Nós tivemos a oportunidade de testar o game no Nintendo Switch 2 e a experiência surpreendeu bastante. Com a promessa de rodar a 60 frames por segundo tanto no modo portátil quanto no dock, a nova versão entrega praticamente tudo o que tornou Devil May Cry 5 um dos grandes jogos de ação dos últimos anos.

Ficha técnica

• Jogo: Devil May Cry 5: Devil Hunter Edition

• Lançamento: 23 de junho de 2026

• Onde jogar: Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 199 (R$ 149,25 durante a promoção de lançamento)

Um espetáculo de ação que continua envelhecendo muito bem

Mesmo sete anos após seu lançamento original, Devil May Cry 5 continua sendo uma aula de como construir um jogo de ação estiloso e divertido. A campanha acompanha Nero, Dante e o misterioso V em uma missão para impedir que o Rei Demônio Urizen destrua Red Grave City, dando sequência aos acontecimentos de Devil May Cry 4 sem abrir mão do tom exagerado e carismático que define a franquia.

A história consegue equilibrar cenas de ação grandiosas com momentos mais emocionais, explorando temas como família, legado e rivalidade sem deixar o ritmo cair. Mesmo sem entregar spoilers importantes, dá para dizer que o roteiro oferece alguns dos momentos mais marcantes da série, principalmente para quem acompanha a saga dos filhos de Sparda desde os primeiros jogos.

Se você gostou do estilo dos jogos anteriores e ainda não conhece o game mais recente da franquia, certamente vai se divertir. E se você está completamente por fora do universo de Devil May Cry, aqui é a melhor forma de começar, com um título que exala aura e traz um gameplay diversificado e apaixonante.

Três protagonistas fazem o combate nunca ficar repetitivo

O grande diferencial de Devil May Cry 5 continua sendo a forma como cada personagem muda completamente a maneira de jogar. Em vez de apenas trocar armas ou habilidades, Nero, Dante e V praticamente transformam cada missão em uma experiência diferente.

Nero aposta nos Devil Breakers, braços mecânicos que oferecem poderes variados e incentivam estratégias diferentes durante os confrontos — além de render ótimas interações com a inventora Nico. Além disso, o personagem conta com uma espada que pode ser acelerada durante a batalha, um toque cheio de personalidade.

Já V luta de forma pouco convencional ao controlar três familiares demoníacos que atacam os inimigos enquanto ele permanece na retaguarda. Isso cria um estilo que exige mais posicionamento e gerenciamento dos companheiros, garantindo uma jogabilidade diferente, mas que não abre mão da ação constante.

Dante, que aparece no decorrer do jogo, continua sendo o personagem mais completo do elenco, reunindo diversas armas corpo a corpo, armas de fogo e quatro estilos de combate que podem ser alternados em tempo real. A enorme quantidade de possibilidades faz dele o protagonista com maior curva de aprendizado, mas também o mais recompensador para quem gosta de criar combos elaborados e buscar as melhores notas de estilo.

Toda essa variedade faz com que o combate dificilmente fique repetitivo, já que o jogo incentiva o jogador a variar ataques em vez de repetir sempre os mesmos golpes. O famoso sistema de ranking da franquia também recompensa criatividade, esquivas bem executadas e combos longos, transformando cada batalha em um verdadeiro espetáculo de ação.

Como se isso já não bastasse, a Devil Hunter Edition ainda inclui todo o conteúdo lançado anteriormente, incluindo a campanha de Vergil como personagem jogável. Isso aumenta bastante a longevidade do pacote e oferece mais um estilo de combate para quem deseja dominar um dos personagens mais icônicos da franquia.

O Switch 2 faz alguns sacrifícios para manter a fluidez

A principal concessão desta versão está na qualidade da imagem, que claramente foi reduzida para garantir o desempenho prometido pela Capcom. Em alguns momentos é possível perceber serrilhados mais aparentes, resolução dinâmica e texturas que ficam um pouco mais pixelizadas do que nas versões de consoles mais potentes.

Ainda assim, o resultado final compensa bastante quando pensamos na proposta do console. Jogar Devil May Cry 5 em qualquer lugar mantendo uma experiência fluida a 60 quadros por segundo acaba sendo uma troca bastante justa.

Eu acabei sentindo falta de uma opção que permitisse escolher entre maior resolução ou framerate, mas o resultado trazido pela Capcom é satisfatório. Afinal, diferente de Tomb Raider, Devil May Cry 5 é um jogo que fica muito melhor de ser jogado em 60 quadros por segundo.

Vale a pena jogar Devil May Cry 5 no Switch 2?

Para quem acabou de comprar um Switch 2 e procura jogos de ação para variar entre os exclusivos da Nintendo, Devil May Cry 5 é uma das melhores opções disponíveis atualmente. A combinação entre campanha excelente, combate extremamente divertido e boa performance faz desta uma adaptação muito competente.

O game também é uma das provas de que o console também consegue segurar jogos em 60 quadros por segundo, desde que as concessões necessárias, e já esperadas, sejam feitas. No caso de DMC 5, a queda na resolução acaba sendo compensada pela fluidez que garante um gameplay cheio de ação.

Com preço sugerido de R$ 199 e desconto de lançamento para R$ 149,25, a Devil Hunter Edition entrega um excelente custo-benefício. Se você nunca jogou Devil May Cry 5, esta é uma ótima oportunidade para conhecer um dos melhores jogos de ação da Capcom, enquanto quem já zerou a aventura encontra um bom motivo para revisitá-la agora de forma portátil.

Mais do que um jogo perfeito para quem gosta de ação, Devil May Cry 5 é a prova de que o Switch 2 pode entregar muito eSSStilo no gameplay, desde que as desenvolvedoras façam as otimizações certas.

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Por isso mesmo, a expectativa para Forza Horizon 6 era enorme. O anúncio de que o próximo destino seria o tão sonhado Japão fez a comunidade entrar em êxtase. Afinal, poucas culturas automobilísticas são tão influentes quanto a japonesa. Entre carros lendários, estradas montanhosas, cidades vibrantes e paisagens naturais de tirar o fôlego, parecia o cenário perfeito para a franquia.

Depois de dezenas de horas explorando o novo mapa, chegou a hora de responder a pergunta que muitos fãs estavam fazendo: o Japão era realmente tudo aquilo que imaginávamos?

Ficha Técnica

• Jogo: Forza Horizon 6

• Lançamento: 19 de maio de 2026

• Onde jogar: Xbox Series X|S, PC

• Plataforma de teste: Xbox Series S

• Preço: A partir de R$ 299 (Também disponível no Xbox Game Pass)

Sim, é mais Forza Horizon. E isso não é um problema

Vamos tirar o elefante da sala logo de cara. Forza Horizon 6 é, essencialmente, uma continuação direta da fórmula construída nos dois últimos jogos. As mecânicas de direção continuam extremamente familiares, a estrutura das corridas permanece praticamente a mesma, boa parte dos sistemas já existia anteriormente e até diversos modelos de veículos retornam.

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Mas isso não necessariamente é um defeito. A Playground Games passou mais de uma década refinando uma fórmula que já funciona muito bem. Seria estranho esperar que o estúdio descartasse toda essa base sólida apenas para reinventar a roda.

Quem jogou Forza Horizon 4 ou 5 vai se sentir em casa desde os primeiros minutos. Isso inclui tanto as qualidades quanto alguns problemas já conhecidos da série. O principal deles continua sendo a progressão.

Já faz muito tempo que Horizon abandonou a ideia de começar com um carro simples e subir lentamente até conquistar máquinas mais potentes. Aqui, basta completar algumas atividades para receber veículos extremamente rápidos e valiosos. Em poucas horas você já tem acesso a uma coleção invejável.

Se isso incomoda alguns jogadores, para mim funciona perfeitamente dentro da proposta do jogo. Forza Horizon não quer ser uma jornada de superação. Ele quer ser um enorme parque de diversões automobilístico. E quando você entende isso, tudo faz sentido.

Você pode focar nas corridas da campanha, passar horas personalizando carros na garagem, caçar colecionáveis ou simplesmente escolher um veículo qualquer e sair dirigindo sem rumo pelo mapa. A liberdade sempre foi um dos pilares da franquia, e aqui ela continua sendo um dos seus maiores acertos.

O Japão era o sonho dos fãs — e valeu a espera

Se existe um motivo para jogar Forza Horizon 6, ele atende pelo nome de Japão. Mesmo sem ter explorado cada centímetro do mapa, já posso dizer com tranquilidade que este é o melhor cenário da história da franquia.

A Playground Games conseguiu encontrar um equilíbrio impressionante entre áreas urbanas e regiões rurais. Em um momento você está cruzando avenidas iluminadas em Tóquio; no outro, atravessando montanhas, campos, florestas e pequenas cidades que parecem ter saído diretamente de um cartão-postal.

