre os Ceifadores e alguns poucos elementos de gameplay, em sua maioria aproveitando assets já conhecidos de Diablo IV, apenas com outra cara. Embora a direção de arte consiga resgatar aquele tom esverdeado e fúnebre característico da expansão de 2014, a ambientação traz pouca novidade expressiva para além de algumas falas misteriosas.

A mecânica principal gira em torno de invasões de inimigos por fendas dimensionais em atividades como Masmorras, Rupturas e Marés Infernais, uma repaginada de leve nos Realmwalkers, e um novo chefe. Maltheal sequer é mencionado, e as missões de temporadas envolvem apenas uma longa e repetitiva caçada por hordas de inimigos, uma luta contra um Ceifador que não assusta ninguém (mesmo no Suplício XII) e tudo acaba de forma relativamente abrupta e sem muita cerimônia.

A boa notícia é que geralmente temporadas com esse perfil servem como escada para updates mais ambiciosos no futuro, como ocorreu com as temporadas 6 e 7, que culminaram no Retorno de Belial. A má notícia é que provavelmente não devemos encontrar Maltheal antes do final de 2026, mas com um pouco de sorte a Blizzard deve mostrar algo sobre essa jornada durante a Blizzcon em setembro, quando já estaremos perto da metade da Temporada 15.

Novas mecânicas, com novos velhos problemas

Quem jogou Lord of Hatred no lançamento deve ter notado que os itens Míticos (roxos) se tornaram bem menos raros que em temporadas anteriores, mas proporcionalmente menos úteis. A maioria deles servia apenas como substituições temporárias de equipamentos únicos (dourados) e lendários (laranjas) com afixos superiores específicos para builds do meta de cada classe, e ainda assim com muitas ressalvas.

Com a intenção de torná-los mais úteis, a Blizzard optou por promovê-los a uma categoria superior de itens únicos, com afixos menos aleatórios e maximizados. Em teoria, a mudança resolveria dois problemas, sendo o primeiro a questão de os jogadores esnobarem os itens míticos por não conseguirem encaixá-los nas melhores builds. O segundo, e mais problemático na minha opinião, era o dos itens únicos rolarem afixos tão aleatórios que sequer faziam sentido, como um anel com bônus únicos para granadas (Renegada), mas que dava pontos em habilidades para armadilhas, por exemplo.

A proposta de uma versão menos aleatorizada desses equipamentos seria extremamente interessante se os meios de obtê-los estivessem funcionando como esperado no lançamento do patch 3.1. Na tentativa de compensar o excesso de drops roxos do patch anterior, a primeira versão de LoH veio com drops extremamente baixos.

Para fins de comparação, na temporada 13, ainda no Suplício X, era relativamente fácil termos abas inteiras do baú apenas com itens roxos, enquanto no novo patch, já no Suplício XII e com praticamente todos os objetivos de temporada completos, ter encontrado — com sorte — um ou dois míticos minimamente úteis.

Para piorar, os materiais necessários para criar itens míticos pela nova receita do Cubo Horádrico se limitavam a drops do novo chefe, que mesmo não sendo tão difícil, não dispõe de uma lista de drops atrativa o suficiente para justificar gastar Chaves Superiores nele, e não em Belial.

Não ficou claro se os devs de fato identificaram isso como um problema, ou se apenas acolheram os pedidos da comunidade, mas já no patch 3.1.1, de 14/07, a questão foi amenizada, não sendo necessário esperar 2 meses para testarmos propriamente a nova categoria de itens. Vale mencionar que os itens clássicos, como a armadura O Poder de Tyrael, ainda existem, seguem intocados, mas não são mais a única escala de poder mítica, abrindo possibilidades para builds mais consistentes.

Problemas dos Planos de Guerra

A maior e mais bem-vinda mudança de gameplay veio nas atualizações dos Planos de Guerra, uma das novidades mais interessantes da expansão Lord of Hatred. O sistema é uma versão turbinada do clássico Modo Aventura de Diablo III, pensado para incentivar os jogadores a explorarem diferentes conteúdos do jogo. Justamente por isso, a mecânica acabou sendo igualmente frustrante da forma como chegou na temporada 13.

Sem uma escala eficaz de recompensas, originalmente a mecânica aproveitava apenas parcialmente atividades interessantes, como as Marés e Hordas Infernais, ou mesmo das novas Masmorras Recrudescentes (Escalating Nightmare Dungeons). Isso induzia muitas vezes os jogadores a rolar por novos planos até encontrar um que colocasse Masmorras ou Marés Infernais em sequência para maximizar as recompensas e compensar abrir as novas Chaves de Masmorras Recrudescentes (construídas no Cubo Horádrico).

Além disso, cada etapa do Plano de Guerra recompensava os mesmos pontos de experiência (de atividade, não de personagem), independentemente do tempo necessário para completar cada uma delas. Isso fazia, por exemplo, com que as Hordas Infernais se tornassem um pedágio desnecessário para jogadores que buscam completar os objetivos de temporada.

Ajustes da Temporada 14

No novo formato, os Planos de Guerra passaram a recompensar a experiência dessas atividades proporcionalmente ao tempo investido, facilitando a progressão em árvores que antes exigiam um grind excessivo. Duas das atualizações que realmente fizeram diferença foram as missões de Marés Infernais passarem a se basear na quantidade de Cinzas Aberrantes gastas e a inclusão de séries completas de Masmorras Recrudescentes como objetivos dos Planos de Guerra.

Outra mudança muito bem-vinda foi o ajuste de pontos de vida de Astaroth, chefe final das sequências de masmorras. A luta em si nunca foi um desafio necessariamente complexo, com mecânicas bem mais simples que as lutas contra os ecos de Lilith e Mephisto, por exemplo. O problema é que os muitos pontos de vida (muitos MESMO!) faziam com que fosse mais interessante simplesmente ignorar a última etapa das masmorras. Na Temporada 14, Astaroth continua sendo um chefe desafiador, mas não o suficiente para tornar a luta um suplício (😬).

Cosméticos sem brilho e crossovers salgados

Mais uma vez, os itens cosméticos do passe de temporada seguem sem empolgar e tampouco justificar o desbloqueio dos Relicários. Salvo por algumas armas ou o modelo do Town Portal, as armaduras e demais itens cosméticos da Temporada 14 são bem pouco interessantes e praticamente não dialogam com a própria temática dos Ceifadores.

Na collab com Overwatch, por sua vez, a situação muda de figura, trazendo skins bem divertidas, em especial as de Genji, (Renegada), Reaper (Necromante) e Moira (Natispirito/Bruxo). O único problema continua sendo o preço de 5.700 Platinas, padrão para desbloquear bundles completos como o desse crossover, valor bem salgado para o jogador brasileiro.

Vale a pena?

A resposta curta é sim, vale. Além dos ajustes e refinamentos dos novos sistemas de endgame, O Despertar da Morte dá um vislumbre dos próximos conteúdos que nos aguardam em Santuário.

Contudo, é importante ir com as expectativas alinhadas, pois em termos de conexão com Reaper of Souls, as missões de temporada são menos uma referência, e mais uma homenagem distante como justificativa para reciclar elementos já conhecidos, mas pouco explorados de Diablo IV. Lembre-se de que estamos falando de um conteúdo adicional gratuito e não de uma nova expansão completa. Considerando que essa é a primeira temporada após a nova DLC, isso não surpreende, mas pode frustrar quem se empolgou ao ver as artes com a temática dos Ceifadores.

Os ajustes de balanceamento, a rápida correção do drop de míticos e o bom retrabalho nos Planos de Guerra tornam a jornada de gameplay muito mais fluida e prazerosa do que na temporada passada. Contudo, se você esperava uma grande continuação narrativa ou um tributo profundo a Reaper of Souls, as missões de temporada podem frustrar por parecerem apenas uma justificativa apressada para reciclar inimigos e cenários, enquanto os roteiristas trabalham na temporada pós-Blizzcon 2026.

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O desejo dos devs é que você entre nele logo de cara. Desde a sua primeira corrida, que não demora a acontecer, você já é capaz de realizar manobras. Em pouco tempo, já está fazendo coisas mais do que extraordinárias.

A simplicidade em seu visual e o excesso de informações na tela ajudam nessa dinâmica em que se exige ações rápidas e reflexos afiados. O jogo ainda consegue incorporar uma estética urbana em cada um dos seus detalhes: nos personagens, nos cenários, na trilha sonora e até em sua interface, em uma experiência que certamente vai marcar o ano de 2026 no mercado de jogos indies.

Ficha Técnica

• Jogo: Denshattack!

• Desenvolvedora: Undercoders

• Distribuidora: Fireshine Games e Boltray Games

• Lançamento: 15/07/2026

• Onde jogar: PC (Steam), Nintendo Switch 2, PS5 e Xbox X|S

• Plataforma de teste: PC

• Preço: A partir de R$ 59,99

Confira a análise realizada no PC com uma chave cedida pela própria desenvolvedora.

Não saia dos trilhos

Um grande desastre natural afligiu o Japão. A situação era desesperadora e o futuro de todos, incerto. Mas eis que uma empresa chamada Miraido se propõe a colocar o país de volta nos trilhos.

Em alguns anos, ela construiu pequenas cidades protegidas por domos e as conectou através das antigas linhas ferroviárias que ela mesma revitalizou. A civilização estava a salvo, eles só tinham que permanecer naqueles refúgios.

Mas não é a história desses que vivem sob os domos que iremos acompanhar, mas sim a de quem permaneceu diretamente sob o céu. Principalmente aqueles vândalos chamados de Denshattackers.

Emi Araki, a protagonista do game, é uma dessas pessoas que vivem do lado de fora. Ela gerência um pequeno restaurante de lámem e realiza as próprias entregas. Em mais um dia comum de trabalho, acaba sendo avistada por Fernando Tamashiro, um apaixonado por Denshattacks e que logo vê potencial nela.

É ele quem lhe conta sobre os Denshattackers. O nome dado aos pilotos dos trens que percorrem as vias alternativas. Como Emi não consegue deixar de ser uma pessoa curiosa, logo a dupla dinâmica parte em busca dos membros da gangue mais próxima.

Partimos então do litoral ao interior do continente. Atravessamos estações ferroviárias, centros urbanos, regiões submersas, pontos turísticos, escombros de antigas cidades, tanques de piscicultura e até acidentes geográficos - como um vulcão ativo.

As fases são divididas em territórios. A divisão é baseada em regiões do Japão, utilizando os nomes reais das prefeituras e dos municípios. Exploramos cada uma em seu respectivo capítulo.

É até difícil tentar traçar paralelos com outros jogos, já que Denshattack não se limita a duas ou três referências. A base da jogabilidade é a de um jogo de corrida. Só que não aceleramos manualmente o nosso veículo, só damos a partida. O que nos dá velocidade são as manobras que realizamos.

Essa estranha combinação de movimentos de skate e de parkour é o que alimenta o sistema de combos. Inicialmente, podemos trocar de trilho, frear para realizar as curvas, nos equilibrar quando for deslizar por paredes ou por corrimãos, saltar para desviar ou realizar flips, empinar e, quando necessário, atirar-se para baixo. E apitar, que é a única coisa que os trens de fato fazem.

Com o tempo, outras habilidades irão surgir e cabe a você aprender a administrar tudo isso. O desafio é ter a destreza para antecipar problemas e descobrir soluções. E esse aprendizado vem de muita tentativa e erro.

O gameplay é bastante intuitivo porque o caminho é muito claro. Quando se erra, sabe-se exatamente o que errou. Para se ter uma ideia, é possível seguir o caminho mesmo quando há poucos indícios, como se estivesse dirigindo no escuro.

Os cenários das partidas são enormes e mirabolantes. Às vezes ele apresenta várias opções de navegação. É preciso escolher um caminho e entender o que se faz necessário para dar prosseguimento nele.

Há fases em que se deve alcançar objetivos específicos o mais rápido possível. E outras, em que se deve terminar uma corrida entre os três primeiros colocados. Também há aqueles em que é preciso fazer um valor mínimo de pontuação.

Inclusive, ter precaução de mais é uma desvantagem. O jogo te incentiva a se arriscar. Os saltos e as quedas livres são uma oportunidade para realizar manobras e acumular pontos. O tempo gasto para finalizar a fase é o que mais conta na hora de calcular a sua pontuação.

Por fim, outro fator interessante é como o jogo incentiva o retorno às fases iniciais. Por algum tempo, me questionei o porquê de tantos trechos com 2 ou mais trilhos paralelos. Eu não precisava me deslocar entre eles para evitar algum obstáculo. A resposta veio mais adiante, com uma nova habilidade. A cidade é realmente o nosso playground.

Velocidade e estilo

O jogo traz de volta convenções visuais e mecânicas típicas de jogos dos anos 2000. Ele é mais um daqueles que não vê problema em compartilhar a tela com efeitos sonoros, onomatopeias, linhas de ação, temporizador, pontuação e até placas de sinalização, entre outras marcações. De modo geral, ele mistura figuras humanas em 2D com cenários em 3D.

O jogo usa a técnica do cel-shading, bastante conhecida por produzir um visual cartunesco para o 3D. A gradação entre a iluminação e a sombra é discreta, o que elimina quase todo o sombreamento.

Por isso os cenários costumam ter texturas mais limpa. Nem sempre o contorno da volumetria fica evidente e o uso de cores sólidas gera um resultado ainda mais homogêneo. É preciso habilidade para não deixar as coisas confusas.

O céu possui aquele azul bem intenso e irrealista, isso quando ele não é laranja ou roxo. Já a estética noturna aproveita bem a intensidade das luzes. As nuvens e o mar são delineados por retículas.

Os diálogos são dispostos como é tradicionalmente feito em visual novels, caixas de texto e imagens estáticas. Mas os personagens principais também possuem modelos 3D que aparecem em algumas cutscenes - em uma versão miniaturizada, vale lembrar que nem os trens estão em escala real.

O design dos personagens é daqueles que se reconhecem só pela silhueta. As gangues são formadas por figuras alternativas, algumas são bem tradicionais da ficção japonesa. Vemos gyarus, sukebans, yankees, policiais e até membros da yakuza.

Essas ilustrações possuem o mesmo uso apurado de cores que os cenários. As telas de carregamento, por exemplo, se destacam pelo contraste entre amarelo e preto, sem tons intermediários. Enquanto as revistas, trazem desenhos com diferentes estilos para cada gangue retratada.

Apesar do foco do seu campo de visão serem os trilhos amarelos, você nunca perde o horizonte de vista. Mesmo durante as voltas vertiginosas que você realiza. É o cenário que se move em sua direção, não o contrário. E o seu olhar sempre está de acordo com o movimento da câmera.

O que você costuma observar do seu trem são a lateral direita dele e o teto - não é à toa que ambos são o foco dos itens cosméticos. Mas ela te acompanha quando você está deslizando por uma superfície lateral. E se afasta quando é preciso expandir o seu campo de visão, ou mudar para um side-scrolling. É bem dinâmico.

Há uma distorção de imagem chamada anáglifo nas bordas da tela. A técnica consiste em duas camadas de cores complementares sobrepostas e ligeiramente deslocadas. É como as imagens feitas para aqueles famosos óculos 3D. É um efeito bonito e que causa um desfoque de movimento.

Por fim, a trilha sonora combina perfeitamente com toda essa excentricidade e a agilidade. São cerca de 80 faixas, feitas com a colaboração de vários compositores. É saboroso ouvi-las durante o gameplay. De forma alguma elas nos distraem do jogo.

Esse é o resgate mais interessante das antigas convenções dos jogos. O impacto dramático de quando a música entra em cena não é limitada a cutscenes. Quase todos os needle drops ocorrem durante a partida. É difícil não se arrepiar ao escutar Takenobu Mitsuyoshi durante uma corrida.

Faça o impossível, impeça o inevitável

Inicialmente, Emi estava mais em busca de aventuras do que em querer salvar o Japão das garras da Miraido. Nem Fernando achou que as coisas iriam escalonar tão rapidamente.

Uma hora ele estava pedindo um delivery de lámem e na outra estava a bordo de um trem em cima de uma roda gigante. É engraçado como esse ritmo acelerado dos Denshattackers virou uma arma contra controle excessivo desta empresa. O enredo é bem despretensioso, foca bastante na comédia e abusa do absurdo. E vale ressaltar que não há limites para este último. O jogo está sempre dobrando a aposta com você.

E por isso é curioso como desigualdade social é abordada de forma bastante direta e explícita no jogo, ou talvez, eu que não esperava por isso. Apesar de ser um universo exagerado, ele explora essas questões de forma mais próxima da nossa realidade.

Pobreza, gentrificação, crise climática, imigração e uma empresa se aproveitando de um desastre natural para gerir negócios. Essas são alguns dos temas que tocam o passado e o presente de alguns personagens. Porém, isto é explorado mais nas fanzines escritas por Fernando.

Esses arquivos em texto precisam ser coletados durante a jogatina para se ter a revista completa. Algumas coisas também aparecem nas conversas nas fontes termais, que só acontecem quando você encontra a saída alternativa de fases específicas.

Apesar de entender que existe uma hierarquia entre o enredo principal, que é vivenciado durante as fases, e essas missões paralelas, que não são obrigatórios, vejo como algo da narrativa, não como secundário.

Faz parte acompanhar as publicações de Fernando. Elas têm destaque no mapa e entre os personagens. Só que, se você não prestar atenção nelas, vai perder essa camada.

A outra temática abordada, mas que desta vez não se limita aos arquivos em texto, sintetiza o zeitgeist da atualidade: o avanço da tecnologia. A própria indústria anda bastante reflexiva sobre o envolvimento desse avanço dentro da indústria de entretenimento.

Vemos isso mesmo entre os blockbusters, como em O Diabo Veste Prada 2. Denshattack não fez diferente. A briga contra a Miraido parece também envolver um desejo em contornar a lógica de que só os algoritmos são capazes de preencher os anseios das pessoas.

Miraido quer substituir os antigos trilhos por vias de trens autônomos — esse é o seu grande projeto de revitalização. Regiões inteiras estão abandonadas e desvalorizadas, pois é a Miraido quem decide o que vale ou não a pena ser revitalizado.

E a única forma de se manter relevante após a grande crise é se uma cidade-domo for construída naquele local. Essa “especulação imobiliária” também acaba isolando tudo e a todos que ficam às margens dos domos. Assim, outros cidadãos passaram a ser vistos como forasteiros em seu próprio país.

Por isso, o contraponto vem dos Denshattackers. São eles que lidam com o mundo fora dos domos. Alguns realmente vieram da periferia, outros só não seguem o padrão comportamental desejável.

Essa comunidade de fanáticos por trens também marca o que a palavra revitalização realmente significa. Revitalizar é para aqueles que já usam o local e não para futuros moradores.

A personalidade das suas máquinas não se resume aos adesivos ou à pintura. Mesmo que isso não impacte tanto no gameplay em si, é interessante perceber todo o cuidado em diferenciar textualmente um trem de carga de um de passagem, por exemplo.

Ou saber que o trem de um dos personagens fazia parte de uma linha exclusiva para aeroportos antes de ser reutilizado. É pela revista que acompanhamos como eles realizam um trabalho artesanal, humano e coletivo.

Fernando também destaca a cultura local em suas edições Denshattackers. Pratos, tradições, dicas de passeios e o que movimenta o comércio local. Já a Miraido, tem uma postura oposta. Chegou a bloquear o acesso aos cervos que circulam pelo parque de Nara, um tradicional ponto turístico da região.

É por isso que no final, Emi percebe que mais vale desafiar a Miraido do que pilotar o seu Vactrem. Para a empresa, os Denshattacks não passam de ferramentas, assim como as pessoas.

A sua narrativa acaba sendo não só divertida, como competente ao abordar os seus temas. E é emblemático ele permitir o jogador errar, enquanto a indústria parece considerar viável a implementação de um auto-play para evitar a nossa frustração.

Denshattack! vale a pena?

Se você gosta de muita ação com toques de uma história engajante, Denshattack com certeza vale a pena. Ele é um jogo desafiador, mas que sabe balancear muito bem isso. Todas as suas rotas são perigosas e é por isso que vale a pena percorrê-las. Além disso, é divertido re-jogar as fases para aumentar a sua pontuação ou realizar as sidequests.

Ainda há mais uma vantagem. O jogo está traduzido para o português brasileiro. O bom humor do original foi muito bem localizado. É um excelente trabalho de John Silva e da Dragonbaby.

Mas vale lembrar que ele é um jogo pesado e não roda em qualquer computador. A exigência mínima é de 12 GB de memória RAM. Para quem possui uma máquina que aguenta isso, Denshattack certamente vai te divertir.

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Para fazer essa review, eu comecei a jogar em uma semana especialmente estressante, cercada de preocupações e enfrentando um inverno daqueles que fazem qualquer cobertor parecer pequeno. Sem perceber, a rotina de ajudar ursinhos fantasmas acabou se tornando justamente o momento do meu dia em que eu conseguia desligar a mente e simplesmente relaxar.

Desenvolvido pela Spry Fox, Cozy Grove: Camp Spirit é a sequência do simulador de vida lançado em 2021 e chega agora ao Nintendo Switch 2, Xbox, PlayStation e PC, após passar um período como exclusivo da Netflix Games para dispositivos móveis. Nesta review, conto como foi minha experiência durante a primeira semana de jogo e por que ele conquistou um espaço tão confortável na minha rotina.

Ficha Técnica

• Jogo: Cozy Grove: Camp Spirit

• Desenvolvedora: Spry Fox

• Lançamento: 15/07/2026

• Onde jogar: Nintendo Switch 2, PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series S/X.

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 79,99, com desconto de 10% no lançamento e demo grátis na Steam.

Uma cópia de Cozy Grove Camp Spirit foi cedida pela desenvolvedora Spry Fox para a realização da review.

Cozy Grove entende que nem todo mundo quer passar horas jogando

Em Cozy Grove Camp Spirit, você assume o papel de um Escotista Espiritual que acaba separado de seus colegas após um acidente e desperta em uma ilha habitada por simpáticos ursos fantasmas. A missão é ajudá-los a encontrar paz ao revisitar suas memórias enquanto expande o próprio acampamento coletando recursos, fabricando objetos, preparando receitas e desbloqueando novas áreas da ilha.

A estrutura do jogo gira em torno de pequenas tarefas diárias, que rendem lenha espiritual para alimentar Chaminha, uma fogueira viva que lembra bastante o Calcifer de O Castelo Animado. Além de liberar novas partes do mapa, ele funciona como inventário, cozinha e até um guia que ajuda quando você fica sem saber exatamente qual deve ser seu próximo objetivo.

O aspecto que mais me surpreendeu foi justamente aquele que, num primeiro momento, quase me afastou do jogo. Cozy Grove possui progresso diário sincronizado com o relógio do mundo real e, depois de aproximadamente uma ou duas horas cumprindo as missões daquele dia, praticamente tudo o que resta é esperar o amanhecer seguinte.

Minha primeira reação foi de frustração porque queria passar horas explorando a ilha sem interrupções. Depois de alguns dias, no entanto, percebi que a proposta nunca foi criar uma maratona, mas transformar Cozy Grove em um pequeno ritual diário que acompanha sua rotina sem exigir dedicação constante.

Essa mudança de perspectiva fez toda diferença na minha experiência. Em vez de sentir que o jogo estava limitando meu progresso, comecei a enxergar esse sistema como um incentivo para voltar todos os dias enquanto ainda encontrava tempo para jogar outros títulos — e quem quiser permanecer na ilha ainda pode pescar, cavar, coletar recursos e explorar praticamente sem limite.

Essa abordagem traz um tempero diferente para o jogo em comparação a outros cozy games, como Animal Crossing e Stardew Valley. Mesmo com similaridades a outros jogos do tipo, Cozy Grove consegue brilhar e se destacar na hora de pisar no freio ao invés do acelerador.

Uma história sobre morte que consegue ser incrivelmente acolhedora

Pode parecer estranho dizer que Cozy Grove é um jogo confortável quando toda sua narrativa gira em torno de espíritos presos entre memórias e arrependimentos. Na prática, porém, a forma como esses temas são apresentados transforma a melancolia em algo acolhedor, delicado e até reconfortante.

Cada urso fantasma compartilha fragmentos de sua vida, seus conflitos e suas lembranças aos poucos, fazendo com que você construa uma relação genuína com aqueles personagens. O resultado é uma narrativa que fala sobre perda, saudade e superação sem nunca abandonar o bom humor e a leveza que definem toda a experiência.

A direção de arte também exerce um papel enorme nesse equilíbrio emocional. O visual em aquarela, as animações delicadas e o clima cartunesco me lembraram constantemente os filmes do Studio Ghibli, que conseguem abordar conflitos profundos sem abrir mão daquela sensação de conforto difícil de explicar.

Trilha sonora transforma a ilha em um refúgio

Mesmo sem contar com dublagem, Cozy Grove constrói sua personalidade por meio da música e dos efeitos sonoros. A trilha transmite perfeitamente a sensação de estar passando uma tarde tranquila em um acampamento e facilmente poderia entrar na minha playlist para trabalhar ou relaxar fora do jogo.

Os diálogos acontecem através de caixas de texto com escolhas simples de resposta, algo que combina perfeitamente com a proposta contemplativa da aventura. O modo multijogador assíncrono também reforça essa ideia ao permitir enviar cartas e presentes para amigos sem exigir partidas em tempo real, preservando o ritmo calmo da experiência.

O port para o Switch 2, plataforma onde testamos o game, também está perfeito. Além de ficar muito bonito na TV, o jogo roda de maneira excepcional no modo portátil, com uma interface bem amigável para a tela menor, funcionando com uma boa companhia para qualquer momento.

Algumas missões poderiam explicar melhor o que fazer

Apesar da proposta relaxante funcionar muito bem, Cozy Grove ainda tropeça em alguns momentos na comunicação com o jogador. Algumas missões simplesmente não deixam claro quais passos precisam ser seguidos, fazendo tarefas simples parecerem muito mais complicadas do que realmente são.

Meu maior exemplo foi quando precisei preparar um chai e simplesmente não fazia ideia de onde encontrar os ingredientes necessários ou mesmo como desbloquear a receita corretamente. Só consegui avançar pesquisando na comunidade do jogo e descobri que a solução era muito mais simples do que parecia, algo que poderia ser explicado pela própria interface.

Os itens contam com descrições contextualizadas e existe um cuidado em construir o universo por meio desses pequenos textos. Ainda assim, senti falta de orientações mais objetivas em determinadas situações, já que em alguns momentos cheguei a pensar que o jogo estivesse apresentando algum bug quando, na verdade, eu apenas não havia entendido a lógica da missão.

A parte boa é que o jogo chega totalmente em português brasileiro e, além disso, conta com um amplo catálogo de conteúdos feitos pela comunidade online, cortesia do lançamento na Netflix no passado. Com isso, mesmo que você esteja chegando só agora no game, com certeza poderá contar com a ajuda de “gamers espirituais” que já aproveitaram o game no Android e iOS, deixando dicas e auxílios pela internet.

Vale a pena jogar Cozy Grove: Camp Spirit?

Cozy Grove: Camp Spirit não tenta prender o jogador durante dezenas de horas consecutivas, e talvez essa seja justamente sua maior qualidade. Ele entende que descansar também faz parte da experiência de jogar e constrói um espaço confortável para quem quer desacelerar um pouco sem abrir mão de um bom sistema de progressão.

O preço faz sentido pelo conteúdo oferecido, principalmente considerando que se trata de uma experiência pensada para ser aproveitada ao longo de semanas ou até meses. Ainda assim, quem já assina a Netflix pode experimentar a versão mobile sem custo adicional, tornando essa uma excelente forma de conhecer o jogo antes de investir na versão para consoles.

Se você gosta de Animal Crossing, Stardew Valley e outros simuladores de vida focados em rotina, Cozy Grove Camp Spirit entrega exatamente o que promete, mas com uma identidade muito própria. Já quem procura sessões longas de gameplay ou uma progressão acelerada talvez estranhe seu ritmo — embora eu tenha descoberto que, às vezes, desacelerar era exatamente o que eu precisava.

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Nele vemos o já tradicional ciclo de gameplay de um roguelike. Partidas rápidas e foco na pontuação. O objetivo é continuar enquanto tenta manter a sorte ao seu lado. A temática de dados não é uma novidade neste meio. Mas ao invés de ser premiado, ou evitar a sua morte, você faz isso para pagar faturas.

O seu visual carismático e ritmo alucinante são um deleite para aqueles com espírito competitivo. A sua dificuldade é similar aos jogos arcade, como é de costume ao gênero. Esse é o seu ponto forte, mas também o seu vício. Confira a análise realizada no PC com uma chave cedida pela própria 2 Left Thumbs.

Ficha Técnica

• Jogo: Dice A Million

• Desenvolvedor: countlessnight

• Distribuidora: 2 Left Thumbs

• Lançamento: 25/02/2026

• Onde jogar: Steam, Xbox PC Game Pass e itchio

• Plataforma de teste: PC (Xbox PC Game Pass)

• Preço: A partir de R$19,95 (incluso no Xbox Game Pass)

Como arrumar e desarrumar a sua coleção

Sem saber onde, como ou o porquê, estamos presos a um ciclo sem fim para evitar a inadimplência. Uma voz que vem do telefone nos diz que é preciso se arriscar nos dados para obter a liberdade. Quem sabe se não descobrimos algo se vencermos o jogo? Assim começa Dice A Million.

Como esperado, enfrentamos uma sequência de turnos em que devemos alcançar uma pontuação. Cinco desafios e então um chefe. Se sobrevivermos, passaremos para o próximo nível e a mesma sequência se repete, com valores mais altos.

Depois de cada partida, o jogador tem o direito de escolher um item entre três opções e então acessar a loja. As melhorias não são permanentes, se você perder, recomeça sem nada. Há uma grande variedade de itens para ser desbloqueado. Isso inclui as opções de Mãos.

A quantidade de dados a serem lançados e o número de rolagens depende de qual você escolheu. Elas também determinam o número de anéis que você pode usar. A cada rolagem, escolhemos quais dados vamos utilizar, mas nem todos os que você possui estão disponíveis de uma vez.

Há dados com 2, com 6, com 11, com 20 ou mais lados. Alguns possuem alguma habilidade, como o de multiplicar o resultado final ou de se dividir em pequenos pedaços. Enquanto outros têm desvantagens, como o de ser destruído caso caia em seu maior lado. Há também aqueles que são encantados ou amaldiçoados.

Os anéis costumam dar uma mãozinha para eles. Já os selos multiplicam o seu valor de acordo com o lado que saiu. Se você tem um selo para 2 e outro para 6, os dados que saírem com esses lados, entram nesta conta.

Já as cartas causam algum efeito imediato na partida, como trocar os dados daquela rolagem, escolher qual a face do dado que vai sair ou duplicar a habilidade dos seus anéis. Você não é capaz de prever o que vai receber, mas o que aparece entre as opções, costuma a combinar com o que você já escolheu.

Há muito de tentativa e erro envolvida nesse jogo. Você deve descobrir que dados combinar com a sua mão. Qualquer alteração afeta o seu jogo. O ganho de experiência vem daí. Uma hora você percebe essa dinâmica de cultivar um ecossistema - o que o desenvolvedor chama de sinergia.

Faz sentido colocar um dado que atrai os demais para perto, quando há junto algum que possui efeito de área. Mas quando você tira os dados comuns da sua bolsa para aumentar a chance dos incomuns aparecerem nas batalhas, você diminui a sua chance de ganhar no Role os Dados.

Já muitos dados na sua sacola, diminuem as chances dos seus dados favoritos reaparecerem em futuras rolagens. Se a sua mão só conseguir lançar 3 dados por vez, é melhor investir nos anéis do que neles. Mas se você se arrepender do que juntou, não há tempo hábil, nem dinheiro disponível para mudar tudo por completo.

Tudo tem as suas vantagens e desvantagens. Alguns itens vão ajudar mais a longo prazo do que nas fases iniciais. Fica mais difícil adquirir as cartas e os selos. O valor deles na loja vão ficando mais caros a cada level. É importante conseguir mais do que só os pontos o suficiente para passar. Você deve acumular o máximo possível para assim adquirir recursos.

Ainda é preciso ter cuidado com os chefes. Eles podem transformar aquilo que é o seu maior potencial, em seu ponto fraco. É importante pensar em como lidar com eles desde o início, por isso temos livre acesso a sua descrição.

São tantas variáveis que às vezes é até difícil de prever o resultado. É um pouco mágico olhar como os valores se multiplicam e somam. Mas é desconcertante quando erramos e eles subtraem e dividem os nossos pontos. Tudo em nossas jogadas é automatizado.

Um visual POP!

Toda a sua estética é charmosa. O estilo cartunesco com um contorno externo de linha mais grossa lembra um desenho feito no paint. Boa parte é um desenho flat, com um leve sombreado, mas há alguns poucos detalhes que possuem perspectiva, como o botão para rolar.