O mapa é gigantesco, mas nunca parece vazio. Existe uma quantidade absurda de atividades, eventos, colecionáveis e pontos de interesse espalhados pelo mundo. A divisão por regiões ajuda bastante na exploração e torna a experiência menos intimidadora para quem gosta de completar tudo o que o jogo oferece.

Mas o que realmente impressiona é a fidelidade visual. Diversos locais inspirados em regiões reais foram recriados com um nível de detalhe impressionante.

É aquele tipo de jogo que frequentemente faz você parar a corrida apenas para admirar a paisagem. A sensação é quase a de estar fazendo turismo do conforto do sofá.

Direção de arte continua em outro nível

Se os cenários impressionam, os carros não ficam para trás. A reprodução dos mais de 550 veículos disponíveis é simplesmente fantástica. Os modelos possuem nível de detalhe altíssimo, tanto externamente quanto internamente, e o cuidado da equipe aparece em praticamente todos os aspectos da apresentação visual.

As corridas são cinematográficas sem parecerem artificiais. As mudanças climáticas ajudam a dar vida ao mundo. A iluminação continua espetacular e muitas das cenas parecem saídas diretamente de um filme sobre cultura automotiva.

O equilíbrio perfeito entre arcade e simulação

Forza Horizon sempre teve uma característica que o diferenciou da concorrência: ele consegue agradar tanto quem busca diversão casual quanto quem gosta de algo mais próximo da simulação. E Forza Horizon 6 mantém essa tradição.

Confesso que a franquia acabou criando um problema para mim. Depois de tantos anos jogando Horizon, ficou difícil aproveitar outros arcades de corrida. Muitos deles parecem excessivamente artificiais quando comparados ao trabalho realizado pela Playground.

A direção aqui continua excelente. Você sente o peso dos veículos, percebe as diferenças entre classes, entende o comportamento de cada carro e consegue identificar mudanças sutis na dirigibilidade sem precisar recorrer a um volante profissional.

Tudo também funciona muito bem no controle. Com ou sem assistências ativadas, a experiência permanece divertida, acessível e satisfatória. É uma jogabilidade refinada ao longo de anos e que continua servindo como referência para o gênero.

Bonito e otimizado, mas não livre de problemas

Outra característica tradicional da franquia sempre foi a boa otimização. Durante meus testes no Xbox Series S, jogando no modo Qualidade, que prioriza resolução e efeitos gráficos, o desempenho geral foi bastante positivo.

O jogo se manteve bonito durante praticamente toda a experiência e apresentou uma estabilidade bastante satisfatória. Porém, nem tudo foi perfeito.

Encontrei uma quantidade de bugs superior ao que estava acostumado nos jogos anteriores da série. Em alguns momentos o áudio desapareceu completamente, exigindo reiniciar o jogo. Também tive problemas com o Quick Resume e encontrei travamentos ocasionais durante a exploração.

Nada chegou a comprometer seriamente a experiência, mas são situações que chamam atenção justamente porque a franquia costuma apresentar um nível de polimento muito alto.

Talvez o enorme tamanho e densidade do mapa tenham contribuído para esses problemas. Seja como for, espero que futuras atualizações resolvam essas pequenas arestas.

Vale a pena jogar Forza Horizon 6?

Forza Horizon 6 não reinventa a franquia. Quem esperava uma revolução talvez saia um pouco decepcionado. Mas quem queria exatamente aquilo que a série faz de melhor encontrará um dos melhores jogos de corrida da atual geração.

O Japão entrega o melhor mapa da história da franquia, a jogabilidade continua praticamente impecável e a liberdade para explorar, correr ou simplesmente dirigir permanece sendo um dos grandes diferenciais da experiência.

Mesmo com alguns bugs e mantendo problemas antigos relacionados à progressão, o saldo final é extremamente positivo. Se você já gosta de Forza Horizon, esta é uma compra quase obrigatória. Se nunca jogou a série, talvez não exista porta de entrada melhor.

E para quem sonhou durante anos em acelerar pelas ruas e montanhas do Japão, a espera finalmente valeu a pena.

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Durante uma Nintendo Direct histórica, a Nintendo anunciou diversas novidades para os jogadores, mas também surpreendeu ao lançar imediatamente Rise of the Tomb Raider: 20 Year Celebration no novo console. Depois de revisitar essa jornada na Sibéria com uma cópia cedida pela desenvolvedora Aspyr, chegou a hora de responder a pergunta que muitos fãs estão fazendo: vale a pena embarcar nessa expedição no Switch 2?

Ficha Técnica

• Jogo: Rise of the Tomb Raider: 20 Year Celebration

• Lançamento: 9 de junho de 2026 (Switch 2)

• Onde jogar: PS4, Xbox One, PC, Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 129,95

Game segue tão bom quanto na época do lançamento

Olhando para gameplay e narrativa, Rise of the Tomb Raider continua sendo um excelente jogo mesmo mais de dez anos após seu lançamento original. Eu joguei essa aventura na época em que ela chegou ao mercado e fiquei impressionada ao perceber como ela continua divertida, envolvente e visualmente marcante.

A sequência pega tudo o que funcionava no reboot de 2013 e amplia a fórmula de maneira inteligente, oferecendo mais exploração, mais tumbas opcionais e uma progressão mais recompensadora. Ao invés de depender tanto de eventos rápidos e sequências cinematográficas, o jogo dá mais espaço para o jogador realmente explorar ambientes, resolver quebra-cabeças e descobrir segredos escondidos.

A história acompanha Lara Croft em uma jornada pela Sibéria enquanto busca a lendária cidade de Kitezh e tenta desvendar mistérios ligados à imortalidade. Sem entrar em spoilers, a trama consegue equilibrar ação, exploração e desenvolvimento da protagonista de uma forma muito eficiente, mostrando uma Lara mais experiente, mas ainda lidando com as consequências dos eventos do jogo anterior.

Gameplay divertido e cheio de possibilidades

O gameplay também continua extremamente sólido graças à variedade de abordagens disponíveis durante a aventura. É possível partir para o combate direto utilizando rifles, pistolas e escopetas, mas também existe bastante espaço para furtividade, uso estratégico do arco e flecha e eliminação silenciosa dos inimigos.

As áreas semiabertas continuam sendo um dos grandes destaques da experiência, já que incentivam a exploração constante em busca de recursos, documentos, relíquias e desafios opcionais. A coleta de materiais para fabricação de equipamentos e munições ajuda a manter a sensação de sobrevivência sem transformar a aventura em algo cansativo ou excessivamente complexo.

As tumbas opcionais merecem destaque especial porque representam exatamente aquilo que muitos fãs associam ao nome Tomb Raider. Elas trazem quebra-cabeças criativos, desafios ambientais interessantes e recompensas realmente úteis, tornando a exploração muito mais satisfatória do que simplesmente seguir a campanha principal.

Visualmente, o jogo também continua impressionando. Os cenários congelados da Sibéria, as cavernas iluminadas por tochas e as antigas ruínas escondidas pela neve ajudam a criar uma atmosfera que permanece bonita mesmo em 2026 — especialmente considerando que estamos falando de um título originalmente lançado em 2015.

Outro ponto positivo é a localização em português brasileiro, que ajuda bastante na imersão durante a campanha. A combinação entre dublagem, trilha sonora e direção cinematográfica faz com que a jornada de Lara continue sendo extremamente envolvente do início ao fim, independente da plataforma.

Performance deixa a desejar no Switch 2

Enquanto o jogo segue tão divertido quanto em seu lançamento original, o trabalho de adaptação para o Nintendo Switch 2 claramente poderia ter ido além. Em seu lançamento surpresa, Rise of the Tomb Raider chegou rodando a 30 quadros por segundo tanto no modo portátil quanto quando conectado à TV.

Um framerate mais alto faria bastante diferença principalmente durante os combates e nas sequências mais movimentadas. Ainda assim, é importante destacar que os 30 FPS permanecem relativamente estáveis durante boa parte da aventura, permitindo aproveitar a experiência sem grandes problemas.

Os tempos de carregamento são rápidos e a estabilidade geral é superior ao que muitos jogadores encontraram nas versões originais para Xbox One e PlayStation 4. Mesmo assim, fica difícil ignorar a sensação de que havia espaço para oferecer ao menos um modo de desempenho com taxa de quadros mais elevada.

Durante a análise também encontrei alguns problemas ocasionais relacionados ao carregamento de texturas. Em determinadas áreas mais complexas, alguns elementos do cenário demoram alguns segundos para aparecer completamente, algo que não chega a comprometer a jogabilidade, mas que chama atenção.

Em algumas cenas mais carregadas visualmente, a combinação entre movimentos de câmera e os 30 FPS também me causou um pequeno desconforto. Felizmente isso aconteceu poucas vezes durante a campanha e não chegou a atrapalhar a progressão de forma significativa.