Gosto da organização e da simplicidade do layout das partidas. Na parte central, temos uma “bandeja” para os dados. Todo o resto está distribuído em torno dela: os seus itens, o desafio daquela rodada e a sua pontuação atual. Temos uma combinação entre uma visão frontal e uma lateral. Dessa forma, tudo fica muito intuitivo.

Também dá para ver muita criatividade nos dados. Eles variam entre coisas com alguma referência no mundo real e itens que parecem típicos de um vídeo game. São formas geométricas simples. Uns são pontudos, outros curvilíneos.

A música eletrônica em loop parece acompanhar o gameplay. São três faixas diferentes, mas que de tão similares parecem ser a mesma música “desacelerando” a cada nível. Elas ainda tornam-se mais “abafadas” quando estamos na loja. Em nenhum momento fica enjoativo.

Os efeitos sonoros também estão em sintonia. Às vezes é tudo tão rápido que são eles que te ajudam a entender melhor se você ganhou ou perdeu pontos. Os números astronomicamente grandes também são alguns dos elementos pulsam na tela.

Ver os seus dados se espremendo para não sair da tela, ou até mesmo escapando das bordas, é prazeroso. As cores vibrantes e saturadas ganham ainda mais destaque quando presenciamos o efeito de área de vários dados simultaneamente.

Ainda pode acontecer aquela desaceleração de quando há muita informação em tela. Faz você imaginar a proporção do valor que você conseguiu alcançar, mesmo que isso porventura seja mais uma questão técnica do que estética, ou seja, algo relacionado com a capacidade do jogo.

E tudo brinca com o hábito de colecionar coisas. Vemos bolinhas de gude, tampinhas de garrafa, cartas, selos, anéis, moedas, entre outros adereços. Nós ainda buscamos e organizamos esses nossos itens e ocasionalmente podemos trocá-los com um outro personagem - que é tão misterioso quanto o que controlamos.

Todas as suas vitórias e derrotas se tornam estatísticas organizadas em um catálogo de informações. Por isso é curioso pensar na forma que ele expõe os números na bandeja. Pensar em números também é pensar em uma coleção, no caso, de unidades.

De novo, de novo e de novo…

Devo admitir que acompanhei o crescimento recente dos roguelikes de maneira bastante despretensiosa. Não sou uma pessoa eficiente na hora de desenvolver estratégias de longo prazo. Mas o que me seduz nesse tipo de jogo é a sensação de controle. E o que me afasta, é essa inerente repetição exaustiva.

Como de costume, o começo é uma lua de mel. Dados, anéis, selos, cartas, chefes e até algumas mãos são desbloqueados rapidamente. Você ainda nem sabe o que precisou cumprir para obter tudo aquilo. E vai testando cada coisa mais pela curiosidade do que por conta de alguma estratégia. A sensação é de avanço rápido. Você está aprendendo e melhorando.

Essa velocidade te empolga. Por conta da adrenalina, é moroso re-jogar os primeiros níveis. Eles são onde você menos pode arriscar, pois é muito fácil perder. Por isso as jogadas são sempre as mesmas. A falta de sorte acaba sendo um freio, mas ainda não é de todo mal. Logo a sua habilidade alcança um platô. Encontrar mais a tela de game over do que você gostaria faz parte da proposta.

O problema de fato é tentar ganhar. Você passa por uma sucessão de derrotas e não é capaz de recusar mais uma tentativa. Se não naquela rodada, na próxima você ganha. Mas decisões ruins matam as suas chances. É desesperador tentar se recompor. A sensação é similar a de um apostador contumaz.

É um paralelo inexato, mas adequado. O próprio desenvolvedor comentou ter se inspirado em casas de jogos de azar. Obviamente, o jogo é bem mais seguro do que um cassino ou uma máquina de caça-níquel. No máximo, o que vou gastar é o meu tempo, e ainda assim, isso não chega nem perto do dano que jogos como Looney Tunes: Mundo Insano causavam aos seus jogadores. Esse não é o meu ponto.

Não me entenda mal, os loops acontecem porque você perdeu, não é algo injusto. Mas as vezes eu me sentia mais na torcida do que em campo. A sua habilidade em organizar, selecionar e combinar bem os seus itens não sobrevive a sua má sorte. Mesmo que eu consiga fazer uma pontuação de 600k nas partidas daquela fase, pode acontecer de os dados que preciso não chegarem quando enfrento um chefe.

Isso é uma das consequências da minha falta de organização, afinal a quantidade de dados na bolsa também é uma decisão minha. Mas uma parte disso também é consequência de todo esse entrelaçamento entre os itens. Logo se percebe a armadilha que isso cria. Essa sensação de falta de agência entre as minhas escolhas e o rolar dos dados impacta negativamente quando o resultado é péssimo.

Isso faz parte da proposta de dificuldade e admiro essa falta de previsibilidade. Ela permite um pouco de abertura ao acaso, mas ainda impede um comportamento mais ousado. Isso te obriga a só focar na multiplicação. Os jogadores escolhem e rejeitam mais ou menos os mesmos dados. Queria uma mediação maior entre a prática cega e a prática disciplinada.

Por fim, há mais um quesito que me incomoda nesse “eterno retorno”. Talvez o jogador de fato nunca chegue a conhecer tudo, ou se quer queira fazer isso. Pois até para vencer… é preciso vencer de novo e de novo e de novo. O jogo é projetado para não ter um fim imediato. Ele está entregando algo novo a cada vitória, mas isso cria uma redundância que é difícil de justificar. Por outro lado, os Desafios se mostraram uma forma bem mais interessante de idealizar esse replay.

Dice A Million vale a pena?

Sim, mas depende muito do seu desejo em querer ser um milionário. Dice A Million não se escora em uma mecânica complecionista, a diversão dele é tentar descobrir formas de pontuar cada vez mais. É muito interessante descobrir o funcionamento de cada item e de ter que se adaptar a eles. E novas dinâmicas vão sendo adicionadas as sessões, quanto mais você avança em suas conquistas.

O jogo combina muito bem velocidade, repetição e sorte. Mas raramente comporta o erro. Não importa o quão bem você esteja se saindo, o próximo pagamento pode te derrubar. As vitórias são gloriosas e as derrotas amargas. É um jogo viciante enquanto você aguentar isso.

Por isso, recomendo tanto para quem ficou na dúvida, quanto para quem já curte esse tipo de experiência, dar uma chance. Uma das opções de idioma é o português brasileiro, um trabalho realizado pela LusoBit Studio. O texto muito bem humorado ganha o nosso “molho” e ajuda bastante a entender o que você irá enfrentar. Há uma demo disponível na Steam, caso o leitor se interesse.

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Aproveitando o lançamento da terceira temporada e um código de review enviado pela Blizzard, passamos as últimas semanas jogando Overwatch no Switch 2 para descobrir se essa realmente é uma boa forma de aproveitar o game. A seguir, contamos como foi nossa experiência com a nova season e se vale a pena embarcar nessa versão.

• Jogo: Overwatch 2

• Lançamento da versão para Switch 2: 14 de abril de 2026

• Onde jogar: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X|S, Nintendo Switch e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: Gratuito

Terceira temporada mantém Overwatch sempre em movimento

A terceira temporada, chamada Na Toca do Tigre, mostra que a Blizzard continua investindo pesado em novidades para manter Overwatch relevante mesmo tantos anos após seu lançamento. O grande destaque fica para Shion, nova heroína da classe de dano que aposta em alta mobilidade, duas pistolas e até uma motocicleta usada como parte de suas habilidades, oferecendo um estilo bastante agressivo e divertido.

Além da nova personagem, a atualização também adiciona outras novidades. Uma ddas mais importantes é o mapa híbrido Junção Neon, ambientado em uma vibrante versão de Tóquio repleta de detalhes.

A temporada ainda inclui eventos narrativos temporários, mudanças no modo Stadium e melhorias na seleção de heróis. O Passe de Batalha traz uma ótima seleção de skins inéditas, incluindo visuais míticos para Illari e Hanzo, além das novas Ultra Skins, que elevam ainda mais o nível de personalização com efeitos sonoros e visuais exclusivos.

A Blizzard também segue investindo em pacotes extras que trazem visuais bem trabalhados para os personagens. Um dos packs que testamos durante a temporada é o YOASOBI, que combina muito bem com a temática nipônica da nova season e mostra o cuidado da empresa na produção de skins.

É importante ressaltar, no entanto, que tudo isso tem um preço. O pacote acima, por exemplo, custa 6.900 Moedas, com cada skin também podendo ser comprada separadamente.

Quando convertido em valores reais, o preço acaba sendo salgado, mas é válido ressaltar que tudo é 100% cosmético. Ou seja, você realmente só precisa comprar se sentir vontade de deixar seus bonecos mais estilosos, pois nenhum visual afeta a jogabilidade.

Gameplay segue divertido, mesmo tanto tempo depois

Mesmo depois de tantas temporadas, o principal mérito de Overwatch continua sendo o mesmo: jogar ainda é extremamente divertido. A combinação entre partidas rápidas, personagens muito diferentes entre si e atualizações frequentes faz com que sempre exista algum motivo para voltar.

Seja para experimentar um novo herói ou simplesmente desbloquear os diversos cosméticos disponíveis de graça, Overwatch ainda pode ser um bom passatempo entre tantos jogos como serviço. Ao jogar com amigos, então, a experiência é ainda mais divertida, pois fica mais fácil de fechar o squad e não cair com pessoas aleatórias.

No entanto, desde que voltei a jogar por aqui, a experiência está bem amigável, com cada vez menos “aleatórios” que estragam as partidas. Independente da plataforma, encontrar partidas que são razoáveis não é um desafio.

Como é jogar Overwatch no Nintendo Switch 2?

Quando Overwatch chegou ao Nintendo Switch 2, ainda durante a segunda temporada, alguns jogadores relataram problemas de estabilidade e conexão. Felizmente, durante nossos testes realizados desde o início da terceira temporada, encontramos uma experiência muito mais consistente e praticamente livre desses contratempos.

Os poucos problemas de conexão que enfrentamos pareciam estar relacionados à rede utilizada, sendo facilmente resolvidos ao trocar de conexão. Fora isso, o desempenho permaneceu estável durante as partidas, sem quedas significativas ou situações que atrapalhassem a jogabilidade.

O grande destaque da versão para Switch 2 está nos 60 quadros por segundo, tanto no modo portátil quanto com o console conectado à TV. Essa fluidez faz bastante diferença em um jogo competitivo como Overwatch, garantindo respostas rápidas aos comandos e uma experiência bastante agradável mesmo durante confrontos mais intensos.

Naturalmente, existem limitações visuais quando comparado às versões de PC, PlayStation 5 e Xbox Series X. Texturas menos detalhadas, sombras simplificadas e alguns cortes na qualidade gráfica deixam claro que o hardware da Nintendo ainda exige concessões, mas nada disso compromete a experiência durante as partidas.

Na prática, a Blizzard conseguiu entregar uma versão que transmite uma sensação premium, especialmente quando comparada ao antigo Nintendo Switch. O salto técnico é evidente e finalmente coloca o console da Nintendo em um nível muito mais confortável para quem deseja jogar Overwatch sem abrir mão da portabilidade.

Vale a pena jogar Overwatch no Switch 2?

A terceira temporada reforça que Overwatch continua sendo um jogo muito bem cuidado pela Blizzard, que segue adicionando personagens, mapas, eventos e cosméticos capazes de manter a comunidade engajada. Mesmo dez anos depois do lançamento da franquia, ainda existe bastante conteúdo novo chegando regularmente para quem decide investir tempo no game.

Já a versão para Nintendo Switch 2 representa exatamente o que muitos esperavam desde o console anterior: uma forma competente de jogar Overwatch em qualquer lugar. Os 60 fps constantes, o bom desempenho e a possibilidade de alternar entre TV e modo portátil fazem desta uma excelente opção para quem gosta da praticidade do console híbrido, mesmo aceitando algumas limitações gráficas em relação às plataformas mais poderosas.

Para quem está longe do jogo ou comprou o console da Nintendo recentemente e está curioso, vale a pena baixar e jogar Overwatch. Afinal, o jogo claramente ainda está longe de cair no esquecimento.

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Custando a partir de R$ 219,90, o novo título reúne mais de 80 minijogos para um jogador, mais de 30 desafios multiplayer e uma identidade visual que muda completamente a cada fase. Contamos a seguir como foi nossa experiência com Rhythm Heaven Groove e por que ele pode surpreender quem procura um jogo desafiador para jogar sozinho ou com amigos.

Ficha técnica

• Jogo: Rhythm Heaven Groove

• Lançamento: 2 de julho de 2026

• Onde jogar: Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 219,90

Uma chave do game foi cedida pela Nintendo Brasil para a realização da review.

Parece simples, mas Rhythm Heaven Groove é surpreendentemente difícil

Logo nos primeiros minutos, o próprio jogo faz um aviso que resume perfeitamente a experiência: parece fácil, mas acertar o tempo das ações exige muito mais atenção do que se imagina. A proposta é extremamente simples de entender, mas dominar cada minijogo exige concentração, percepção musical e bastante prática.

Cada fase apresenta uma situação completamente diferente, incluindo sapos pulando em folhas, corredores disputando uma maratona ou personagens arrancando vegetais do céu. Independentemente do tema, o objetivo é sempre o mesmo: apertar os botões exatamente no ritmo da música para avançar.

A campanha para um jogador traz um sistema de classificação que vai do “Keep Trying”, indicando que você falhou, até medalhas para quem alcança o desempenho perfeito. Basta conseguir um resultado considerado bom para desbloquear a próxima fase, mas a vontade de voltar para melhorar a pontuação acaba sendo constante. O fator replay do jogo é gigantesco.

Ao final de cada conjunto de desafios, o jogo também apresenta um Remix que mistura diversos minijogos anteriores em uma única sequência. Esses momentos funcionam como uma verdadeira prova final e elevam bastante o nível de dificuldade, exigindo que o jogador memorize diferentes padrões rítmicos sem perder o foco.

O ritmo é viciante, mas também exige muita paciência

Apesar da aparência extremamente divertida, Rhythm Heaven Groove está longe de ser um jogo relaxante o tempo inteiro. Em vários momentos, ele lembra o famoso comentário de que determinados jogos são o “Dark Souls” de seu gênero, já que alguns desafios exigem um nível de precisão que pode surpreender até quem já gosta de games musicais.

A boa notícia é que essa dificuldade nunca parece injusta, já que todas as mecânicas podem ser aprendidas com prática. A sensação de finalmente dominar um ritmo complicado e conquistar uma medalha perfeita acaba sendo extremamente recompensadora, lembrando os tempos áureos de títulos como Guitar Hero.

Conforme a campanha avança, a pressão também aumenta bastante e alguns desafios chegam a gerar uma pequena ansiedade por exigirem concentração absoluta durante vários minutos. Fazer pequenas pausas entre as sessões acaba sendo uma boa estratégia para manter o desempenho e evitar aquela sensação de frustração depois de repetir o mesmo desafio inúmeras vezes.

Multiplayer transforma o caos em diversão

Embora a campanha para um jogador seja excelente, é no multiplayer que Rhythm Heaven Groove mostra outra faceta igualmente divertida. Com suporte para até quatro pessoas em um único console, o jogo oferece mais de 30 minijogos cooperativos e competitivos que funcionam muito bem em encontros entre amigos.

Enquanto alguns desafios colocam todos para trabalhar em equipe, outros estimulam pequenas disputas para descobrir quem consegue manter o ritmo por mais tempo. O resultado costuma render muitas risadas, principalmente quando alguém perde completamente o tempo da música e acaba comprometendo toda a equipe.

Essa dinâmica faz com que cada partida seja imprevisível e transforme até os erros em momentos engraçados. É o tipo de jogo perfeito para sessões rápidas em grupo, mantendo sempre aquele clima descontraído característico das produções da Nintendo.

Trilha sonora e direção de arte dão personalidade ao jogo

Grande parte do sucesso de Rhythm Heaven Groove está justamente na qualidade de sua trilha sonora. As músicas são extremamente marcantes e conseguem transformar comandos simples em desafios que permanecem na cabeça mesmo depois que o console é desligado.

Os efeitos sonoros também cumprem um papel importante na jogabilidade, já que praticamente todas as ações dependem da percepção auditiva do jogador. No entanto, antes de começar a campanha, vale dedicar alguns minutos para ajustar corretamente a sincronização do áudio com a televisão, pois qualquer atraso pode prejudicar bastante a experiência.

Visualmente, o jogo também impressiona pela criatividade constante. Cada minijogo apresenta uma direção de arte completamente diferente, alternando estilos, cores e animações de forma tão frequente que praticamente nunca existe a sensação de repetição.