Por outro lado, os gráficos continuam bastante bonitos para um jogo portátil. Os modelos dos personagens seguem detalhados, os ambientes mantêm boa qualidade visual e a iluminação dentro de cavernas e ruínas ainda impressiona mesmo após tantos anos.

O pacote também chega bastante completo em recursos e conteúdo. Além de incluir todas as DLCs lançadas para o jogo, a edição conta com funcionalidades online, suporte ao modo mouse dos Joy-Con 2, mira por movimento e vibração HD Rumble 2, ampliando as opções para diferentes estilos de jogador.

Ainda assim, a sensação que fica é que a Aspyr adotou uma abordagem bastante conservadora para esse lançamento. Estamos falando de um jogo de 2015 rodando em um hardware que já demonstrou capacidade para entregar resultados muito mais ambiciosos em títulos modernos, o que torna a ausência de um modo de 60 FPS ainda mais difícil de entender.

Vale a pena?

Rise of the Tomb Raider continua sendo um dos melhores jogos protagonizados por Lara Croft e envelheceu surpreendentemente bem. Sua combinação de exploração, combate, quebra-cabeças e narrativa ainda funciona com eficiência e mostra por que ele continua sendo tão lembrado pelos fãs da franquia.

O port para Nintendo Switch 2 poderia ter sido mais ambicioso e certamente se beneficiaria de opções gráficas adicionais ou de um modo com 60 quadros por segundo. Ainda assim, a experiência entregue é competente, estável e traz uma enorme quantidade de conteúdo em um único pacote.

Para fãs de jogos de aventura, exploração e ação cinematográfica, a recomendação continua sendo fácil. Se aparecer em promoção, melhor ainda, mas mesmo pelo preço atual Rise of the Tomb Raider segue sendo uma excelente aventura para levar na mochila e jogar em qualquer lugar.

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Porém, ao que parece, a franquia tem passado por uma boa fase no mundo dos jogos. Após Terminator Resistance, de 2019, ser amado pelos fãs e o anúncio de Terminator Survivors, agora, temos Terminator 2D: No Fate, que busca novamente adaptar o popular segundo filme.

O jogo é desenvolvido pela Bitmap Bureau, a desenvolvedora de Xeno Crisis, um Run n Gun de vista de cima ao melhor estilo arcade. Aqui, o jogo segue os moldes de clássicos como Metal Slug e Contra.

Mas, no final das contas, essa junção funcionou ou foi mais uma tentativa fracassada de adaptar o icônico filme? Confira a review completa agora.

Ficha Técnica

• Jogo: Terminator 2D No Fate

• Desenvolvedora: BitMap

• Lançamento: 12 de dezembro de 2025

• Onde Jogar: PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One, Xbox Series X/S, Nintendo Switch e PC

• Plataforma de Teste: PlayStation 5

• Preço: R$ 169,90

Tiroteio à moda antiga

A gameplay de No Fate funciona como um jogo de correr e atirar de fliperama, aos moldes de Metal Slug, em que se atira em tudo que aparecer na tela, trazendo a diversão de um jogo de fliperama para os consoles.

No jogo, você joga com três personagens: Sarah Connor, a qual será a personagem mais utilizada; John Connor (adulto); e T-800, que é o personagem menos usado na história. Cada personagem possui armas e mecânicas diferentes, a fim de evitar que todos pareçam iguais na gameplay.

Sarah é equipada com uma pistola, com a possibilidade de encontrar outras armas escondidas pelo cenário. John, que é jogável apenas nas fases do futuro, é equipado com rifles de plasma e bombas de cano.

Uma grande diferença do rifle de plasma para as metralhadoras comuns que podemos encontrar nas fases da Sarah é a de que podemos usar Power-Ups aos moldes de Contra para o rifle. Além disso, temos mecânicas de cobertura ao longo das fases do futuro. Já nas fases do T-800, utilizamos mais a força bruta, além de uma metralhadora giratória.

Além disso, para evitar que o jogo caia na repetitividade, temos segmentos de gameplay que fogem do básico correr e atirar, como a parte em que Sarah deve fugir do sanatório, onde o foco é se esgueirar e não ser vista, ou a parte da icônica cena em que o T-1000 persegue John Connor em um caminhão, onde devemos fugir do exterminador.

A melhor coisa sobre a gameplay é quão fácil de entender e intuitiva ela é. Os controles respondem bem, trazendo uma fluidez para o gameplay e garantindo um combate rápido e preciso.

Uma história familiar, porém inédita

O jogo segue a história do filme de maneira fiel, porém tomando algumas liberdades. A começar pelo fato de que, no jogo, foram adicionados momentos que contextualizam a história do filme, além da adição das sessões do futuro.

Além disso, o jogo possui finais alternativos. Porém, as rotas alternativas só são desbloqueadas após a primeira jogatina, que não é muito longa, levando cerca de 30 minutos para terminar o jogo na dificuldade normal. E, por falar em duração, devido às rotas alternativas e à curta duração, No Fate incentiva múltiplas jogadas, justamente para descobrir novos finais, além de desbloquear outros modos de jogo.

De primeira, somente os modos História e Fliperama estão desbloqueados. Esse último é essencialmente o modo História, só que sem vidas extras, que no modo padrão são 3 e podem ser coletadas ao longo das fases.

O modo Fliperama é recomendado para os jogadores mais experientes. Afinal, se perder todas as vidas, você volta do começo do jogo, o que parece uma escolha um tanto estranha para os dias atuais no caso do modo História, que também traz esse detalhe.

Em sequência, é possível desbloquear os modos Boss Rush, Modo Infinito e o modo Mãe do Futuro, que trazem mais diversidade para o gameplay.

O Som do Metal

Destaque tem que ser dado ao trabalho sonoro feito no jogo. Os efeitos sonoros de tiro, tanto das armas de fogo quanto das de plasma, são bastante satisfatórios, assim como os sons das explosões e dos robôs, além das vozes de narração feitas no começo das fases.

Outro grande destaque deve ser dado à excelente trilha sonora composta por Featurecast, que faz um ótimo trabalho em misturar trilhas do filme compostas por Brad Fidel, como o tema principal e o tema do T-1000, com trilhas originais do jogo. Isso é surpreendente, pois geralmente jogos baseados em filmes raramente usam trilhas dos filmes em que são baseados, utilizando temas originais ou temas de filmes anteriores, no caso de franquias.

Um dos maiores acertos da trilha sonora é utilizar elementos clássicos de trilhas de jogos de fliperama, como o uso de guitarras elétricas e batidas eletrônicas, que parecem ter sido tiradas do final dos anos 90.

Terminator 2D: No Fate vale a pena?

No fim, Terminator 2D: No Fate acerta em apostar no simples, com uma divertida gameplay de correr e atirar, além da adição de outros elementos de gameplay para manter a experiência variada durante seu tempo de jogo. Além disso, possui bastante conteúdo extra para manter o jogador interessado.

O jogo possui, além disso, uma bela apresentação com seus gráficos 16-bit. A apresentação ainda inclui belas ilustrações entre as missões, que inclusive utilizam os rostos dos atores, com a exceção de Arnold Schwarzenegger no papel de T-800, devido ao alto custo de se conseguir os direitos de imagem do ator.

Com tudo isso, Terminator 2D: No Fate é uma ótima pedida para os fãs da franquia e fãs de jogos ao estilo retrô, trazendo, enfim, uma adaptação digna do clássico segundo filme para o mundo dos jogos.

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A proposta em seu título de estreia, There Is No Game: Wrong Dimension - uma expansão do projeto vencedor da DeceptionJam de 2015, There Is No Game - é a de permitir que o jogador se distraia do jogo ao fazer coisas fora do comum com ele. Essa brincadeira também está presente em seu jogo seguinte, Crushed in Time.

Não é uma novidade o uso da metalinguagem em jogos — temos vários exemplos na indústria. Coisas como quebrar a quarta parede e falar diretamente com o jogador, brincar com a existência das próprias mecânicas ou fazer referências a outras obras, como filmes, livros e jogos, e até a eventos do mundo real, como a recepção do título anterior da franquia, são exploradas a décadas.

No entanto, vemos um interesse maior em explorar não só a história dos jogos, como também a produção de um. Com mais frequência, os elementos da interface fazem parte da jogabilidade.

Nem sempre o uso da metalinguagem consegue suportar o peso da sua bagagem, principalmente quando ela só serve para nos avisar que os seus autores sabem se tratar de uma obra metalinguística. Felizmente, esse não é o caso de Crushed in Time.

Na verdade, essa é a sua principal arma: uma variedade de estilos de gameplay em que cada passagem tem os seus próprios desafios e cabe ao jogador tomar para si o controle da situação. Confira a seguir o resultado de toda essa “mistureba” em nossa análise, realizada no PC com uma chave cedida pela própria Draw Me A Pixel.

Ficha Técnica

• Jogo: Crushed in Time

• Desenvolvedora: Draw Me A Pixel

• Lançamento: 10/06/2026

• Onde jogar: PC (Steam), está nos planos ser lançado para o iOS, Android e Switch

• Plataforma de teste: PC

• Preço: Em breve

Um visual suave e borrachudo

Os designs dos personagens são bem charmosos, cada um possui uma silhueta muito característica. A movimentação é fluida e presta a atenção nos pequenos detalhes, como os efeitos os sonoros e visuais de quando se estica e solta o que agarramos. É tudo muito bonito e estilizado. As referências a jogos e filmes conseguem despertar memórias mesmo em quem só possui uma ideia vaga sobre o que foi mencionado.

Esse aspecto cartunesco ajuda a dar a “elasticidade” necessária aos cenários. Tudo são formas pontudas e angulosas, as linhas são bastante inclinadas. Lembram aquele estilo vintage dos clássicos desenhos animados da Cartoon Network. É interessante perceber essa mudança de uma pixel arte 2D com tonalidades sombrias da sua aparição anterior em There Is No Game: Wrong Dimension, para esse visual que mistura elementos 2D com 3D em cores vibrantes.

A trilha sonora possui uma variedade, assim como a gameplay. Ela parece seguir a linha de muitos filmes de aventura, quando não estamos perdidos nas anomalias temporais. É uma composição que evoca essa sensação vibrante de estar realizando algo heroico.

Já durante as agitadas transições para mundos paralelos, ela muda para uma música mais intensa, com batidas em um ritmo acelerado. Isso causa a sensação de urgência ideal para a situação. Também há momentos em que a música de fundo é mais calma para que o ambiente seja preenchido pelas vozes em conversas dos personagens - o que inclui a dos game devs.

O trio principal é formado por Sherlock, que exagera um pouco em seu papel de cético do grupo, além de possuir um questionável conhecimento em línguas; Watson, que é um amigo fiel, mas um cavalheiro um pouco covarde; e Emma, que é uma mulher inteligente, empática e elegante, mas de pavio curto. Ainda temos uma figura extra nesse grupo, o misterioso e aparente vilão, Emmett.

Os diálogos tem bastante personalidade e são precisos, eles equilibram um bom senso de humor com funcionalidade. O que combina com e conjunto muito bem humorado de personagens. Sherlock constantemente compete com Emma pela atenção de Watson. A dinâmica entre eles é comicamente interessante. Por isso a localização do texto para o português brasileiro, feita pela Wabbit Translations, foi um acerto.

Estamos consertando o multiverso ou ajudando no desenvolvimento do jogo?

Acompanhamos uma história peculiar, mas “perfeitamente explicável”. O famoso detetive Sherlock Holmes recebe uma carta misteriosa. A sua remetente, uma mulher chamada Emma Files, pede para que Holmes e o Dr. Watson a encontrem em sua mansão.

Porém, quando chegam ao local, eles se deparam com um outro proprietário, o enigmático Emmett Placeholder. No entanto, esta não é a parte mais estranha de toda essa história. Holmes quase não conseguiu ler a tal carta porque ela estava presa ao teto do seu escritório. Quem teve que consertar isso foi você.

Crushed in Time é mais um point-and-click da Draw Me A Pixel no qual invadimos várias “telas” como se estivéssemos atravessando mundos paralelos. O estilo de gameplay também muda durante esses momentos — funcionam como minigames.

Em um capítulo, jogamos em um portatil idêntico ao Game & Watch, em outro mexemos nos aplicativos de um smartphone, ou alteramos a potência em um amplificador de frequência de ondas.

É similar ao que já vimos em There Is No Game: Wrong Dimension. Mas nesta nova aventura, nós também viajamos no tempo - como deve ter ficado claro pelo seu título. Existe uma razão para isso acontecer. Um aparelho chamado TP Tron é capaz de transportar os personagens pelo tempo e espaço.

A sagacidade é que esse deslocamento temporal acontece em meio aos diferentes estágios do desenvolvimento do próprio jogo. O que acompanhamos não é uma típica história de detetive, mas sim o caos nos bastidores dessa produção: personagens somem, os cenários ficam de cabeça para baixo, a força gravitacional exercida sobre alguns elementos está muito forte e há bugs por todo lugar.

Aparentemente isso não é percebido da mesma forma pelos personagens. Mr. Wilhelm, um amigável conspiracionista, tenta explicar para os detetives a sua hipótese de como seres de outros planetas estão interferindo na realidade deles.

Já Emma e Emmett entendem como anomalias geradas pelo colapso do universo. Cada um parece ter a sua própria forma para lidar com você e com os bugs que os cercam. O engraçado é que o mesmo acontece com os game devs.

Desenrolando o passado, o presente e o futuro do jogo

Como já vimos, o jogo é metalinguístico. Algumas dessas piscadelas para o jogador envolvem a mudança de gameplay. Em um determinado momento, ele pode virar um jogo em que todas as suas ações passam a ter que respeitar o ritmo de uma música, ou uma plataforma em que precisamos mover os personagens entre os post-its em um quadro.

Você ainda pode se divertir ao aspirar objetos e lançá-los como se estivesse caçando fantasmas em Luigi’s Mansion. Mas esses elementos não estão presos a um fator nostálgico, eles de fato tecem algum comentário.

Também temos acesso a arquitetura do jogo. É algo similar ao que vemos no recém anunciado, Bradley the Badger, por exemplo. No entanto, se prestarmos atenção, dá para perceber que isso está lá desde o começo, mesmo antes de sermos obrigados a corrigir a configuração de uma cena no Blender.

As similaridades com a interface da engine Unity são discretas nos momentos “normais”, mas está lá desde o formato em mão que a seta do mouse adquire quando você “pega” alguma coisa. Só que essa autorreferência não para no software do jogo.

Também seremos capazes de mexer no que deveria estar fora do ambiente virtual, interferindo até nas etapas iniciais da pré-produção. É esse exagero que traz o charme ao jogo, ele dobra a aposta.

A gameplay fluida de um catch-and-stretch... quero dizer, de um point-and-click

O jogo possuí um único comando: com o mouse, podemos pegar e esticar objetos, personagens ou partes do cenário. Agarre, puxe e solte. Tudo é uma variação disso. Assim você consegue movimentar, rotacionar ou atirar itens. Há também momentos em que a mecânica de puxar exige que você solte no momento certo.

Você também pode esticar a extremidade de um objeto até o alcance de um personagem. Pode empurrar um personagem para outra direção ou ativar um item que chame a atenção dele. Isso ainda irá se expandir quando passarmos a também interferir na arquitetura do jogo, onde poderemos mexer nos componentes da cena.

Os objetivos de cada um dos 10 capítulos são sempre claros e diretos: acorde o Sherlock, leia a carta, encontre uma chave, abra a porta, leve Dr. Watson para perto de Emma, revele uma parede falsa, ajeite um retrato ou colete as engrenagens de um dispositivo. A chave está em como cada cena possui o seu próprio conjunto de desafios.

Às vezes jogamos em um mesmo cenário em sua versão final e depois em uma versão protótipo. A mansão, por exemplo, é o cenário ao qual mais retornamos ao longo do jogo, sempre com alguma novidade, sendo o único local a também possuir uma versão remaster.

Essa dinâmica é divertida e gera uma familiaridade que é muito bem explorada. Em nenhum momento soa como algo repetitivo ou monótono. Mesmo quando a sua jogabilidade é “quebrada” para tecer uma sátira voraz a fórmula das narrativas interativas.

O design dos puzzles é excelente. Boa parte dos quebra-cabeças são resolvidos quando se observa com curiosidade a ação que cada interação permitida pode gerar. Até mesmo os comentários jocosos dos personagens entregam pistas do que deve ser feito.

O jogo consegue surpreender ao trazer, a cada cena, uma maneira inventiva de interagir com a sua própria interface, mas sem deixar de ser bastante intuitivo. É essa, perdão pelo trocadilho, “flexibilidade” o que torna divertido destrinchar cada sessão. É engraçado as situações que você acaba gerando para poder cumprir os seus objetivos.

Em geral, somos muito mal educados com os personagens. Podemos precisar roubar ou entregar algo em suas mãos. Ou importuna-los com beliscões e sustos, entre outras pequenas agressões. Podemos até mesmo estimular brigas entre eles. É uma relação conturbada, mais para eles do que para nós. Por isso que a nossa presença é tratada como algo extraterrestre pelo Mr. Wilhelm. Às vezes não sei dizer se somos nós que os ajudamos ou eles que nos atrapalham. Os coitados sofrem nas nossas mãos, mas é por uma boa causa.

Vale a pena quebrar a cabeça com Crushed in Time?