É a Nintendo fazendo o que faz de melhor, no mesmo estilo de Tomodachi Life. A empresa abraça o ridículo e inesperado para surpreender os jogadores.

Acessibilidade acerta em alguns pontos, mas deixa uma ausência importante

Um detalhe bastante positivo é o cuidado com recursos voltados à acessibilidade. Como praticamente toda a experiência gira em torno do áudio, o jogo oferece suporte para narração e outros recursos que tornam a experiência mais inclusiva para diferentes perfis de jogadores.

Até mesmo pessoas com baixa visão podem aproveitar 100% da experiência graças à narração cheia de personalidade e todo o gameplay focado na parte de áudio. Ainda assim, Nintendo acabou pisando na bola em um aspecto conhecido.

Enquanto a empresa está investindo cada vez mais em localização, a ausência de legendas em português brasileiro em Rhythm Heaven Groove acaba sendo uma decisão difícil de entender. Embora os comandos sejam intuitivos na maior parte do tempo, uma localização completa teria tornado a experiência ainda mais acessível para o público do Brasil.

Vale a pena jogar Rhythm Heaven Groove?

Rhythm Heaven Groove é mais uma demonstração da capacidade da Nintendo de transformar ideias aparentemente simples em experiências extremamente divertidas. Com excelente trilha sonora, direção de arte criativa, gameplay viciante e um multiplayer que rende boas gargalhadas, o jogo entrega exatamente aquilo que promete.

O preço de lançamento pode fazer alguns jogadores pensarem duas vezes, mas quem gosta de jogos de ritmo ou procura um excelente título para jogar com amigos dificilmente sairá decepcionado. Se você busca um party game pra aproveitar com a galera, essa é uma das melhores pedidas para o Switch 1 e 2.

Já quem não tem paciência para desafios que exigem precisão quase absoluta talvez prefira esperar uma promoção. Ainda assim, encontrará aqui uma das experiências mais originais disponíveis no catálogo da Nintendo.

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Lançado originalmente em 2013, Assassin’s Creed IV: Black Flag conquistou jogadores muito além dos fãs da série ao entregar uma aventura de piratas memorável, com exploração naval viciante e um protagonista carismático. O jogo marcou época no Xbox 360 (o rei da pirataria) e PlayStation 3, ganhou versões para a geração seguinte e permanece disponível até hoje nos consoles atuais e PC.

Mesmo assim, basta revisitar o título original para perceber que o tempo passou. Algumas animações, mecânicas e até a apresentação visual já demonstravam sinais claros da idade, principalmente quando comparadas aos capítulos mais recentes da franquia.

É justamente aí que entra Assassin’s Creed Black Flag Resynced, remake desenvolvido do zero na versão mais recente da engine Anvil, a mesma utilizada em Assassin’s Creed Shadows. No entanto, toda essa modernidade também conta com um preço.

Depois de navegar novamente pelo Caribe nesta nova versão, conto a seguir como foi revisitar um dos melhores jogos da Ubisoft e descobrir se o investimento de R$ 300 realmente faz sentido.

Ficha técnica

• Jogo: Assassin’s Creed Black Flag Resynced

• Lançamento: 9 de julho de 2026

• Onde jogar: PS5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 299,90 (incluso no Ubisoft+ por R$ 60/mês)

Uma chave de review foi cedida pela Ubisoft.

Uma história conhecida que ganhou um novo fôlego

Quem jogou Black Flag em 2013 vai encontrar praticamente a mesma jornada de Edward Kenway, um pirata ambicioso que acaba envolvido no eterno conflito entre Assassinos e Templários. A estrutura principal permanece intacta, preservando tudo aquilo que fez dessa campanha uma das favoritas dos fãs da franquia.

A diferença é que a Ubisoft aproveitou o remake para expandir diversos momentos da narrativa sem alterar sua essência. Novas falas, dublagem refeita, animações faciais muito mais naturais e diálogos adicionais fazem Edward parecer um protagonista ainda mais humano durante toda a aventura.

Logo nas primeiras horas já fica evidente que as conversas ganharam muito mais vida — apesar de ainda sofrerem com um pouco de falta de sincronia labial. Personagens históricos como Barba Negra, Anne Bonny e Calico Jack continuam sendo peças importantes da jornada, mas agora suas interações passam uma sensação muito maior de naturalidade graças às melhorias de captura facial e interpretação.

Outro ponto positivo está na quantidade de conteúdo narrativo inédito espalhado pela campanha. O remake adiciona novas missões secundárias, três oficiais inéditos que acompanham Edward durante parte da aventura, novos diálogos pelo mundo e até um capítulo pós-jogo que expande os acontecimentos da campanha original sem comprometer o encerramento clássico.

Nem todas as mudanças, porém, são positivas. A Ubisoft removeu completamente as sequências envolvendo a Abstergo e substituiu a narrativa do presente por conteúdos no Animus Hub, além de deixar a expansão Freedom Cry fora do pacote principal.

Embora essa decisão torne a campanha muito mais focada exclusivamente em Edward, ela também representa uma perda importante em termos de preservação histórica. É uma escolha compreensível para quem quer apenas viver a fantasia de ser um pirata, mas decepciona quem esperava encontrar absolutamente todo o conteúdo lançado originalmente reunido em um único lugar.

Ainda assim, a história continua sendo um dos maiores destaques de Black Flag. Mesmo após mais de uma década, acompanhar a evolução de Edward continua sendo uma experiência envolvente, agora enriquecida por novos momentos que expandem a aventura sem recorrer a mudanças desnecessárias.

Gameplay continua excelente e ficou ainda mais moderno

Desde 2013, Black Flag sempre foi lembrado por três pilares muito claros: o combate, o parkour e as batalhas navais. A boa notícia é que a Ubisoft soube preservar essa identidade enquanto modernizou praticamente todos esses sistemas.

O combate foi reconstruído para ficar mais próximo dos Assassin’s Creed recentes, sem abandonar completamente a essência do original. Agora existem indicadores visuais para ataques fortes, novas animações de defesa e contra-ataques, além de golpes pesados e finalizações em sequência que deixam as lutas muito mais cinematográficas.

O gameplay de assassino também sofreu algumas alterações. Agora você não pode sair por aí batendo em todo mundo com as Hidden Blades, que viraram uma arma específica para abates furtivos. Ainda assim, se esgueirar na grama e se esconder no feno para conseguir kills com ela continua bem divertido.

Na prática, porém, as batalhas continuam relativamente fáceis — principalmente quando comparamos com o jogos antigo. Mesmo enfrentando grupos numerosos de inimigos, basta dominar o tempo das defesas e dos contra-ataques para vencer praticamente qualquer confronto sem muito esforço.

Essa simplicidade acaba sendo compensada pelas diversas opções de dificuldade disponíveis. O jogo permite ajustar separadamente o desafio do combate terrestre, naval, furtividade e atividades paralelas, oferecendo uma experiência muito mais personalizada para quem busca algo mais exigente ou simplesmente quer aproveitar a história.

• Veja também - As principais diferenças de Assassin’s Creed Black Flag Resynced em comparação ao original

Seguindo o baile, a furtividade também recebeu mudanças muito bem-vindas. Edward finalmente ganhou um botão dedicado para se abaixar, algo que parece tão natural que chega a causar estranheza lembrar que o original não possuía essa mecânica. Outra novidade é a possibilidade de colocar ou retirar o capuz — o que não interfere na jogabilidade, mas rende estilo enquanto você caminha pelas cidades do Caribe.

O restante das mecânicas stealth continua extremamente familiar. Esconder-se em arbustos, misturar-se com grupos de dançarinas, eliminar guardas silenciosamente e planejar infiltrações permanece tão divertido quanto há mais de dez anos, mostrando como Black Flag já possuía bases muito sólidas para esse estilo de gameplay.

O parkour também passou por uma boa modernização. Saltos manuais, novos movimentos laterais, interrupções mais rápidas entre animações e até tirolesas tornam a movimentação muito mais fluida, embora alguns momentos ainda carreguem pequenas limitações herdadas da estrutura original.

Mesmo assim, a identidade clássica permanece intacta. Escalar fortalezas, atravessar telhados, subir em árvores e percorrer cidades inteiras continua sendo extremamente prazeroso, principalmente graças às melhorias na fluidez dos comandos.

Navegar pelo Caribe continua sendo uma das melhores partes do jogo

Se existe um aspecto que ajudou Black Flag a se tornar um clássico, esse aspecto certamente são os combates navais. Felizmente, o remake não apenas preserva essa experiência como também a expande com novas possibilidades.

O Gralha continua sendo praticamente um personagem próprio dentro da campanha. Explorar ilhas, perseguir embarcações inimigas, enfrentar tempestades e partir para abordagens continua sendo tão divertido quanto na versão original, mas agora com sistemas muito mais completos.

A Ubisoft adicionou novos modos de disparo para praticamente todas as armas do navio. Canhões laterais, morteiros, barris explosivos, correntes e até a metralhadora giratória ganharam ataques secundários que aumentam bastante as possibilidades estratégicas durante cada confronto marítimo.

Até mesmo mascotes chegaram ao navio para dar um toque diferente. Logo no início da aventura, você pode ter um gato ou um macaco para acompanhar a tripulação, o que é apenas um toque estético, mas traz certo realismo ao jogo — já que esse tipo de animal era comum nos navios da época.

Além disso, três novos oficiais também acompanham Edward ao longo da campanha e desbloqueiam habilidades inéditas para o Gralha conforme suas histórias avançam. Essas melhorias tornam a evolução do navio mais interessante e oferecem novas formas de enfrentar embarcações muito maiores.

A exploração também ficou mais rica com novas ilhas, missões secundárias inéditas, eventos espalhados pelo mapa, contratos adicionais e um novo capítulo pós-jogo. Tudo isso ajuda a manter o Caribe movimentado durante dezenas de horas, ampliando bastante o conteúdo disponível para quem gosta de completar tudo.

Outro detalhe interessante é o Animus Hub, plataforma que conecta recompensas entre diferentes jogos recentes da franquia. O sistema oferece desafios opcionais, cosméticos, missões extras e pequenas histórias paralelas, funcionando como um bônus para quem acompanha Assassin’s Creed há bastante tempo — ou uma cópia igualmente ruim dos menus da franquia Call of Duty..

A parte boa é que, caso você não tenha interesse nesse ecossistema, dá pra simplesmente ignorá-lo. Todo esse conteúdo permanece opcional e não interfere na campanha principal, evitando que a experiência fique poluída para quem deseja apenas navegar pelos mares do Caribe novamente.

Um remake que impressiona também pelo visual

Quando o assunto é visual, a diferença gráfica entre Black Flag Resynced e o jogo de 2013 salta aos olhos desde os primeiros minutos. Desenvolvido na versão mais recente da engine Anvil, o remake reconstrói cenários, personagens, vegetação, iluminação e efeitos climáticos praticamente do zero, entregando um Caribe muito mais vivo e convincente.

As águas cristalinas continuam roubando a cena, mas agora refletem o céu, as embarcações e o ambiente com um nível de qualidade superior. O suporte a Ray Tracing contribui para uma iluminação mais natural tanto nas cidades quanto durante a navegação, especialmente ao amanhecer e no pôr do sol, quando o mar praticamente vira um espetáculo à parte.

As melhorias também aparecem nos pequenos detalhes. As florestas são mais densas, as cidades contam com muito mais objetos interativos, a destruição durante os combates navais ficou mais convincente e praticamente todos os modelos de personagens receberam novas texturas e animações faciais.

Essa evolução técnica também ajuda bastante na imersão. Caminhar pelas ruas de Havana, Nassau ou Kingston transmite a sensação de estar em lugares realmente vivos, com NPCs realizando atividades variadas e diálogos ambientes que deixam cada região muito mais movimentada do que na versão original.

A trilha sonora também continua sendo um dos grandes acertos da experiência. As músicas acompanham perfeitamente os momentos de exploração, enquanto os famosos cânticos marítimos seguem transformando longas viagens em alto-mar em momentos quase terapêuticos.

Os efeitos sonoros também merecem elogios. O impacto dos disparos dos canhões, o barulho da madeira se partindo durante uma abordagem e o som das ondas batendo contra o casco do Gralha ajudam a reforçar constantemente a fantasia de comandar um verdadeiro navio pirata.

• Veja também - Confira 17 minutos de gameplay de Assassin's Creed Black Flag Resynced no Xbox Series X

Jogando em uma Smart TV 4K com uma soundbar, a experiência foi bastante imersiva, com gráficos de qualidade mesmo no modo de desempenho do game, que prioriza mais frames. A única ressalva fica para a já mencionada sincronização labial que ocasionalmente deixa a desejar, mas nada que estrague a experiência.

Desempenho impecável no Xbox Series X

Falando em performance, durante todo o período de testes no Xbox Series X, Black Flag Resynced apresentou um desempenho extremamente consistente. O jogo oferece modos voltados para qualidade gráfica ou desempenho, permitindo que cada jogador escolha a experiência que prefere sem abrir mão da estabilidade.

Os carregamentos são praticamente instantâneos graças ao SSD do console. Além disso, o suporte ao Quick Resume torna muito fácil interromper uma sessão e retornar exatamente do ponto onde a aventura havia parado, algo que combina perfeitamente com um jogo de mundo aberto neste estilo.

Outro destaque fica para a interface totalmente redesenhada. Os menus ficaram mais limpos, o HUD aproveita melhor as televisões atuais e diversas opções permitem ocultar ou reorganizar praticamente todos os elementos exibidos na tela.

A Ubisoft também fez um excelente trabalho nas opções de acessibilidade. Como mencionamos antes, é possível personalizar níveis de dificuldade para diferentes sistemas, além de ajustar legendas, modificar elementos visuais, ativar assistência de navegação e configurar diversos recursos que tornam a experiência mais confortável para diferentes perfis de jogadores — para a alegria do Yago, nosso colunista de acessibilidade.

Vale a pena comprar Assassin’s Creed Black Flag Resynced?

Assassin’s Creed Black Flag Resynced faz exatamente aquilo que se espera de um bom remake. A Ubisoft preservou tudo o que transformou o jogo em um dos capítulos mais queridos da franquia, ao mesmo tempo em que atualizou praticamente todos os aspectos que já demonstravam o peso da idade.

Nem todas as decisões, porém, agradam. A remoção das sequências da Abstergo e da expansão Freedom Cry representa uma perda importante para a preservação do jogo original, principalmente para quem esperava encontrar absolutamente tudo reunido em um único pacote.

Ainda assim, é difícil negar a qualidade do trabalho realizado. São cerca de 25 a 30 horas para concluir apenas a campanha principal, além de dezenas de atividades secundárias espalhadas pelo Caribe que podem facilmente dobrar esse tempo para quem gosta de explorar cada canto do mapa.

O preço de aproximadamente R$ 300 é tão salgado quanto beber água do mar. No entanto, o lançamento também acontece no Ubisoft+, cuja assinatura custa R$ 60 por mês no PC e Xbox, sendo uma alternativa interessante para quem pretende apenas revisitar o clássico ou conhecer a aventura pela primeira vez.

Para veteranos, Assassin’s Creed Black Flag Resynced é praticamente uma viagem pelos mares da nostalgia, agora muito mais bonita e confortável de jogar. Já para quem nunca viveu essa aventura, agora é a melhor hora para surfar na onda da franquia.

Se Assassin’s Creed Mirage ainda continua sendo uma excelente porta de entrada para entender a essência da franquia, Black Flag Resynced prova que algumas aventuras realmente envelhecem como um bom rum. Com algumas concessões discutíveis, mas uma quantidade enorme de melhorias e respeito pelo material original, este é um remake que honra o legado de um clássico e mostra que navegar pelos mares do Caribe continua sendo tão divertido quanto treze anos atrás.

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Nós tivemos a oportunidade de testar o game no Nintendo Switch 2 e a experiência surpreendeu bastante. Com a promessa de rodar a 60 frames por segundo tanto no modo portátil quanto no dock, a nova versão entrega praticamente tudo o que tornou Devil May Cry 5 um dos grandes jogos de ação dos últimos anos.

Ficha técnica

• Jogo: Devil May Cry 5: Devil Hunter Edition

• Lançamento: 23 de junho de 2026

• Onde jogar: Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 199 (R$ 149,25 durante a promoção de lançamento)

Um espetáculo de ação que continua envelhecendo muito bem

Mesmo sete anos após seu lançamento original, Devil May Cry 5 continua sendo uma aula de como construir um jogo de ação estiloso e divertido. A campanha acompanha Nero, Dante e o misterioso V em uma missão para impedir que o Rei Demônio Urizen destrua Red Grave City, dando sequência aos acontecimentos de Devil May Cry 4 sem abrir mão do tom exagerado e carismático que define a franquia.