Com certeza! Toda a expertise da Draw Me A Pixel entregou um jogo bem revigorante para 2026. Considero Crushed in Time um dos destaques de junho e aprecio o seu carisma e simplicidade. Tudo nele é muito bem arrojado e é uma boa pedida para os amantes de point-and-clicks. Vale ressaltar que ele é um jogo curto, dura em torno de umas 7 horas uma primeira vez.

A versão que joguei possui alguns poucos bugs não diegéticos, digamos assim. Alguns deles são só visuais e sonoros, mas outros deixam a tela não interativa, impedindo o progresso — O estúdio informou estar ciente da maioria desses problemas e que já está resolvendo-os.

Só me deparei duas vezes com esse último e uma delas foi no final do capítulo 7. Saí do jogo depois do salvamento automático, mas quando voltei, a tela estava toda preta. Ainda dava para escutar o áudio e a cena em si parecia transcorrer normalmente, inclusive ainda era interativa, mas eu não conseguia enxergar nada. Reiniciar o jogo não resolveu.

Caso o leitor ainda esteja com dúvidas, indico começar por aquele que é o embrião das suas ideias - principalmente desse estilo bem humorado de metalinguagem -, There Is No Game - Jam Edition. Ele está disponível gratuitamente na plataforma da Steam e no Google Play.

No entanto, para quem já curte esse tipo de experiência, Crushed in Time certamente é uma viagem que vai te divertir.

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Enquanto Hollywood ainda tenta decidir qual será o próximo rosto do agente 007 após a saída de Daniel Craig, a IO Interactive simplesmente foi lá e entregou uma das adaptações mais interessantes do personagem em décadas. 007 First Light já está disponível, vendeu mais de 1,5 milhões de cópias e está entre os jogos com melhor recepção do ano.

Enquanto testava o jogo para essa review, lembrei bastante de uma fala do diretor brasileiro Kleber Mendonça Filho sobre o filme O Agente Secreto. O cineasta escolheu esse nome porque queria algo “curto e sexy” para definir o projeto, capaz de transmitir intriga, mistério, violência e ação. E sinceramente? Não existe termo melhor que “sexy” para definir o novo game da IO Interactive.

007 First Light é sexy porque entende perfeitamente o que faz James Bond funcionar. O jogo sabe ser elegante, perigoso, sedutor, exagerado e emocional ao mesmo tempo. Mais do que adaptar o personagem para os videogames, a IO consegue atualizar Bond para uma geração que talvez nunca tenha assistido aos filmes antigos, mas que pode se interessar pelo universo gigantesco do espião britânico.

E digo isso como alguém que entrou em First Light depois de maratonar os filmes mais recentes da franquia. Enquanto jogava, comecei a ficar interessada em revisitar as produções antigas, procurar mais sobre os livros de Ian Fleming e entender como James Bond conseguiu atravessar tantas gerações sem perder relevância.

Poucos jogos conseguem despertar esse tipo de curiosidade fora da tela — e isso já diz muito sobre o trabalho da IO Interactive.

Ficha Técnica

• Jogo: 007 First Light

• Desenvolvedora: IO Interactive

• Lançamento: 27 de maio de 2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: PS5

• Preço: A partir de R$ 299

A história não contada de James Bond

Mesmo quem nunca assistiu a um filme inteiro de 007 provavelmente sabe quem é James Bond. Criado por Ian Fleming nos livros e eternizado no cinema por diferentes atores ao longo das décadas, o personagem virou um dos maiores símbolos da cultura pop quando o assunto é espionagem.

No entanto, existe algo muito inteligente na decisão da IO Interactive de não tentar simplesmente recriar os filmes. Em vez de adaptar uma história conhecida ou apostar em nostalgia pura, 007 First Light cria uma nova origem para Bond.

Aqui, acompanhamos um James Bond de apenas 26 anos, recém-recrutado pelo MI6 e ainda longe de se tornar o agente lendário conhecido mundialmente. Ele é impulsivo, arrogante, carismático e claramente imaturo em muitos momentos.

A narrativa começa após um ato heroico colocar Bond no radar do programa Double-0. Em meio a uma nova era tecnológica, onde inteligências artificiais e computadores quânticos começam a dominar operações de espionagem, M decide apostar novamente no fator humano — e é aí que Bond entra em cena.

Interpretado por Patrick Gibson, o personagem ganha uma humanidade que raramente aparece nas versões mais clássicas do espião. Pela primeira vez, vemos Bond tentando entender quem ele é enquanto aprende como sobreviver dentro de um sistema que exige frieza absoluta.

Ao lado de personagens como Greenway, Cressida e Monroe, o protagonista acaba mergulhando em uma conspiração que cresce constantemente durante a campanha. Assim como nos filme e livros, a narrativa inclui viagens pelo mundo, momentos de ação de tirar o fôlego e, claro, muitas mulheres poderosas e sedutoras.

O mais interessante é como o jogo entende que James Bond não pode viver apenas de nostalgia: First Light moderniza o personagem sem destruir sua essência. Ainda temos perseguições absurdas, sedução, frases de efeito, gadgets malucos e conspirações internacionais, mas tudo isso aparece dentro de uma narrativa mais emocional e contemporânea.

Considerando que a franquia nasceu durante a Guerra Fria e já se reinventou múltiplas vezes, a IO Interactive não fez nada de revolucionário. Ainda assim, a abordagem de First Light mostra que a empresa realmente se preparou e fez um jogo com carinho e atenção.

IO Interactive encontra equilíbrio perfeito entre Hitman e Uncharted

Antes do lançamento, existia uma dúvida gigantesca sobre como a IO Interactive adaptaria sua fórmula de Hitman para James Bond. Afinal, apesar das duas franquias envolverem espionagem, o ritmo delas é completamente diferente.

Felizmente, o estúdio não tentou transformar Bond em uma versão com cabelo do Agente 47. 007 First Light funciona como uma mistura extremamente inteligente entre a liberdade estratégica de Hitman e a pegada cinematográfica de Uncharted e The Last of Us. Com isso, temos um gameplay variado e criativo durante uma história de 10 capítulos de aproximadamente 15 horas.

Grande parte da campanha é linear e altamente orquestrada, cheia de perseguições, explosões, Quick Time Events e momentos claramente inspirados nos filmes. Isso já é bem divertido, principalmente pra quem viu os filmes de 007, mas é quando o jogo abre espaço para experimentação que tudo realmente brilha.

Cada missão oferece múltiplas formas de lidar com os objetivos. Dá para agir silenciosamente, improvisar situações, usar gadgets para criar distrações ou simplesmente partir para o combate direto quando tudo dá errado. E quase sempre tudo dá errado.

Bond ainda não possui licença livre para matar durante boa parte da campanha, então furtividade e improviso acabam sendo essenciais — é aqui que aparecem os melhores elementos herdados de Hitman. Você pode blefar para entrar em áreas restritas, ouvir conversas escondido, usar disfarces ou manipular o ambiente para eliminar inimigos sem chamar atenção.

Os gadgets, inclusive, são um espetáculo à parte. O relógio hacker, os fones explosivos, a câmera de impacto e até uma caneta que lança míssil fazem o jogo abraçar completamente o lado exagerado da franquia. E felizmente a IO entende que esse exagero faz parte do charme de James Bond.

O mais impressionante é como tudo se encaixa naturalmente durante as missões. Em alguns momentos você está se infiltrando silenciosamente em um resort no Vietnã; minutos depois, já está trocando tiros em corredores destruídos enquanto tenta sobreviver com pouca munição.

Combate entrega ação brutal e extremamente satisfatória

Quando a furtividade falha, o combate assume o protagonismo — e felizmente ele também funciona muito bem. Seja com armas ou na mão, o jogo entrega animações e uma experiência de alto nível.

As lutas corpo a corpo são excelentes. Bond pode bloquear ataques, agarrar inimigos, usar o cenário a seu favor e finalizar adversários com animações extremamente cinematográficas. Existe peso nos golpes, impacto nas finalizações e uma brutalidade que lembra bastante os filmes estrelados por Daniel Craig.

O gunplay também surpreende. Os tiroteios usam um sistema de cobertura bastante funcional e geralmente trabalham com recursos limitados, obrigando o jogador a improvisar durante os confrontos. Em alguns momentos, precisei trocar constantemente de arma enquanto fugia de inimigos mais resistentes, e isso acabou criando cenas caóticas que pareciam saídas diretamente de No Time To Die.

Outro detalhe interessante é como o jogo recompensa criatividade. Dá para usar objetos do cenário para derrubar inimigos, explodir estruturas ou criar distrações no meio do combate. Você realmente vê utilidade nos gadgets e na observação durante todo o gameplay.

Por outro lado, existe um pequeno problema no ritmo causado pelas mortes. Jogando na dificuldade recomendada, alguns chefes e sequências mais intensas podem matar rapidamente, e os loadings após morrer acabam demorando um pouco mais do que deveriam para os padrões atuais.

Não chega a estragar a experiência, mas quebra um pouco da adrenalina em certos momentos. Ainda assim, o saldo é extremamente positivo: First Light consegue entregar um gameplay variado do começo ao fim, algo raro em campanhas cinematográficas modernas.

Um James Bond mais humano — e talvez um dos melhores já feitos

Se existe algo que realmente me surpreendeu em First Light, foi o cuidado da IO Interactive ao trabalhar o lado emocional do personagem. Bond continua sendo confiante, sedutor e sarcástico, mas agora também parece vulnerável. O jogo explora inseguranças e impulsividade do protagonista enquanto ele tenta descobrir qual é seu lugar naquele universo.

Isso aproxima bastante o personagem da abordagem utilizada nos filmes com Daniel Craig, mas sem abandonar completamente o charme clássico da franquia. Patrick Gibson entrega uma atuação excelente e consegue equilibrar arrogância e humanidade de forma muito convincente.

O mesmo vale para Lennie James como Greenway, que funciona como um mentor duro, mas emocionalmente complexo. O restante do elenco também impressiona bastante. — e isso merece destaque porque adaptações de games com atores famosos nem sempre conseguem entregar boas performances.

Aqui, felizmente, tudo funciona. As expressões faciais, a captura de movimentos e a direção cinematográfica ajudam a transformar várias cenas em momentos realmente memoráveis. Existe um cuidado visível na construção dos diálogos e relações entre os personagens.

First Light entende que James Bond não precisa ser apenas uma fantasia de poder masculina parada nos anos 60. O personagem ainda pode ser estiloso e exagerado, mas agora também parece alguém real.

Visual cinematográfico impressiona no PS5

Visualmente, 007 First Light é um absurdo. A IO Interactive entrega uma experiência extremamente cinematográfica, com cenários variados e uma direção de arte elegante do começo ao fim. O jogo viaja constantemente entre diferentes países e ambientes, indo de resorts luxuosos até instalações tecnológicas gigantescas e mercados clandestinos.

Os modelos dos personagens impressionam bastante, principalmente durante closes e diálogos mais dramáticos. O cabelo de Bond, as roupas, as animações faciais e até pequenos detalhes de iluminação ajudam a vender a fantasia de estar participando de um blockbuster interativo.

No PS5 Pro, a experiência foi bastante sólida, mas acabei encontrando alguns problemas. O desempenho se manteve estável na maior parte do tempo, sem quedas graves de framerate ou bugs capazes de comprometer a experiência.

No entanto, o jogo teve crashs três vezes: uma no começo do game, já na primeira cutscene, e outras duas vezes no final. Em um dos momentos do último capítulo, inclusive, eu só consegui progredir após desabilitar todos os efeitos visuais disponíveis, incluindo o HDR.

As legendas em português brasileiro também ajudam muito na imersão. Porém, alguns blocos de texto aparecem grandes demais em determinadas cenas, algo que claramente pode ser ajustado em futuros patches.

Vale a pena?

Depois do fim da era Daniel Craig, existia uma sensação estranha de vazio ao redor de James Bond. Enquanto a franquia não continua nos cinemas, 007 First Light chega sem tentar apagar o passado da franquia, mas entendendo perfeitamente o legado do personagem.

Usando toda a sua expertise, a IO Interactive entrega um jogo que respeita profundamente o legado do personagem enquanto cria algo novo e empolgante. Nada revolucionário, mas bem feito e divertido de se jogar.

Para quem gosta de jogos cinematográficos, espionagem, ação e narrativas cheias de tensão, First Light é praticamente obrigatório. Já para fãs antigos da franquia, o jogo funciona quase como uma carta de amor interativa ao universo criado por Ian Fleming.

No meu caso, terminou despertando algo ainda mais raro: vontade de mergulhar ainda mais nesse universo. 007 First Light não é apenas o melhor jogo de James Bond já feito. O título também um lembrete de que algumas franquias clássicas ainda tem espaço em um mundo moderno, servindo de porta para tudo que já veio antes.

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Sendo o quarto jogo da franquia Lego Batman, que começou com o clássico Lego Batman The Videogame, de 2008, o título também é o segundo jogo da nova fase da Traveller’s Tales, iniciada com Lego Star Wars The Skywalker Saga, lançado em 2022. Agora, resta saber se o estúdio alcançou as expectativas do público e se vale a pena ou não dar uma chance ao projeto.

Confira, a seguir, a review de Lego Batman Legacy of the Dark Knight.

Ficha Técnica

• Jogo: Lego Batman Legacy of the Dark Knight

• Desenvolvedora: Traveller’s Tales

• Lançamento: 22 de maio de 2026

• Onde Jogar: PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de Teste: PC

• Preço: A partir de R$299,99 — R$269,90 em promoção na Nuuvem.

Um legado inteiro em um jogo

Legacy of the Dark Knight é desenvolvido pela Traveller’s Tales, estúdio já consagrado na franquia Lego. Foi ela quem iniciou essa jornada em 2008 com Lego Batman The Videogame, título que deu início à franquia nos jogos. Depois, tivemos em 2012 a sequência Lego Batman 2 DC Super Heroes, que trouxe mudanças significativas para os jogos Lego como um todo, adicionando pela primeira vez diálogos falados — antes limitados a grunhidos — e também um mundo aberto.

Já em 2014 e 2018 tivemos Lego Batman 3 Beyond Gotham e Lego DC Super Villains, jogos que não fizeram mudanças tão grandes, mas evoluíram o que já havia sido estabelecido anteriormente. Porém, foi em 2022, com a chegada de Lego Star Wars The Skywalker Saga, que tudo mudou.

A coletânea de Star Wars reformulou completamente a fórmula da franquia e fez sucesso. O título mudou a câmera para uma perspectiva em terceira pessoa, atrás dos personagens, e aproximou a experiência de um AAA moderno, mas com o tempero de Lego.

O novo jogo da DC traz como proposta contar uma história completa do Batman — e quando digo completa, é “completa” mesmo. Legacy of the Dark Knight acaba passando por seu treinamento, suas primeiras missões e até mesmo pelo surgimento do seu ajudante Robin, fazendo disso uma verdadeira homenagem ao personagem.

Uma grande homenagem

Além da proposta de revisitar toda a trajetória do Homem-Morcego, o jogo também funciona como uma grande celebração da história do personagem em diferentes mídias. Legacy of the Dark Knight mistura referências de quadrinhos, séries, animações e principalmente dos filmes do Batman, trazendo visuais, trajes e interpretações inspiradas em produções clássicas e modernas do herói.

Entre os destaques estão skins e versões baseadas em adaptações famosas do cinema, incluindo a Mulher-Gato de Michelle Pfeiffer e o Pinguim de Danny DeVito em Batman: O Retorno, além do Coringa inspirado na versão de Heath Ledger em Batman: O Cavaleiro das Trevas e o Jim Gordon baseado na interpretação de Jeffrey Wright em The Batman, de 2022.

O jogo também aposta pesado na famosa galeria de vilões do personagem. Além de nomes clássicos como Coringa, Pinguim, Hera Venenosa, Duas-Caras, Sr. Frio e Charada, o game ainda traz participações de personagens menos conhecidos, como Condiment King, Calendar Man, Kite Man e até o Gentleman Ghost, funcionando quase como uma carta de amor ao universo do Cavaleiro das Trevas.

Outro detalhe interessante é como o jogo passeia por diferentes momentos da carreira do Batman. A campanha começa ainda no treinamento de Bruce Wayne com a Liga das Sombras e vai evoluindo até a formação completa da Batfamília, com Robin, Asa Noturna e Batgirl assumindo papéis importantes na história. Tudo isso enquanto Gotham se transforma constantemente, trazendo locais icônicos como o Asilo Arkham, a ACE Chemicals e a Torre Wayne para exploração no mundo aberto.

Uma gameplay familiar

Um dos maiores motivos do hype para o jogo era o sistema de combate, que lembrava os jogos da série Arkham. O retorno ao estilo freeflow da franquia levantava dúvidas sobre como isso funcionaria em um jogo Lego.

Felizmente, o combate funciona maravilhosamente bem, possuindo a fluidez característica dos jogos Arkham, mas com a leveza da franquia dos bloquinhos. E não é para menos, já que o jogo conta com o envolvimento de desenvolvedores da Rocksteady, estúdio responsável pelos jogos Arkham.

O combate funciona de maneira bastante similar à dos jogos Arkham, trazendo botão de ataque e contra-ataque, além da possibilidade de usar gadgets como o batarangue e o batgancho para ajudar durante as lutas. O jogo também conta com uma árvore de habilidades para fortalecer os personagens.

Por falar em personagens, Lego Batman possui apenas sete jogáveis, algo que assustou muitos fãs, já que estamos acostumados a jogos Lego com pelo menos 100 personagens disponíveis. Porém, aqui essa quantidade reduzida funciona a favor do gameplay, já que permite que cada personagem possua habilidades únicas.