A história consegue equilibrar cenas de ação grandiosas com momentos mais emocionais, explorando temas como família, legado e rivalidade sem deixar o ritmo cair. Mesmo sem entregar spoilers importantes, dá para dizer que o roteiro oferece alguns dos momentos mais marcantes da série, principalmente para quem acompanha a saga dos filhos de Sparda desde os primeiros jogos.

Se você gostou do estilo dos jogos anteriores e ainda não conhece o game mais recente da franquia, certamente vai se divertir. E se você está completamente por fora do universo de Devil May Cry, aqui é a melhor forma de começar, com um título que exala aura e traz um gameplay diversificado e apaixonante.

Três protagonistas fazem o combate nunca ficar repetitivo

O grande diferencial de Devil May Cry 5 continua sendo a forma como cada personagem muda completamente a maneira de jogar. Em vez de apenas trocar armas ou habilidades, Nero, Dante e V praticamente transformam cada missão em uma experiência diferente.

Nero aposta nos Devil Breakers, braços mecânicos que oferecem poderes variados e incentivam estratégias diferentes durante os confrontos — além de render ótimas interações com a inventora Nico. Além disso, o personagem conta com uma espada que pode ser acelerada durante a batalha, um toque cheio de personalidade.

Já V luta de forma pouco convencional ao controlar três familiares demoníacos que atacam os inimigos enquanto ele permanece na retaguarda. Isso cria um estilo que exige mais posicionamento e gerenciamento dos companheiros, garantindo uma jogabilidade diferente, mas que não abre mão da ação constante.

Dante, que aparece no decorrer do jogo, continua sendo o personagem mais completo do elenco, reunindo diversas armas corpo a corpo, armas de fogo e quatro estilos de combate que podem ser alternados em tempo real. A enorme quantidade de possibilidades faz dele o protagonista com maior curva de aprendizado, mas também o mais recompensador para quem gosta de criar combos elaborados e buscar as melhores notas de estilo.

Toda essa variedade faz com que o combate dificilmente fique repetitivo, já que o jogo incentiva o jogador a variar ataques em vez de repetir sempre os mesmos golpes. O famoso sistema de ranking da franquia também recompensa criatividade, esquivas bem executadas e combos longos, transformando cada batalha em um verdadeiro espetáculo de ação.

Como se isso já não bastasse, a Devil Hunter Edition ainda inclui todo o conteúdo lançado anteriormente, incluindo a campanha de Vergil como personagem jogável. Isso aumenta bastante a longevidade do pacote e oferece mais um estilo de combate para quem deseja dominar um dos personagens mais icônicos da franquia.

O Switch 2 faz alguns sacrifícios para manter a fluidez

A principal concessão desta versão está na qualidade da imagem, que claramente foi reduzida para garantir o desempenho prometido pela Capcom. Em alguns momentos é possível perceber serrilhados mais aparentes, resolução dinâmica e texturas que ficam um pouco mais pixelizadas do que nas versões de consoles mais potentes.

Ainda assim, o resultado final compensa bastante quando pensamos na proposta do console. Jogar Devil May Cry 5 em qualquer lugar mantendo uma experiência fluida a 60 quadros por segundo acaba sendo uma troca bastante justa.

Eu acabei sentindo falta de uma opção que permitisse escolher entre maior resolução ou framerate, mas o resultado trazido pela Capcom é satisfatório. Afinal, diferente de Tomb Raider, Devil May Cry 5 é um jogo que fica muito melhor de ser jogado em 60 quadros por segundo.

Vale a pena jogar Devil May Cry 5 no Switch 2?

Para quem acabou de comprar um Switch 2 e procura jogos de ação para variar entre os exclusivos da Nintendo, Devil May Cry 5 é uma das melhores opções disponíveis atualmente. A combinação entre campanha excelente, combate extremamente divertido e boa performance faz desta uma adaptação muito competente.

O game também é uma das provas de que o console também consegue segurar jogos em 60 quadros por segundo, desde que as concessões necessárias, e já esperadas, sejam feitas. No caso de DMC 5, a queda na resolução acaba sendo compensada pela fluidez que garante um gameplay cheio de ação.

Com preço sugerido de R$ 199 e desconto de lançamento para R$ 149,25, a Devil Hunter Edition entrega um excelente custo-benefício. Se você nunca jogou Devil May Cry 5, esta é uma ótima oportunidade para conhecer um dos melhores jogos de ação da Capcom, enquanto quem já zerou a aventura encontra um bom motivo para revisitá-la agora de forma portátil.

Mais do que um jogo perfeito para quem gosta de ação, Devil May Cry 5 é a prova de que o Switch 2 pode entregar muito eSSStilo no gameplay, desde que as desenvolvedoras façam as otimizações certas.

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Por isso mesmo, a expectativa para Forza Horizon 6 era enorme. O anúncio de que o próximo destino seria o tão sonhado Japão fez a comunidade entrar em êxtase. Afinal, poucas culturas automobilísticas são tão influentes quanto a japonesa. Entre carros lendários, estradas montanhosas, cidades vibrantes e paisagens naturais de tirar o fôlego, parecia o cenário perfeito para a franquia.

Depois de dezenas de horas explorando o novo mapa, chegou a hora de responder a pergunta que muitos fãs estavam fazendo: o Japão era realmente tudo aquilo que imaginávamos?

Ficha Técnica

• Jogo: Forza Horizon 6

• Lançamento: 19 de maio de 2026

• Onde jogar: Xbox Series X|S, PC

• Plataforma de teste: Xbox Series S

• Preço: A partir de R$ 299 (Também disponível no Xbox Game Pass)

Sim, é mais Forza Horizon. E isso não é um problema

Vamos tirar o elefante da sala logo de cara. Forza Horizon 6 é, essencialmente, uma continuação direta da fórmula construída nos dois últimos jogos. As mecânicas de direção continuam extremamente familiares, a estrutura das corridas permanece praticamente a mesma, boa parte dos sistemas já existia anteriormente e até diversos modelos de veículos retornam.

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Mas isso não necessariamente é um defeito. A Playground Games passou mais de uma década refinando uma fórmula que já funciona muito bem. Seria estranho esperar que o estúdio descartasse toda essa base sólida apenas para reinventar a roda.

Quem jogou Forza Horizon 4 ou 5 vai se sentir em casa desde os primeiros minutos. Isso inclui tanto as qualidades quanto alguns problemas já conhecidos da série. O principal deles continua sendo a progressão.

Já faz muito tempo que Horizon abandonou a ideia de começar com um carro simples e subir lentamente até conquistar máquinas mais potentes. Aqui, basta completar algumas atividades para receber veículos extremamente rápidos e valiosos. Em poucas horas você já tem acesso a uma coleção invejável.

Se isso incomoda alguns jogadores, para mim funciona perfeitamente dentro da proposta do jogo. Forza Horizon não quer ser uma jornada de superação. Ele quer ser um enorme parque de diversões automobilístico. E quando você entende isso, tudo faz sentido.

Você pode focar nas corridas da campanha, passar horas personalizando carros na garagem, caçar colecionáveis ou simplesmente escolher um veículo qualquer e sair dirigindo sem rumo pelo mapa. A liberdade sempre foi um dos pilares da franquia, e aqui ela continua sendo um dos seus maiores acertos.

O Japão era o sonho dos fãs — e valeu a espera

Se existe um motivo para jogar Forza Horizon 6, ele atende pelo nome de Japão. Mesmo sem ter explorado cada centímetro do mapa, já posso dizer com tranquilidade que este é o melhor cenário da história da franquia.

A Playground Games conseguiu encontrar um equilíbrio impressionante entre áreas urbanas e regiões rurais. Em um momento você está cruzando avenidas iluminadas em Tóquio; no outro, atravessando montanhas, campos, florestas e pequenas cidades que parecem ter saído diretamente de um cartão-postal.

O mapa é gigantesco, mas nunca parece vazio. Existe uma quantidade absurda de atividades, eventos, colecionáveis e pontos de interesse espalhados pelo mundo. A divisão por regiões ajuda bastante na exploração e torna a experiência menos intimidadora para quem gosta de completar tudo o que o jogo oferece.

Mas o que realmente impressiona é a fidelidade visual. Diversos locais inspirados em regiões reais foram recriados com um nível de detalhe impressionante.

É aquele tipo de jogo que frequentemente faz você parar a corrida apenas para admirar a paisagem. A sensação é quase a de estar fazendo turismo do conforto do sofá.

Direção de arte continua em outro nível

Se os cenários impressionam, os carros não ficam para trás. A reprodução dos mais de 550 veículos disponíveis é simplesmente fantástica. Os modelos possuem nível de detalhe altíssimo, tanto externamente quanto internamente, e o cuidado da equipe aparece em praticamente todos os aspectos da apresentação visual.

As corridas são cinematográficas sem parecerem artificiais. As mudanças climáticas ajudam a dar vida ao mundo. A iluminação continua espetacular e muitas das cenas parecem saídas diretamente de um filme sobre cultura automotiva.

O equilíbrio perfeito entre arcade e simulação

Forza Horizon sempre teve uma característica que o diferenciou da concorrência: ele consegue agradar tanto quem busca diversão casual quanto quem gosta de algo mais próximo da simulação. E Forza Horizon 6 mantém essa tradição.

Confesso que a franquia acabou criando um problema para mim. Depois de tantos anos jogando Horizon, ficou difícil aproveitar outros arcades de corrida. Muitos deles parecem excessivamente artificiais quando comparados ao trabalho realizado pela Playground.

A direção aqui continua excelente. Você sente o peso dos veículos, percebe as diferenças entre classes, entende o comportamento de cada carro e consegue identificar mudanças sutis na dirigibilidade sem precisar recorrer a um volante profissional.

Tudo também funciona muito bem no controle. Com ou sem assistências ativadas, a experiência permanece divertida, acessível e satisfatória. É uma jogabilidade refinada ao longo de anos e que continua servindo como referência para o gênero.

Bonito e otimizado, mas não livre de problemas

Outra característica tradicional da franquia sempre foi a boa otimização. Durante meus testes no Xbox Series S, jogando no modo Qualidade, que prioriza resolução e efeitos gráficos, o desempenho geral foi bastante positivo.

O jogo se manteve bonito durante praticamente toda a experiência e apresentou uma estabilidade bastante satisfatória. Porém, nem tudo foi perfeito.

Encontrei uma quantidade de bugs superior ao que estava acostumado nos jogos anteriores da série. Em alguns momentos o áudio desapareceu completamente, exigindo reiniciar o jogo. Também tive problemas com o Quick Resume e encontrei travamentos ocasionais durante a exploração.

Nada chegou a comprometer seriamente a experiência, mas são situações que chamam atenção justamente porque a franquia costuma apresentar um nível de polimento muito alto.

Talvez o enorme tamanho e densidade do mapa tenham contribuído para esses problemas. Seja como for, espero que futuras atualizações resolvam essas pequenas arestas.

Vale a pena jogar Forza Horizon 6?

Forza Horizon 6 não reinventa a franquia. Quem esperava uma revolução talvez saia um pouco decepcionado. Mas quem queria exatamente aquilo que a série faz de melhor encontrará um dos melhores jogos de corrida da atual geração.

O Japão entrega o melhor mapa da história da franquia, a jogabilidade continua praticamente impecável e a liberdade para explorar, correr ou simplesmente dirigir permanece sendo um dos grandes diferenciais da experiência.

Mesmo com alguns bugs e mantendo problemas antigos relacionados à progressão, o saldo final é extremamente positivo. Se você já gosta de Forza Horizon, esta é uma compra quase obrigatória. Se nunca jogou a série, talvez não exista porta de entrada melhor.

E para quem sonhou durante anos em acelerar pelas ruas e montanhas do Japão, a espera finalmente valeu a pena.

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Durante uma Nintendo Direct histórica, a Nintendo anunciou diversas novidades para os jogadores, mas também surpreendeu ao lançar imediatamente Rise of the Tomb Raider: 20 Year Celebration no novo console. Depois de revisitar essa jornada na Sibéria com uma cópia cedida pela desenvolvedora Aspyr, chegou a hora de responder a pergunta que muitos fãs estão fazendo: vale a pena embarcar nessa expedição no Switch 2?

Ficha Técnica

• Jogo: Rise of the Tomb Raider: 20 Year Celebration

• Lançamento: 9 de junho de 2026 (Switch 2)

• Onde jogar: PS4, Xbox One, PC, Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 129,95

Game segue tão bom quanto na época do lançamento

Olhando para gameplay e narrativa, Rise of the Tomb Raider continua sendo um excelente jogo mesmo mais de dez anos após seu lançamento original. Eu joguei essa aventura na época em que ela chegou ao mercado e fiquei impressionada ao perceber como ela continua divertida, envolvente e visualmente marcante.

A sequência pega tudo o que funcionava no reboot de 2013 e amplia a fórmula de maneira inteligente, oferecendo mais exploração, mais tumbas opcionais e uma progressão mais recompensadora. Ao invés de depender tanto de eventos rápidos e sequências cinematográficas, o jogo dá mais espaço para o jogador realmente explorar ambientes, resolver quebra-cabeças e descobrir segredos escondidos.

A história acompanha Lara Croft em uma jornada pela Sibéria enquanto busca a lendária cidade de Kitezh e tenta desvendar mistérios ligados à imortalidade. Sem entrar em spoilers, a trama consegue equilibrar ação, exploração e desenvolvimento da protagonista de uma forma muito eficiente, mostrando uma Lara mais experiente, mas ainda lidando com as consequências dos eventos do jogo anterior.

Gameplay divertido e cheio de possibilidades

O gameplay também continua extremamente sólido graças à variedade de abordagens disponíveis durante a aventura. É possível partir para o combate direto utilizando rifles, pistolas e escopetas, mas também existe bastante espaço para furtividade, uso estratégico do arco e flecha e eliminação silenciosa dos inimigos.

As áreas semiabertas continuam sendo um dos grandes destaques da experiência, já que incentivam a exploração constante em busca de recursos, documentos, relíquias e desafios opcionais. A coleta de materiais para fabricação de equipamentos e munições ajuda a manter a sensação de sobrevivência sem transformar a aventura em algo cansativo ou excessivamente complexo.

As tumbas opcionais merecem destaque especial porque representam exatamente aquilo que muitos fãs associam ao nome Tomb Raider. Elas trazem quebra-cabeças criativos, desafios ambientais interessantes e recompensas realmente úteis, tornando a exploração muito mais satisfatória do que simplesmente seguir a campanha principal.

Visualmente, o jogo também continua impressionando. Os cenários congelados da Sibéria, as cavernas iluminadas por tochas e as antigas ruínas escondidas pela neve ajudam a criar uma atmosfera que permanece bonita mesmo em 2026 — especialmente considerando que estamos falando de um título originalmente lançado em 2015.

Outro ponto positivo é a localização em português brasileiro, que ajuda bastante na imersão durante a campanha. A combinação entre dublagem, trilha sonora e direção cinematográfica faz com que a jornada de Lara continue sendo extremamente envolvente do início ao fim, independente da plataforma.

Performance deixa a desejar no Switch 2

Enquanto o jogo segue tão divertido quanto em seu lançamento original, o trabalho de adaptação para o Nintendo Switch 2 claramente poderia ter ido além. Em seu lançamento surpresa, Rise of the Tomb Raider chegou rodando a 30 quadros por segundo tanto no modo portátil quanto quando conectado à TV.

Um framerate mais alto faria bastante diferença principalmente durante os combates e nas sequências mais movimentadas. Ainda assim, é importante destacar que os 30 FPS permanecem relativamente estáveis durante boa parte da aventura, permitindo aproveitar a experiência sem grandes problemas.

Os tempos de carregamento são rápidos e a estabilidade geral é superior ao que muitos jogadores encontraram nas versões originais para Xbox One e PlayStation 4. Mesmo assim, fica difícil ignorar a sensação de que havia espaço para oferecer ao menos um modo de desempenho com taxa de quadros mais elevada.

Durante a análise também encontrei alguns problemas ocasionais relacionados ao carregamento de texturas. Em determinadas áreas mais complexas, alguns elementos do cenário demoram alguns segundos para aparecer completamente, algo que não chega a comprometer a jogabilidade, mas que chama atenção.

Em algumas cenas mais carregadas visualmente, a combinação entre movimentos de câmera e os 30 FPS também me causou um pequeno desconforto. Felizmente isso aconteceu poucas vezes durante a campanha e não chegou a atrapalhar a progressão de forma significativa.

Por outro lado, os gráficos continuam bastante bonitos para um jogo portátil. Os modelos dos personagens seguem detalhados, os ambientes mantêm boa qualidade visual e a iluminação dentro de cavernas e ruínas ainda impressiona mesmo após tantos anos.

O pacote também chega bastante completo em recursos e conteúdo. Além de incluir todas as DLCs lançadas para o jogo, a edição conta com funcionalidades online, suporte ao modo mouse dos Joy-Con 2, mira por movimento e vibração HD Rumble 2, ampliando as opções para diferentes estilos de jogador.

Ainda assim, a sensação que fica é que a Aspyr adotou uma abordagem bastante conservadora para esse lançamento. Estamos falando de um jogo de 2015 rodando em um hardware que já demonstrou capacidade para entregar resultados muito mais ambiciosos em títulos modernos, o que torna a ausência de um modo de 60 FPS ainda mais difícil de entender.

Vale a pena?

Rise of the Tomb Raider continua sendo um dos melhores jogos protagonizados por Lara Croft e envelheceu surpreendentemente bem. Sua combinação de exploração, combate, quebra-cabeças e narrativa ainda funciona com eficiência e mostra por que ele continua sendo tão lembrado pelos fãs da franquia.

O port para Nintendo Switch 2 poderia ter sido mais ambicioso e certamente se beneficiaria de opções gráficas adicionais ou de um modo com 60 quadros por segundo. Ainda assim, a experiência entregue é competente, estável e traz uma enorme quantidade de conteúdo em um único pacote.

Para fãs de jogos de aventura, exploração e ação cinematográfica, a recomendação continua sendo fácil. Se aparecer em promoção, melhor ainda, mas mesmo pelo preço atual Rise of the Tomb Raider segue sendo uma excelente aventura para levar na mochila e jogar em qualquer lugar.

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Porém, ao que parece, a franquia tem passado por uma boa fase no mundo dos jogos. Após Terminator Resistance, de 2019, ser amado pelos fãs e o anúncio de Terminator Survivors, agora, temos Terminator 2D: No Fate, que busca novamente adaptar o popular segundo filme.

O jogo é desenvolvido pela Bitmap Bureau, a desenvolvedora de Xeno Crisis, um Run n Gun de vista de cima ao melhor estilo arcade. Aqui, o jogo segue os moldes de clássicos como Metal Slug e Contra.

Mas, no final das contas, essa junção funcionou ou foi mais uma tentativa fracassada de adaptar o icônico filme? Confira a review completa agora.

Ficha Técnica

• Jogo: Terminator 2D No Fate

• Desenvolvedora: BitMap

• Lançamento: 12 de dezembro de 2025

• Onde Jogar: PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Series X/S, Nintendo Switch e PC

• Plataforma de Teste: PlayStation 5

• Preço: R$ 169,90

Tiroteio à moda antiga

A gameplay de No Fate funciona como um jogo de correr e atirar de fliperama, aos moldes de Metal Slug, em que se atira em tudo que aparecer na tela, trazendo a diversão de um jogo de fliperama para os consoles.

No jogo, você joga com três personagens: Sarah Connor, a qual será a personagem mais utilizada; John Connor (adulto); e T-800, que é o personagem menos usado na história. Cada personagem possui armas e mecânicas diferentes, a fim de evitar que todos pareçam iguais na gameplay.

Sarah é equipada com uma pistola, com a possibilidade de encontrar outras armas escondidas pelo cenário. John, que é jogável apenas nas fases do futuro, é equipado com rifles de plasma e bombas de cano.

Uma grande diferença do rifle de plasma para as metralhadoras comuns que podemos encontrar nas fases da Sarah é a de que podemos usar Power-Ups aos moldes de Contra para o rifle. Além disso, temos mecânicas de cobertura ao longo das fases do futuro. Já nas fases do T-800, utilizamos mais a força bruta, além de uma metralhadora giratória.

Além disso, para evitar que o jogo caia na repetitividade, temos segmentos de gameplay que fogem do básico correr e atirar, como a parte em que Sarah deve fugir do sanatório, onde o foco é se esgueirar e não ser vista, ou a parte da icônica cena em que o T-1000 persegue John Connor em um caminhão, onde devemos fugir do exterminador.

A melhor coisa sobre a gameplay é quão fácil de entender e intuitiva ela é. Os controles respondem bem, trazendo uma fluidez para o gameplay e garantindo um combate rápido e preciso.

Uma história familiar, porém inédita

O jogo segue a história do filme de maneira fiel, porém tomando algumas liberdades. A começar pelo fato de que, no jogo, foram adicionados momentos que contextualizam a história do filme, além da adição das sessões do futuro.

Além disso, o jogo possui finais alternativos. Porém, as rotas alternativas só são desbloqueadas após a primeira jogatina, que não é muito longa, levando cerca de 30 minutos para terminar o jogo na dificuldade normal. E, por falar em duração, devido às rotas alternativas e à curta duração, No Fate incentiva múltiplas jogadas, justamente para descobrir novos finais, além de desbloquear outros modos de jogo.

De primeira, somente os modos História e Fliperama estão desbloqueados. Esse último é essencialmente o modo História, só que sem vidas extras, que no modo padrão são 3 e podem ser coletadas ao longo das fases.

O modo Fliperama é recomendado para os jogadores mais experientes. Afinal, se perder todas as vidas, você volta do começo do jogo, o que parece uma escolha um tanto estranha para os dias atuais no caso do modo História, que também traz esse detalhe.

Em sequência, é possível desbloquear os modos Boss Rush, Modo Infinito e o modo Mãe do Futuro, que trazem mais diversidade para o gameplay.

O Som do Metal

Destaque tem que ser dado ao trabalho sonoro feito no jogo. Os efeitos sonoros de tiro, tanto das armas de fogo quanto das de plasma, são bastante satisfatórios, assim como os sons das explosões e dos robôs, além das vozes de narração feitas no começo das fases.

Outro grande destaque deve ser dado à excelente trilha sonora composta por Featurecast, que faz um ótimo trabalho em misturar trilhas do filme compostas por Brad Fidel, como o tema principal e o tema do T-1000, com trilhas originais do jogo. Isso é surpreendente, pois geralmente jogos baseados em filmes raramente usam trilhas dos filmes em que são baseados, utilizando temas originais ou temas de filmes anteriores, no caso de franquias.

Um dos maiores acertos da trilha sonora é utilizar elementos clássicos de trilhas de jogos de fliperama, como o uso de guitarras elétricas e batidas eletrônicas, que parecem ter sido tiradas do final dos anos 90.

Terminator 2D: No Fate vale a pena?

No fim, Terminator 2D: No Fate acerta em apostar no simples, com uma divertida gameplay de correr e atirar, além da adição de outros elementos de gameplay para manter a experiência variada durante seu tempo de jogo. Além disso, possui bastante conteúdo extra para manter o jogador interessado.

O jogo possui, além disso, uma bela apresentação com seus gráficos 16-bit. A apresentação ainda inclui belas ilustrações entre as missões, que inclusive utilizam os rostos dos atores, com a exceção de Arnold Schwarzenegger no papel de T-800, devido ao alto custo de se conseguir os direitos de imagem do ator.

Com tudo isso, Terminator 2D: No Fate é uma ótima pedida para os fãs da franquia e fãs de jogos ao estilo retrô, trazendo, enfim, uma adaptação digna do clássico segundo filme para o mundo dos jogos.

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A proposta em seu título de estreia, There Is No Game: Wrong Dimension - uma expansão do projeto vencedor da DeceptionJam de 2015, There Is No Game - é a de permitir que o jogador se distraia do jogo ao fazer coisas fora do comum com ele. Essa brincadeira também está presente em seu jogo seguinte, Crushed in Time.

Não é uma novidade o uso da metalinguagem em jogos — temos vários exemplos na indústria. Coisas como quebrar a quarta parede e falar diretamente com o jogador, brincar com a existência das próprias mecânicas ou fazer referências a outras obras, como filmes, livros e jogos, e até a eventos do mundo real, como a recepção do título anterior da franquia, são exploradas a décadas.

No entanto, vemos um interesse maior em explorar não só a história dos jogos, como também a produção de um. Com mais frequência, os elementos da interface fazem parte da jogabilidade.

Nem sempre o uso da metalinguagem consegue suportar o peso da sua bagagem, principalmente quando ela só serve para nos avisar que os seus autores sabem se tratar de uma obra metalinguística. Felizmente, esse não é o caso de Crushed in Time.

Na verdade, essa é a sua principal arma: uma variedade de estilos de gameplay em que cada passagem tem os seus próprios desafios e cabe ao jogador tomar para si o controle da situação. Confira a seguir o resultado de toda essa “mistureba” em nossa análise, realizada no PC com uma chave cedida pela própria Draw Me A Pixel.

Ficha Técnica

• Jogo: Crushed in Time

• Desenvolvedora: Draw Me A Pixel

• Lançamento: 10/06/2026

• Onde jogar: PC (Steam), está nos planos ser lançado para o iOS, Android e Switch

• Plataforma de teste: PC

• Preço: Em breve

Um visual suave e borrachudo

Os designs dos personagens são bem charmosos, cada um possui uma silhueta muito característica. A movimentação é fluida e presta a atenção nos pequenos detalhes, como os efeitos os sonoros e visuais de quando se estica e solta o que agarramos. É tudo muito bonito e estilizado. As referências a jogos e filmes conseguem despertar memórias mesmo em quem só possui uma ideia vaga sobre o que foi mencionado.

Esse aspecto cartunesco ajuda a dar a “elasticidade” necessária aos cenários. Tudo são formas pontudas e angulosas, as linhas são bastante inclinadas. Lembram aquele estilo vintage dos clássicos desenhos animados da Cartoon Network. É interessante perceber essa mudança de uma pixel arte 2D com tonalidades sombrias da sua aparição anterior em There Is No Game: Wrong Dimension, para esse visual que mistura elementos 2D com 3D em cores vibrantes.

A trilha sonora possui uma variedade, assim como a gameplay. Ela parece seguir a linha de muitos filmes de aventura, quando não estamos perdidos nas anomalias temporais. É uma composição que evoca essa sensação vibrante de estar realizando algo heroico.

Já durante as agitadas transições para mundos paralelos, ela muda para uma música mais intensa, com batidas em um ritmo acelerado. Isso causa a sensação de urgência ideal para a situação. Também há momentos em que a música de fundo é mais calma para que o ambiente seja preenchido pelas vozes em conversas dos personagens - o que inclui a dos game devs.

O trio principal é formado por Sherlock, que exagera um pouco em seu papel de cético do grupo, além de possuir um questionável conhecimento em línguas; Watson, que é um amigo fiel, mas um cavalheiro um pouco covarde; e Emma, que é uma mulher inteligente, empática e elegante, mas de pavio curto. Ainda temos uma figura extra nesse grupo, o misterioso e aparente vilão, Emmett.

Os diálogos tem bastante personalidade e são precisos, eles equilibram um bom senso de humor com funcionalidade. O que combina com e conjunto muito bem humorado de personagens. Sherlock constantemente compete com Emma pela atenção de Watson. A dinâmica entre eles é comicamente interessante. Por isso a localização do texto para o português brasileiro, feita pela Wabbit Translations, foi um acerto.

Estamos consertando o multiverso ou ajudando no desenvolvimento do jogo?

Acompanhamos uma história peculiar, mas “perfeitamente explicável”. O famoso detetive Sherlock Holmes recebe uma carta misteriosa. A sua remetente, uma mulher chamada Emma Files, pede para que Holmes e o Dr. Watson a encontrem em sua mansão.

Porém, quando chegam ao local, eles se deparam com um outro proprietário, o enigmático Emmett Placeholder. No entanto, esta não é a parte mais estranha de toda essa história. Holmes quase não conseguiu ler a tal carta porque ela estava presa ao teto do seu escritório. Quem teve que consertar isso foi você.

Crushed in Time é mais um point-and-click da Draw Me A Pixel no qual invadimos várias “telas” como se estivéssemos atravessando mundos paralelos. O estilo de gameplay também muda durante esses momentos — funcionam como minigames.

Em um capítulo, jogamos em um portatil idêntico ao Game & Watch, em outro mexemos nos aplicativos de um smartphone, ou alteramos a potência em um amplificador de frequência de ondas.

É similar ao que já vimos em There Is No Game: Wrong Dimension. Mas nesta nova aventura, nós também viajamos no tempo - como deve ter ficado claro pelo seu título. Existe uma razão para isso acontecer. Um aparelho chamado TP Tron é capaz de transportar os personagens pelo tempo e espaço.

A sagacidade é que esse deslocamento temporal acontece em meio aos diferentes estágios do desenvolvimento do próprio jogo. O que acompanhamos não é uma típica história de detetive, mas sim o caos nos bastidores dessa produção: personagens somem, os cenários ficam de cabeça para baixo, a força gravitacional exercida sobre alguns elementos está muito forte e há bugs por todo lugar.

Aparentemente isso não é percebido da mesma forma pelos personagens. Mr. Wilhelm, um amigável conspiracionista, tenta explicar para os detetives a sua hipótese de como seres de outros planetas estão interferindo na realidade deles.

Já Emma e Emmett entendem como anomalias geradas pelo colapso do universo. Cada um parece ter a sua própria forma para lidar com você e com os bugs que os cercam. O engraçado é que o mesmo acontece com os game devs.

Desenrolando o passado, o presente e o futuro do jogo

Como já vimos, o jogo é metalinguístico. Algumas dessas piscadelas para o jogador envolvem a mudança de gameplay. Em um determinado momento, ele pode virar um jogo em que todas as suas ações passam a ter que respeitar o ritmo de uma música, ou uma plataforma em que precisamos mover os personagens entre os post-its em um quadro.

Você ainda pode se divertir ao aspirar objetos e lançá-los como se estivesse caçando fantasmas em Luigi’s Mansion. Mas esses elementos não estão presos a um fator nostálgico, eles de fato tecem algum comentário.

Também temos acesso a arquitetura do jogo. É algo similar ao que vemos no recém anunciado, Bradley the Badger, por exemplo. No entanto, se prestarmos atenção, dá para perceber que isso está lá desde o começo, mesmo antes de sermos obrigados a corrigir a configuração de uma cena no Blender.

As similaridades com a interface da engine Unity são discretas nos momentos “normais”, mas está lá desde o formato em mão que a seta do mouse adquire quando você “pega” alguma coisa. Só que essa autorreferência não para no software do jogo.

Também seremos capazes de mexer no que deveria estar fora do ambiente virtual, interferindo até nas etapas iniciais da pré-produção. É esse exagero que traz o charme ao jogo, ele dobra a aposta.

A gameplay fluida de um catch-and-stretch... quero dizer, de um point-and-click

O jogo possuí um único comando: com o mouse, podemos pegar e esticar objetos, personagens ou partes do cenário. Agarre, puxe e solte. Tudo é uma variação disso. Assim você consegue movimentar, rotacionar ou atirar itens. Há também momentos em que a mecânica de puxar exige que você solte no momento certo.

Você também pode esticar a extremidade de um objeto até o alcance de um personagem. Pode empurrar um personagem para outra direção ou ativar um item que chame a atenção dele. Isso ainda irá se expandir quando passarmos a também interferir na arquitetura do jogo, onde poderemos mexer nos componentes da cena.

Os objetivos de cada um dos 10 capítulos são sempre claros e diretos: acorde o Sherlock, leia a carta, encontre uma chave, abra a porta, leve Dr. Watson para perto de Emma, revele uma parede falsa, ajeite um retrato ou colete as engrenagens de um dispositivo. A chave está em como cada cena possui o seu próprio conjunto de desafios.

Às vezes jogamos em um mesmo cenário em sua versão final e depois em uma versão protótipo. A mansão, por exemplo, é o cenário ao qual mais retornamos ao longo do jogo, sempre com alguma novidade, sendo o único local a também possuir uma versão remaster.

Essa dinâmica é divertida e gera uma familiaridade que é muito bem explorada. Em nenhum momento soa como algo repetitivo ou monótono. Mesmo quando a sua jogabilidade é “quebrada” para tecer uma sátira voraz a fórmula das narrativas interativas.

O design dos puzzles é excelente. Boa parte dos quebra-cabeças são resolvidos quando se observa com curiosidade a ação que cada interação permitida pode gerar. Até mesmo os comentários jocosos dos personagens entregam pistas do que deve ser feito.

O jogo consegue surpreender ao trazer, a cada cena, uma maneira inventiva de interagir com a sua própria interface, mas sem deixar de ser bastante intuitivo. É essa, perdão pelo trocadilho, “flexibilidade” o que torna divertido destrinchar cada sessão. É engraçado as situações que você acaba gerando para poder cumprir os seus objetivos.