A quantidade limitada, mas bem trabalhada, evita a sensação de estarmos jogando com o mesmo personagem apenas com uma aparência diferente. Um bom exemplo disso é o lançador de cabos dos Robins ou a arma de espuma do Comissário Gordon, que são úteis tanto no combate quanto nos puzzles.

O jogo também traz de volta o mundo aberto, oferecendo uma Gotham inteira para explorar. Assim como nos jogos Arkham, a cidade é dividida por distritos e recheada de coletáveis, incluindo a presença dos famosos troféus do Charada vindos da série da Rocksteady.

O mundo aberto pode ser explorado tanto utilizando veículos, como o Batmóvel, quanto planando, já que todos os personagens possuem algum tipo de planador. Isso ajuda bastante na locomoção, com a dirigibiliade funcionando muito bem dentro do gameplay.

Ainda sobre o mundo aberto, o jogo apresenta problemas de stuttering, especialmente na versão de PC. O problema vem do uso da temida Unreal Engine 5 e aparece com mais frequência durante a exploração da cidade. Felizmente, isso acontece menos em missões fechadas, mas ainda pode ser motivo de irritação para alguns jogadores.

Vale ressaltar que o jogo conta suporte para multiplayer local para até duas pessoas, algo raro em games de grande porte atuais. O título também conta com suporte para compartilhamento de família da Steam, outro diferencial interessante.

Uma história em construção

Legacy of the Dark Knight tem a difícil tarefa de condensar grande parte da história do Homem-Morcego em uma única aventura. Dito isso, ele consegue executar essa tarefa de forma competente, mesmo com alguns tropeços.

A obra tem como principal inspiração os filmes do herói, apesar de também beber de referências vindas dos jogos, séries e quadrinhos. Ainda assim, sua principal base são os longa-metragens do personagem.

O jogo possui uma estrutura dividida em seis capítulos, e a aventura pode ser encerrada em cerca de 12 horas. Por não se prender a adaptar fielmente nenhuma obra específica, o jogo evita, em boa parte, o maior problema de Lego Star Wars The Skywalker Saga: a sensação de que tudo acontece de forma corrida.

Como aqui não existe um roteiro específico para seguir, a narrativa consegue respirar melhor. Mesmo assim, alguns capítulos acabam sendo rápidos demais e um tanto curtos.

Além disso, o jogo cai em uma fórmula repetitiva: introdução, seguida de missões de mundo aberto investigando o vilão principal do capítulo e, depois, algumas fases antes do confronto final. Felizmente, essa estrutura funciona bem na maior parte do tempo, já que são poucos os capítulos realmente prejudicados pelo ritmo acelerado.

Já no departamento de som, Legacy of the Dark Knisht entrega uma experiência bastante mista. No quesito sonoplastia, os efeitos sonoros funcionam muito bem, principalmente durante os combates e na destruição de objetos.

Por outro lado, a trilha sonora deixa um pouco a desejar. Diferente dos Lego Batman anteriores, que utilizavam a clássica trilha composta por Danny Elfman para o Batman de 1989, aqui optaram por uma trilha original que acaba carecendo de impacto.

No geral, faltam melodias realmente marcantes, o que faz com que alguns momentos importantes não tenham o peso esperado. O jogo até utiliza algumas músicas clássicas dos filmes anteriores, mas isso acontece em pouquíssimos momentos.

Lego Batman Legacy of the Dark Knight vale a pena?

Apesar dos defeitos, Legacy of the Dark Knight constrói uma experiência divertida e marcante. o jogo certamente irá agradar tanto os fãs do herói que estavam com saudades de um novo título do personagem quanto os fãs de Lego que queriam o retorno dessa clássica franquia.

Porém, os jogadores de PC devem ter em mente que, embora o desempenho geral seja satisfatório, o jogo sofre com problemas de stuttering, o que pode incomodar bastante algumas pessoas. Porém, isso é um problema técnico que pode ser corrigido com o tempo — ou driblado por quem possui um computador mais potente.

No geral, Lego Batman Legacy of the Dark Knight é uma experiência divertida, acessível e capaz de agradar fãs de todas as idades, sendo um dos grandes jogos de 2026. Entre blocos e morcegos, o título não apenas resgata a essência dos clássicos jogos Lego, como também entrega uma das homenagens mais completas ao Batman já feitas nos videogames.

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Por isso, Paralives carrega um peso enorme nas costas. O projeto indie financiado pela comunidade passou anos sendo tratado quase como uma lenda urbana dos fãs cansados das limitações e políticas da EA Games. A promessa era pegar desejos antigos da comunidade e construir um simulador de vida mais aberto, criativo e flexível — e sem um mar de DLCs pagos.

Depois de muito tempo acompanhando trailers, atualizações e promessas, finalmente chegou a hora de testar o jogo em acesso antecipado. E, como esperado, a verdade é que Paralives ainda está longe de ser um produto finalizado. Há bugs, sistemas incompletos e recursos ausentes que ficam bastante evidentes logo nas primeiras horas.

Ainda assim, também existe algo muito importante aqui: visão. Mesmo em acesso antecipado, o jogo já mostra ideias extremamente inteligentes e entende profundamente o que os fãs do gênero procuram há anos.

Confira, a seguir, como foi a nossa experiência com Paralives no PC durante o acesso antecipado, em uma review feita com uma cópia cedida pela desenvolvedora.

Ficha técnica

• Jogo: Paralives

• Lançamento: 25 de maio de 2026 (Acesso antecipado)

• Onde jogar: PC e Mac

• Plataforma de teste: PC

• Preço: R$ 107,99

Paralives entende os fãs de The Sims como poucos jogos entendem

É impossível falar de Paralives sem mencionar The Sims. E honestamente? O próprio jogo sabe disso. Toda a estrutura da experiência parece construída em cima de anos ouvindo reclamações, desejos e frustrações da comunidade de simuladores de vida.

Enquanto InZoi, que saiu ano passado, aposta em realismo extremo e gráficos ultradetalhados, Paralives segue um caminho completamente diferente e mais próximo do título da EA. O visual cartunesco, quase ilustrado em alguns momentos, dá ao jogo uma identidade muito mais própria e acolhedora. Existe algo extremamente charmoso na direção de arte escolhida pelo pequeno time de 15 desenvolvedores.

Pessoalmente, eu gostaria até que o jogo exagerasse ainda mais nessa identidade visual. Ainda assim, o resultado já funciona muito bem porque evita a comparação direta com simuladores hiper-realistas e cria um espaço próprio. Paralives parece confortável em ser “game”, e não uma simulação fotográfica da vida.

Mas o que realmente impressiona é como pequenos recursos conseguem causar impacto imediato em quem joga simuladores há anos. A possibilidade de alterar livremente a altura dos personagens, por exemplo, parece algo tão básico que chega a ser estranho perceber que franquias gigantes nunca implementaram isso direito. Em poucos minutos, Paralives já entrega aquela sensação de “como ninguém pensou nisso antes?”. E isso acontece o tempo inteiro.

O modo construção é o verdadeiro protagonista da experiência

Se existe uma área em que Paralives já consegue competir seriamente com gigantes do gênero, é no modo construção. Na prática, ele parece pegar várias limitações históricas de The Sims e simplesmente perguntar: “e se a gente deixasse o jogador fazer o que quiser?”. O resultado é um sistema extremamente livre, intuitivo e criativo.

As paredes curvas são provavelmente o maior símbolo disso tudo. Mesmo ainda incompletas — atualmente não recebem janelas, por exemplo —, elas já transformam completamente o potencial criativo das construções. Casas deixam de parecer blocos quadrados engessados e ganham formatos muito mais orgânicos.

A liberdade de posicionamento dos móveis também chama atenção imediatamente. É possível girar objetos em diferentes ângulos, posicioná-los sem depender de grades fixas e redimensionar praticamente tudo. Um armário pequeno pode virar um armário gigante ocupando uma parede inteira. Uma cama simples pode se transformar em uma king size em segundos.

O círculo cromático para personalização talvez seja outro detalhe aparentemente simples, mas que muda completamente a experiência. Poder alterar cores, estampas e materiais livremente faz uma diferença absurda para quem gosta de criar ambientes únicos. É quase engraçado perceber como um recurso que já existia em The Sims 3 virou um diferencial gigantesco em 2026.

Ao mesmo tempo, o acesso antecipado deixa várias limitações evidentes. Algumas ferramentas parecem incompletas ou pouco claras na interface, o que pode dar trabalho até mesmo jogadores mais experientes.

Além disso, construir ainda pode ser confuso em alguns momentos. Remover apenas pequenos trechos de paredes, por exemplo, não é intuitivo e frequentemente exige apagar estruturas inteiras junto de todos os objetos acoplados nelas.