Em geral, somos muito mal educados com os personagens. Podemos precisar roubar ou entregar algo em suas mãos. Ou importuna-los com beliscões e sustos, entre outras pequenas agressões. Podemos até mesmo estimular brigas entre eles. É uma relação conturbada, mais para eles do que para nós. Por isso que a nossa presença é tratada como algo extraterrestre pelo Mr. Wilhelm. Às vezes não sei dizer se somos nós que os ajudamos ou eles que nos atrapalham. Os coitados sofrem nas nossas mãos, mas é por uma boa causa.

Vale a pena quebrar a cabeça com Crushed in Time?

Com certeza! Toda a expertise da Draw Me A Pixel entregou um jogo bem revigorante para 2026. Considero Crushed in Time um dos destaques de junho e aprecio o seu carisma e simplicidade. Tudo nele é muito bem arrojado e é uma boa pedida para os amantes de point-and-clicks. Vale ressaltar que ele é um jogo curto, dura em torno de umas 7 horas uma primeira vez.

A versão que joguei possui alguns poucos bugs não diegéticos, digamos assim. Alguns deles são só visuais e sonoros, mas outros deixam a tela não interativa, impedindo o progresso — O estúdio informou estar ciente da maioria desses problemas e que já está resolvendo-os.

Só me deparei duas vezes com esse último e uma delas foi no final do capítulo 7. Saí do jogo depois do salvamento automático, mas quando voltei, a tela estava toda preta. Ainda dava para escutar o áudio e a cena em si parecia transcorrer normalmente, inclusive ainda era interativa, mas eu não conseguia enxergar nada. Reiniciar o jogo não resolveu.

Caso o leitor ainda esteja com dúvidas, indico começar por aquele que é o embrião das suas ideias - principalmente desse estilo bem humorado de metalinguagem -, There Is No Game - Jam Edition. Ele está disponível gratuitamente na plataforma da Steam e no Google Play.

No entanto, para quem já curte esse tipo de experiência, Crushed in Time certamente é uma viagem que vai te divertir.

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Enquanto Hollywood ainda tenta decidir qual será o próximo rosto do agente 007 após a saída de Daniel Craig, a IO Interactive simplesmente foi lá e entregou uma das adaptações mais interessantes do personagem em décadas. 007 First Light já está disponível, vendeu mais de 1,5 milhões de cópias e está entre os jogos com melhor recepção do ano.

Enquanto testava o jogo para essa review, lembrei bastante de uma fala do diretor brasileiro Kleber Mendonça Filho sobre o filme O Agente Secreto. O cineasta escolheu esse nome porque queria algo “curto e sexy” para definir o projeto, capaz de transmitir intriga, mistério, violência e ação. E sinceramente? Não existe termo melhor que “sexy” para definir o novo game da IO Interactive.

007 First Light é sexy porque entende perfeitamente o que faz James Bond funcionar. O jogo sabe ser elegante, perigoso, sedutor, exagerado e emocional ao mesmo tempo. Mais do que adaptar o personagem para os videogames, a IO consegue atualizar Bond para uma geração que talvez nunca tenha assistido aos filmes antigos, mas que pode se interessar pelo universo gigantesco do espião britânico.

E digo isso como alguém que entrou em First Light depois de maratonar os filmes mais recentes da franquia. Enquanto jogava, comecei a ficar interessada em revisitar as produções antigas, procurar mais sobre os livros de Ian Fleming e entender como James Bond conseguiu atravessar tantas gerações sem perder relevância.

Poucos jogos conseguem despertar esse tipo de curiosidade fora da tela — e isso já diz muito sobre o trabalho da IO Interactive.

Ficha Técnica

• Jogo: 007 First Light

• Desenvolvedora: IO Interactive

• Lançamento: 27 de maio de 2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: PS5

• Preço: A partir de R$ 299

A história não contada de James Bond

Mesmo quem nunca assistiu a um filme inteiro de 007 provavelmente sabe quem é James Bond. Criado por Ian Fleming nos livros e eternizado no cinema por diferentes atores ao longo das décadas, o personagem virou um dos maiores símbolos da cultura pop quando o assunto é espionagem.

No entanto, existe algo muito inteligente na decisão da IO Interactive de não tentar simplesmente recriar os filmes. Em vez de adaptar uma história conhecida ou apostar em nostalgia pura, 007 First Light cria uma nova origem para Bond.

Aqui, acompanhamos um James Bond de apenas 26 anos, recém-recrutado pelo MI6 e ainda longe de se tornar o agente lendário conhecido mundialmente. Ele é impulsivo, arrogante, carismático e claramente imaturo em muitos momentos.

A narrativa começa após um ato heroico colocar Bond no radar do programa Double-0. Em meio a uma nova era tecnológica, onde inteligências artificiais e computadores quânticos começam a dominar operações de espionagem, M decide apostar novamente no fator humano — e é aí que Bond entra em cena.

Interpretado por Patrick Gibson, o personagem ganha uma humanidade que raramente aparece nas versões mais clássicas do espião. Pela primeira vez, vemos Bond tentando entender quem ele é enquanto aprende como sobreviver dentro de um sistema que exige frieza absoluta.

Ao lado de personagens como Greenway, Cressida e Monroe, o protagonista acaba mergulhando em uma conspiração que cresce constantemente durante a campanha. Assim como nos filme e livros, a narrativa inclui viagens pelo mundo, momentos de ação de tirar o fôlego e, claro, muitas mulheres poderosas e sedutoras.

O mais interessante é como o jogo entende que James Bond não pode viver apenas de nostalgia: First Light moderniza o personagem sem destruir sua essência. Ainda temos perseguições absurdas, sedução, frases de efeito, gadgets malucos e conspirações internacionais, mas tudo isso aparece dentro de uma narrativa mais emocional e contemporânea.

Considerando que a franquia nasceu durante a Guerra Fria e já se reinventou múltiplas vezes, a IO Interactive não fez nada de revolucionário. Ainda assim, a abordagem de First Light mostra que a empresa realmente se preparou e fez um jogo com carinho e atenção.

IO Interactive encontra equilíbrio perfeito entre Hitman e Uncharted

Antes do lançamento, existia uma dúvida gigantesca sobre como a IO Interactive adaptaria sua fórmula de Hitman para James Bond. Afinal, apesar das duas franquias envolverem espionagem, o ritmo delas é completamente diferente.

Felizmente, o estúdio não tentou transformar Bond em uma versão com cabelo do Agente 47. 007 First Light funciona como uma mistura extremamente inteligente entre a liberdade estratégica de Hitman e a pegada cinematográfica de Uncharted e The Last of Us. Com isso, temos um gameplay variado e criativo durante uma história de 10 capítulos de aproximadamente 15 horas.

Grande parte da campanha é linear e altamente orquestrada, cheia de perseguições, explosões, Quick Time Events e momentos claramente inspirados nos filmes. Isso já é bem divertido, principalmente pra quem viu os filmes de 007, mas é quando o jogo abre espaço para experimentação que tudo realmente brilha.

Cada missão oferece múltiplas formas de lidar com os objetivos. Dá para agir silenciosamente, improvisar situações, usar gadgets para criar distrações ou simplesmente partir para o combate direto quando tudo dá errado. E quase sempre tudo dá errado.

Bond ainda não possui licença livre para matar durante boa parte da campanha, então furtividade e improviso acabam sendo essenciais — é aqui que aparecem os melhores elementos herdados de Hitman. Você pode blefar para entrar em áreas restritas, ouvir conversas escondido, usar disfarces ou manipular o ambiente para eliminar inimigos sem chamar atenção.

Os gadgets, inclusive, são um espetáculo à parte. O relógio hacker, os fones explosivos, a câmera de impacto e até uma caneta que lança míssil fazem o jogo abraçar completamente o lado exagerado da franquia. E felizmente a IO entende que esse exagero faz parte do charme de James Bond.

O mais impressionante é como tudo se encaixa naturalmente durante as missões. Em alguns momentos você está se infiltrando silenciosamente em um resort no Vietnã; minutos depois, já está trocando tiros em corredores destruídos enquanto tenta sobreviver com pouca munição.

Combate entrega ação brutal e extremamente satisfatória

Quando a furtividade falha, o combate assume o protagonismo — e felizmente ele também funciona muito bem. Seja com armas ou na mão, o jogo entrega animações e uma experiência de alto nível.

As lutas corpo a corpo são excelentes. Bond pode bloquear ataques, agarrar inimigos, usar o cenário a seu favor e finalizar adversários com animações extremamente cinematográficas. Existe peso nos golpes, impacto nas finalizações e uma brutalidade que lembra bastante os filmes estrelados por Daniel Craig.

O gunplay também surpreende. Os tiroteios usam um sistema de cobertura bastante funcional e geralmente trabalham com recursos limitados, obrigando o jogador a improvisar durante os confrontos. Em alguns momentos, precisei trocar constantemente de arma enquanto fugia de inimigos mais resistentes, e isso acabou criando cenas caóticas que pareciam saídas diretamente de No Time To Die.

Outro detalhe interessante é como o jogo recompensa criatividade. Dá para usar objetos do cenário para derrubar inimigos, explodir estruturas ou criar distrações no meio do combate. Você realmente vê utilidade nos gadgets e na observação durante todo o gameplay.

Por outro lado, existe um pequeno problema no ritmo causado pelas mortes. Jogando na dificuldade recomendada, alguns chefes e sequências mais intensas podem matar rapidamente, e os loadings após morrer acabam demorando um pouco mais do que deveriam para os padrões atuais.

Não chega a estragar a experiência, mas quebra um pouco da adrenalina em certos momentos. Ainda assim, o saldo é extremamente positivo: First Light consegue entregar um gameplay variado do começo ao fim, algo raro em campanhas cinematográficas modernas.

Um James Bond mais humano — e talvez um dos melhores já feitos

Se existe algo que realmente me surpreendeu em First Light, foi o cuidado da IO Interactive ao trabalhar o lado emocional do personagem. Bond continua sendo confiante, sedutor e sarcástico, mas agora também parece vulnerável. O jogo explora inseguranças e impulsividade do protagonista enquanto ele tenta descobrir qual é seu lugar naquele universo.

Isso aproxima bastante o personagem da abordagem utilizada nos filmes com Daniel Craig, mas sem abandonar completamente o charme clássico da franquia. Patrick Gibson entrega uma atuação excelente e consegue equilibrar arrogância e humanidade de forma muito convincente.

O mesmo vale para Lennie James como Greenway, que funciona como um mentor duro, mas emocionalmente complexo. O restante do elenco também impressiona bastante. — e isso merece destaque porque adaptações de games com atores famosos nem sempre conseguem entregar boas performances.

Aqui, felizmente, tudo funciona. As expressões faciais, a captura de movimentos e a direção cinematográfica ajudam a transformar várias cenas em momentos realmente memoráveis. Existe um cuidado visível na construção dos diálogos e relações entre os personagens.

First Light entende que James Bond não precisa ser apenas uma fantasia de poder masculina parada nos anos 60. O personagem ainda pode ser estiloso e exagerado, mas agora também parece alguém real.

Visual cinematográfico impressiona no PS5

Visualmente, 007 First Light é um absurdo. A IO Interactive entrega uma experiência extremamente cinematográfica, com cenários variados e uma direção de arte elegante do começo ao fim. O jogo viaja constantemente entre diferentes países e ambientes, indo de resorts luxuosos até instalações tecnológicas gigantescas e mercados clandestinos.

Os modelos dos personagens impressionam bastante, principalmente durante closes e diálogos mais dramáticos. O cabelo de Bond, as roupas, as animações faciais e até pequenos detalhes de iluminação ajudam a vender a fantasia de estar participando de um blockbuster interativo.

No PS5 Pro, a experiência foi bastante sólida, mas acabei encontrando alguns problemas. O desempenho se manteve estável na maior parte do tempo, sem quedas graves de framerate ou bugs capazes de comprometer a experiência.

No entanto, o jogo teve crashs três vezes: uma no começo do game, já na primeira cutscene, e outras duas vezes no final. Em um dos momentos do último capítulo, inclusive, eu só consegui progredir após desabilitar todos os efeitos visuais disponíveis, incluindo o HDR.

As legendas em português brasileiro também ajudam muito na imersão. Porém, alguns blocos de texto aparecem grandes demais em determinadas cenas, algo que claramente pode ser ajustado em futuros patches.

Vale a pena?

Depois do fim da era Daniel Craig, existia uma sensação estranha de vazio ao redor de James Bond. Enquanto a franquia não continua nos cinemas, 007 First Light chega sem tentar apagar o passado da franquia, mas entendendo perfeitamente o legado do personagem.

Usando toda a sua expertise, a IO Interactive entrega um jogo que respeita profundamente o legado do personagem enquanto cria algo novo e empolgante. Nada revolucionário, mas bem feito e divertido de se jogar.

Para quem gosta de jogos cinematográficos, espionagem, ação e narrativas cheias de tensão, First Light é praticamente obrigatório. Já para fãs antigos da franquia, o jogo funciona quase como uma carta de amor interativa ao universo criado por Ian Fleming.

No meu caso, terminou despertando algo ainda mais raro: vontade de mergulhar ainda mais nesse universo. 007 First Light não é apenas o melhor jogo de James Bond já feito. O título também um lembrete de que algumas franquias clássicas ainda tem espaço em um mundo moderno, servindo de porta para tudo que já veio antes.

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Sendo o quarto jogo da franquia Lego Batman, que começou com o clássico Lego Batman The Videogame, de 2008, o título também é o segundo jogo da nova fase da Traveller’s Tales, iniciada com Lego Star Wars The Skywalker Saga, lançado em 2022. Agora, resta saber se o estúdio alcançou as expectativas do público e se vale a pena ou não dar uma chance ao projeto.

Confira, a seguir, a review de Lego Batman Legacy of the Dark Knight.

Ficha Técnica

• Jogo: Lego Batman Legacy of the Dark Knight

• Desenvolvedora: Traveller’s Tales

• Lançamento: 22 de maio de 2026

• Onde Jogar: PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de Teste: PC

• Preço: A partir de R$299,99 — R$269,90 em promoção na Nuuvem.

Um legado inteiro em um jogo

Legacy of the Dark Knight é desenvolvido pela Traveller’s Tales, estúdio já consagrado na franquia Lego. Foi ela quem iniciou essa jornada em 2008 com Lego Batman The Videogame, título que deu início à franquia nos jogos. Depois, tivemos em 2012 a sequência Lego Batman 2 DC Super Heroes, que trouxe mudanças significativas para os jogos Lego como um todo, adicionando pela primeira vez diálogos falados — antes limitados a grunhidos — e também um mundo aberto.

Já em 2014 e 2018 tivemos Lego Batman 3 Beyond Gotham e Lego DC Super Villains, jogos que não fizeram mudanças tão grandes, mas evoluíram o que já havia sido estabelecido anteriormente. Porém, foi em 2022, com a chegada de Lego Star Wars The Skywalker Saga, que tudo mudou.

A coletânea de Star Wars reformulou completamente a fórmula da franquia e fez sucesso. O título mudou a câmera para uma perspectiva em terceira pessoa, atrás dos personagens, e aproximou a experiência de um AAA moderno, mas com o tempero de Lego.

O novo jogo da DC traz como proposta contar uma história completa do Batman — e quando digo completa, é “completa” mesmo. Legacy of the Dark Knight acaba passando por seu treinamento, suas primeiras missões e até mesmo pelo surgimento do seu ajudante Robin, fazendo disso uma verdadeira homenagem ao personagem.

Uma grande homenagem

Além da proposta de revisitar toda a trajetória do Homem-Morcego, o jogo também funciona como uma grande celebração da história do personagem em diferentes mídias. Legacy of the Dark Knight mistura referências de quadrinhos, séries, animações e principalmente dos filmes do Batman, trazendo visuais, trajes e interpretações inspiradas em produções clássicas e modernas do herói.

Entre os destaques estão skins e versões baseadas em adaptações famosas do cinema, incluindo a Mulher-Gato de Michelle Pfeiffer e o Pinguim de Danny DeVito em Batman: O Retorno, além do Coringa inspirado na versão de Heath Ledger em Batman: O Cavaleiro das Trevas e o Jim Gordon baseado na interpretação de Jeffrey Wright em The Batman, de 2022.

O jogo também aposta pesado na famosa galeria de vilões do personagem. Além de nomes clássicos como Coringa, Pinguim, Hera Venenosa, Duas-Caras, Sr. Frio e Charada, o game ainda traz participações de personagens menos conhecidos, como Condiment King, Calendar Man, Kite Man e até o Gentleman Ghost, funcionando quase como uma carta de amor ao universo do Cavaleiro das Trevas.

Outro detalhe interessante é como o jogo passeia por diferentes momentos da carreira do Batman. A campanha começa ainda no treinamento de Bruce Wayne com a Liga das Sombras e vai evoluindo até a formação completa da Batfamília, com Robin, Asa Noturna e Batgirl assumindo papéis importantes na história. Tudo isso enquanto Gotham se transforma constantemente, trazendo locais icônicos como o Asilo Arkham, a ACE Chemicals e a Torre Wayne para exploração no mundo aberto.

Uma gameplay familiar

Um dos maiores motivos do hype para o jogo era o sistema de combate, que lembrava os jogos da série Arkham. O retorno ao estilo freeflow da franquia levantava dúvidas sobre como isso funcionaria em um jogo Lego.

Felizmente, o combate funciona maravilhosamente bem, possuindo a fluidez característica dos jogos Arkham, mas com a leveza da franquia dos bloquinhos. E não é para menos, já que o jogo conta com o envolvimento de desenvolvedores da Rocksteady, estúdio responsável pelos jogos Arkham.

O combate funciona de maneira bastante similar à dos jogos Arkham, trazendo botão de ataque e contra-ataque, além da possibilidade de usar gadgets como o batarangue e o batgancho para ajudar durante as lutas. O jogo também conta com uma árvore de habilidades para fortalecer os personagens.

Por falar em personagens, Lego Batman possui apenas sete jogáveis, algo que assustou muitos fãs, já que estamos acostumados a jogos Lego com pelo menos 100 personagens disponíveis. Porém, aqui essa quantidade reduzida funciona a favor do gameplay, já que permite que cada personagem possua habilidades únicas.

A quantidade limitada, mas bem trabalhada, evita a sensação de estarmos jogando com o mesmo personagem apenas com uma aparência diferente. Um bom exemplo disso é o lançador de cabos dos Robins ou a arma de espuma do Comissário Gordon, que são úteis tanto no combate quanto nos puzzles.

O jogo também traz de volta o mundo aberto, oferecendo uma Gotham inteira para explorar. Assim como nos jogos Arkham, a cidade é dividida por distritos e recheada de coletáveis, incluindo a presença dos famosos troféus do Charada vindos da série da Rocksteady.

O mundo aberto pode ser explorado tanto utilizando veículos, como o Batmóvel, quanto planando, já que todos os personagens possuem algum tipo de planador. Isso ajuda bastante na locomoção, com a dirigibiliade funcionando muito bem dentro do gameplay.

Ainda sobre o mundo aberto, o jogo apresenta problemas de stuttering, especialmente na versão de PC. O problema vem do uso da temida Unreal Engine 5 e aparece com mais frequência durante a exploração da cidade. Felizmente, isso acontece menos em missões fechadas, mas ainda pode ser motivo de irritação para alguns jogadores.

Vale ressaltar que o jogo conta suporte para multiplayer local para até duas pessoas, algo raro em games de grande porte atuais. O título também conta com suporte para compartilhamento de família da Steam, outro diferencial interessante.

Uma história em construção

Legacy of the Dark Knight tem a difícil tarefa de condensar grande parte da história do Homem-Morcego em uma única aventura. Dito isso, ele consegue executar essa tarefa de forma competente, mesmo com alguns tropeços.

A obra tem como principal inspiração os filmes do herói, apesar de também beber de referências vindas dos jogos, séries e quadrinhos. Ainda assim, sua principal base são os longa-metragens do personagem.

O jogo possui uma estrutura dividida em seis capítulos, e a aventura pode ser encerrada em cerca de 12 horas. Por não se prender a adaptar fielmente nenhuma obra específica, o jogo evita, em boa parte, o maior problema de Lego Star Wars The Skywalker Saga: a sensação de que tudo acontece de forma corrida.

Como aqui não existe um roteiro específico para seguir, a narrativa consegue respirar melhor. Mesmo assim, alguns capítulos acabam sendo rápidos demais e um tanto curtos.

Além disso, o jogo cai em uma fórmula repetitiva: introdução, seguida de missões de mundo aberto investigando o vilão principal do capítulo e, depois, algumas fases antes do confronto final. Felizmente, essa estrutura funciona bem na maior parte do tempo, já que são poucos os capítulos realmente prejudicados pelo ritmo acelerado.

Já no departamento de som, Legacy of the Dark Knisht entrega uma experiência bastante mista. No quesito sonoplastia, os efeitos sonoros funcionam muito bem, principalmente durante os combates e na destruição de objetos.

Por outro lado, a trilha sonora deixa um pouco a desejar. Diferente dos Lego Batman anteriores, que utilizavam a clássica trilha composta por Danny Elfman para o Batman de 1989, aqui optaram por uma trilha original que acaba carecendo de impacto.

No geral, faltam melodias realmente marcantes, o que faz com que alguns momentos importantes não tenham o peso esperado. O jogo até utiliza algumas músicas clássicas dos filmes anteriores, mas isso acontece em pouquíssimos momentos.

Lego Batman Legacy of the Dark Knight vale a pena?

Apesar dos defeitos, Legacy of the Dark Knight constrói uma experiência divertida e marcante. o jogo certamente irá agradar tanto os fãs do herói que estavam com saudades de um novo título do personagem quanto os fãs de Lego que queriam o retorno dessa clássica franquia.

Porém, os jogadores de PC devem ter em mente que, embora o desempenho geral seja satisfatório, o jogo sofre com problemas de stuttering, o que pode incomodar bastante algumas pessoas. Porém, isso é um problema técnico que pode ser corrigido com o tempo — ou driblado por quem possui um computador mais potente.

No geral, Lego Batman Legacy of the Dark Knight é uma experiência divertida, acessível e capaz de agradar fãs de todas as idades, sendo um dos grandes jogos de 2026. Entre blocos e morcegos, o título não apenas resgata a essência dos clássicos jogos Lego, como também entrega uma das homenagens mais completas ao Batman já feitas nos videogames.

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Por isso, Paralives carrega um peso enorme nas costas. O projeto indie financiado pela comunidade passou anos sendo tratado quase como uma lenda urbana dos fãs cansados das limitações e políticas da EA Games. A promessa era pegar desejos antigos da comunidade e construir um simulador de vida mais aberto, criativo e flexível — e sem um mar de DLCs pagos.

Depois de muito tempo acompanhando trailers, atualizações e promessas, finalmente chegou a hora de testar o jogo em acesso antecipado. E, como esperado, a verdade é que Paralives ainda está longe de ser um produto finalizado. Há bugs, sistemas incompletos e recursos ausentes que ficam bastante evidentes logo nas primeiras horas.

Ainda assim, também existe algo muito importante aqui: visão. Mesmo em acesso antecipado, o jogo já mostra ideias extremamente inteligentes e entende profundamente o que os fãs do gênero procuram há anos.

Confira, a seguir, como foi a nossa experiência com Paralives no PC durante o acesso antecipado, em uma review feita com uma cópia cedida pela desenvolvedora.

Ficha técnica

• Jogo: Paralives

• Lançamento: 25 de maio de 2026 (Acesso antecipado)

• Onde jogar: PC e Mac

• Plataforma de teste: PC

• Preço: R$ 107,99

Paralives entende os fãs de The Sims como poucos jogos entendem

É impossível falar de Paralives sem mencionar The Sims. E honestamente? O próprio jogo sabe disso. Toda a estrutura da experiência parece construída em cima de anos ouvindo reclamações, desejos e frustrações da comunidade de simuladores de vida.

Enquanto InZoi, que saiu ano passado, aposta em realismo extremo e gráficos ultradetalhados, Paralives segue um caminho completamente diferente e mais próximo do título da EA. O visual cartunesco, quase ilustrado em alguns momentos, dá ao jogo uma identidade muito mais própria e acolhedora. Existe algo extremamente charmoso na direção de arte escolhida pelo pequeno time de 15 desenvolvedores.

Pessoalmente, eu gostaria até que o jogo exagerasse ainda mais nessa identidade visual. Ainda assim, o resultado já funciona muito bem porque evita a comparação direta com simuladores hiper-realistas e cria um espaço próprio. Paralives parece confortável em ser “game”, e não uma simulação fotográfica da vida.

Mas o que realmente impressiona é como pequenos recursos conseguem causar impacto imediato em quem joga simuladores há anos. A possibilidade de alterar livremente a altura dos personagens, por exemplo, parece algo tão básico que chega a ser estranho perceber que franquias gigantes nunca implementaram isso direito. Em poucos minutos, Paralives já entrega aquela sensação de “como ninguém pensou nisso antes?”. E isso acontece o tempo inteiro.

O modo construção é o verdadeiro protagonista da experiência

Se existe uma área em que Paralives já consegue competir seriamente com gigantes do gênero, é no modo construção. Na prática, ele parece pegar várias limitações históricas de The Sims e simplesmente perguntar: “e se a gente deixasse o jogador fazer o que quiser?”. O resultado é um sistema extremamente livre, intuitivo e criativo.

As paredes curvas são provavelmente o maior símbolo disso tudo. Mesmo ainda incompletas — atualmente não recebem janelas, por exemplo —, elas já transformam completamente o potencial criativo das construções. Casas deixam de parecer blocos quadrados engessados e ganham formatos muito mais orgânicos.

A liberdade de posicionamento dos móveis também chama atenção imediatamente. É possível girar objetos em diferentes ângulos, posicioná-los sem depender de grades fixas e redimensionar praticamente tudo. Um armário pequeno pode virar um armário gigante ocupando uma parede inteira. Uma cama simples pode se transformar em uma king size em segundos.

O círculo cromático para personalização talvez seja outro detalhe aparentemente simples, mas que muda completamente a experiência. Poder alterar cores, estampas e materiais livremente faz uma diferença absurda para quem gosta de criar ambientes únicos. É quase engraçado perceber como um recurso que já existia em The Sims 3 virou um diferencial gigantesco em 2026.

Ao mesmo tempo, o acesso antecipado deixa várias limitações evidentes. Algumas ferramentas parecem incompletas ou pouco claras na interface, o que pode dar trabalho até mesmo jogadores mais experientes.

Além disso, construir ainda pode ser confuso em alguns momentos. Remover apenas pequenos trechos de paredes, por exemplo, não é intuitivo e frequentemente exige apagar estruturas inteiras junto de todos os objetos acoplados nelas.

E existe uma ausência impossível de ignorar: piscinas. Sim, estamos vivendo o lançamento de The Sims 4 tudo de novo. A diferença é que, aqui, o estúdio já confirmou que piscinas chegarão futuramente durante o acesso antecipado, junto de estações do ano, pets, veículos e diversos outros sistemas gratuitos.

Considerando o tamanho da equipe e o estado atual do projeto, dá para entender a escolha de priorizar primeiro as bases do jogo para depois construir algo mais completo.

Criar personagens é divertido justamente porque parece simples

O Paramaker, nome dado ao criador de personagens, segue a mesma filosofia do modo construção: liberdade acima de tudo. A já mencionada mudança de altura já ajuda bastante na diversidade visual dos personagens, mas o sistema vai além.

Há ferramentas intuitivas para edição facial, customização corporal, tatuagens e até assimetria em elementos específicos, como olhos e meias. Além disso, mais uma vez, o círculo cromático rouba a cena.

Poder escolher exatamente o tom do cabelo, maquiagem, roupas e estampas faz uma diferença gigantesca para quem gosta de criar personagens específicos. É o tipo de ferramenta que aumenta absurdamente o senso de pertencimento do jogador dentro do mundo criado.

A parte de personalidade, por outro lado, ainda parece simples demais. O sistema lembra bastante The Sims 2, utilizando pontos distribuídos em categorias específicas, mas falta profundidade nas consequências dessas escolhas.

Mesmo assim, já dá para perceber que Paralives tenta fazer as relações sociais funcionarem de maneira mais lógica e transparente. Durante minhas partidas, por exemplo, interações sociais variavam bastante dependendo do humor, necessidades e personalidade do personagem.

O jogo até exibe porcentagens e pequenas roletas indicando a chance de sucesso em flertes ou interações específicas — quase como se finalmente estivéssemos vendo os bastidores matemáticos que sempre existiram escondidos em The Sims. Isso torna as relações menos aleatórias e mais compreensíveis para o jogador.

Ainda assim, algumas limitações incomodam bastante no estado atual do acesso antecipado. A impossibilidade de telefonar para NPCs, por exemplo, virou um problema real quando joguei com um personagem solo. Pequenos sistemas sociais ainda parecem incompletos e deixam clara a sensação de que o jogo ainda está em construção.

O mundo aberto faz Paralives parecer vivo

Enquanto o jogo traz uma base sólida na construção e personagens, talvez o maior diferencial estrutural de Paralives esteja no mundo aberto. E aqui não estamos falando apenas de “andar sem loading”: o que impressiona mesmo é como o jogo utiliza isso para incentivar exploração de verdade.

A cidade já chega recheada de restaurantes, lojas, museus e espaços coletivos sem exigir dezenas de expansões pagas logo de cara. Existe uma sensação constante de que aquele espaço foi pensado para ser vivido, não apenas visitado.

Outro detalhe muito inteligente é a forma como os ambientes internos são carregados apenas quando necessário — e mesmo assim sem telas de carregamento tradicionais. Isso mantém a fluidez da exploração e evita interrupções constantes.

O jogo ainda adiciona pequenas atividades secundárias que ajudam bastante na imersão. O sistema de doações para museus e centros comunitários lembra bastante Stardew Valley e funciona surpreendentemente bem como incentivo de exploração e coleta.

Inclusive, essa talvez seja uma das maiores qualidades de Paralives até agora: ele entende muito bem mecanismos de engajamento aconchegantes. Existe uma atmosfera extremamente acolhedora no jogo, algo que conversa diretamente com o público que cresceu transformando simuladores de vida em jogos de conforto.

Pequenos detalhes mostram o carinho do estúdio

Um dos exemplos mais curiosos do cuidado do estúdio por trás do game é o jornal diário. Enquanto The Sims tradicionalmente despeja notificações incessantes em pop-ups que interrompem a experiência o tempo inteiro, Paralives transforma os acontecimentos do dia em um jornal matinal estilizado.

Parece um detalhe pequeno (e talvez seja mesmo), mas ajuda absurdamente na imersão. Ler notícias sobre eventos da cidade, problemas no transporte ou rumores locais faz o mundo parecer mais vivo. E claro: quando uma dessas notícias menciona futuros pets chegando ao jogo, é impossível não ficar animado.

Esse tipo de cuidado aparece constantemente na experiência. Dá para perceber que Paralives nasceu de pessoas que realmente entendem o gênero e passaram anos observando o que os jogadores queriam e aguardavam há anos.

O fato do projeto ter sido financiado pela comunidade, alcançado mais de 1,2 milhão de listas de desejos na Steam e prometer expansões gratuitas ao invés de DLCs pagos também ajuda a explicar a empolgação em volta do game.

Paralives ainda é um acesso antecipado — e isso fica evidente

Mesmo com tanto potencial, é importante reforçar: este não é um jogo finalizado. Há bugs durante o gameplay, sistemas incompletos, mecânicas ausentes e interfaces que ainda precisam de refinamento. Algumas animações parecem limitadas, certas interações sociais carecem de profundidade e vários recursos prometidos ainda não existem.

Mas honestamente? Para quem joga simuladores de vida há anos, isso dificilmente será um choque. A diferença é que Paralives já chega entregando algumas soluções que fãs pedem há décadas em franquias gigantescas. E talvez isso seja justamente o mais impressionante.

Mesmo com orçamento infinitamente menor, uma equipe pequena e um acesso antecipado claramente em evolução, o jogo consegue transmitir personalidade própria e visão criativa. O time também possui um roadmap gigante com promessas e trabalho em desenvolvimento, o que dá confiança na evolução constante do projeto.

Vale a pena?

Se você espera um “The Sims definitivo” já no lançamento do acesso antecipado de Paralives, talvez seja melhor controlar as expectativas. O jogo independente ainda está em desenvolvimento e isso aparece constantemente durante a experiência.

Agora, se você gosta de simuladores de vida, construção criativa e quer acompanhar o nascimento de algo extremamente promissor, Paralives já vale a atenção. Especialmente para quem cresceu jogando The Sims, existe uma sensação quase emocional em perceber um concorrente finalmente tentando inovar de verdade dentro do gênero.

O jogo vai além de apenas copiar fórmulas. Mesmo com problemas esperados, Paralives mostra que é feito por que as pessoas amam esse tipo de jogo há tanto tempo. Em seu estado atual, Paralives ainda não destrona The Sims, mas definitivamente mostra que o trono já não parece tão confortável assim e pode ganhar um novo dono no futuro, depois de atualizações e ajuda de quem mais importa: a comunidade.

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