E existe uma ausência impossível de ignorar: piscinas. Sim, estamos vivendo o lançamento de The Sims 4 tudo de novo. A diferença é que, aqui, o estúdio já confirmou que piscinas chegarão futuramente durante o acesso antecipado, junto de estações do ano, pets, veículos e diversos outros sistemas gratuitos.

Considerando o tamanho da equipe e o estado atual do projeto, dá para entender a escolha de priorizar primeiro as bases do jogo para depois construir algo mais completo.

Criar personagens é divertido justamente porque parece simples

O Paramaker, nome dado ao criador de personagens, segue a mesma filosofia do modo construção: liberdade acima de tudo. A já mencionada mudança de altura já ajuda bastante na diversidade visual dos personagens, mas o sistema vai além.

Há ferramentas intuitivas para edição facial, customização corporal, tatuagens e até assimetria em elementos específicos, como olhos e meias. Além disso, mais uma vez, o círculo cromático rouba a cena.

Poder escolher exatamente o tom do cabelo, maquiagem, roupas e estampas faz uma diferença gigantesca para quem gosta de criar personagens específicos. É o tipo de ferramenta que aumenta absurdamente o senso de pertencimento do jogador dentro do mundo criado.

A parte de personalidade, por outro lado, ainda parece simples demais. O sistema lembra bastante The Sims 2, utilizando pontos distribuídos em categorias específicas, mas falta profundidade nas consequências dessas escolhas.

Mesmo assim, já dá para perceber que Paralives tenta fazer as relações sociais funcionarem de maneira mais lógica e transparente. Durante minhas partidas, por exemplo, interações sociais variavam bastante dependendo do humor, necessidades e personalidade do personagem.

O jogo até exibe porcentagens e pequenas roletas indicando a chance de sucesso em flertes ou interações específicas — quase como se finalmente estivéssemos vendo os bastidores matemáticos que sempre existiram escondidos em The Sims. Isso torna as relações menos aleatórias e mais compreensíveis para o jogador.

Ainda assim, algumas limitações incomodam bastante no estado atual do acesso antecipado. A impossibilidade de telefonar para NPCs, por exemplo, virou um problema real quando joguei com um personagem solo. Pequenos sistemas sociais ainda parecem incompletos e deixam clara a sensação de que o jogo ainda está em construção.

O mundo aberto faz Paralives parecer vivo

Enquanto o jogo traz uma base sólida na construção e personagens, talvez o maior diferencial estrutural de Paralives esteja no mundo aberto. E aqui não estamos falando apenas de “andar sem loading”: o que impressiona mesmo é como o jogo utiliza isso para incentivar exploração de verdade.

A cidade já chega recheada de restaurantes, lojas, museus e espaços coletivos sem exigir dezenas de expansões pagas logo de cara. Existe uma sensação constante de que aquele espaço foi pensado para ser vivido, não apenas visitado.

Outro detalhe muito inteligente é a forma como os ambientes internos são carregados apenas quando necessário — e mesmo assim sem telas de carregamento tradicionais. Isso mantém a fluidez da exploração e evita interrupções constantes.

O jogo ainda adiciona pequenas atividades secundárias que ajudam bastante na imersão. O sistema de doações para museus e centros comunitários lembra bastante Stardew Valley e funciona surpreendentemente bem como incentivo de exploração e coleta.

Inclusive, essa talvez seja uma das maiores qualidades de Paralives até agora: ele entende muito bem mecanismos de engajamento aconchegantes. Existe uma atmosfera extremamente acolhedora no jogo, algo que conversa diretamente com o público que cresceu transformando simuladores de vida em jogos de conforto.

Pequenos detalhes mostram o carinho do estúdio

Um dos exemplos mais curiosos do cuidado do estúdio por trás do game é o jornal diário. Enquanto The Sims tradicionalmente despeja notificações incessantes em pop-ups que interrompem a experiência o tempo inteiro, Paralives transforma os acontecimentos do dia em um jornal matinal estilizado.

Parece um detalhe pequeno (e talvez seja mesmo), mas ajuda absurdamente na imersão. Ler notícias sobre eventos da cidade, problemas no transporte ou rumores locais faz o mundo parecer mais vivo. E claro: quando uma dessas notícias menciona futuros pets chegando ao jogo, é impossível não ficar animado.

Esse tipo de cuidado aparece constantemente na experiência. Dá para perceber que Paralives nasceu de pessoas que realmente entendem o gênero e passaram anos observando o que os jogadores queriam e aguardavam há anos.

O fato do projeto ter sido financiado pela comunidade, alcançado mais de 1,2 milhão de listas de desejos na Steam e prometer expansões gratuitas ao invés de DLCs pagos também ajuda a explicar a empolgação em volta do game.

Paralives ainda é um acesso antecipado — e isso fica evidente

Mesmo com tanto potencial, é importante reforçar: este não é um jogo finalizado. Há bugs durante o gameplay, sistemas incompletos, mecânicas ausentes e interfaces que ainda precisam de refinamento. Algumas animações parecem limitadas, certas interações sociais carecem de profundidade e vários recursos prometidos ainda não existem.

Mas honestamente? Para quem joga simuladores de vida há anos, isso dificilmente será um choque. A diferença é que Paralives já chega entregando algumas soluções que fãs pedem há décadas em franquias gigantescas. E talvez isso seja justamente o mais impressionante.

Mesmo com orçamento infinitamente menor, uma equipe pequena e um acesso antecipado claramente em evolução, o jogo consegue transmitir personalidade própria e visão criativa. O time também possui um roadmap gigante com promessas e trabalho em desenvolvimento, o que dá confiança na evolução constante do projeto.

Vale a pena?

Se você espera um “The Sims definitivo” já no lançamento do acesso antecipado de Paralives, talvez seja melhor controlar as expectativas. O jogo independente ainda está em desenvolvimento e isso aparece constantemente durante a experiência.

Agora, se você gosta de simuladores de vida, construção criativa e quer acompanhar o nascimento de algo extremamente promissor, Paralives já vale a atenção. Especialmente para quem cresceu jogando The Sims, existe uma sensação quase emocional em perceber um concorrente finalmente tentando inovar de verdade dentro do gênero.

O jogo vai além de apenas copiar fórmulas. Mesmo com problemas esperados, Paralives mostra que é feito por que as pessoas amam esse tipo de jogo há tanto tempo. Em seu estado atual, Paralives ainda não destrona The Sims, mas definitivamente mostra que o trono já não parece tão confortável assim e pode ganhar um novo dono no futuro, depois de atualizações e ajuda de quem mais importa: a comunidade.

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E, sinceramente, poucas empresas fazem isso com tanto charme quanto eles, principalmente pela variedade. Depois de experimentar diferentes estilos dentro da antologia The Dark Pictures Anthology, a desenvolvedora resolveu mergulhar de cabeça na ficção científica espacial com Directive 8020.

O resultado é o jogo mais ambicioso da série até agora — tanto em narrativa quanto em gameplay. Misturando paranoia, horror cósmico, monstros grotescos e um clima constante de desconfiança, o título parece uma mistura de Alien, The Thing e… Among Us.

E olha, isso funciona melhor do que parece, apesar de alguns deslizes durante a caminhada espacial. Trazemos a seguir como foi nossa experiência com Directive 8020 no Xbox Series X.

Ficha técnica

• Jogo: Directive 8020

• Desenvolvedora: Supermassive Games

• Lançamento: 12 de maio de 2026

• Onde jogar: PC, PS5 e Xbox Series S/X

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 209 — R$ 144 em promoção na Nuuvem.

Um filme B espacial extremamente divertido

A história de Directive 8020 acompanha a missão Cassiopeia, uma expedição enviada ao planeta Tau Ceti f na esperança de encontrar um novo lar para a humanidade. Afinal, a Terra está basicamente condenada e a colonização espacial virou a última esperança da espécie humana.

O problema começa quando um meteorito atravessa a nave durante a viagem e introduz uma ameaça alienígena dentro da Cassiopeia. A partir daí, o jogador assume o controle de diferentes membros da tripulação enquanto tenta sobreviver ao caos.

E aqui entra o grande diferencial do jogo — e um spoiler para quem busca uma experiência mais crua: o organismo alienígena consegue imitar perfeitamente os tripulantes. Ou seja, qualquer um pode ser um inimigo.

A premissa lembra imediatamente Among Us, mas em uma versão cinematográfica e muito mais focada em terror psicológico. Existe aquela paranoia constante de desconfiar de todo mundo, analisar comportamentos estranhos e, em alguns momentos, tentar descobrir quem pode ser uma criatura disfarçada.

O mais interessante é que a Supermassive abraça completamente suas inspirações sci-fi. O jogo é recheado de referências a clássicos do gênero, tanto do cinema quanto dos videogames. Tem ecos de Alien, The Thing, Among Us, Dead Space e até um pouco de Mass Effect na construção da tripulação e da missão espacial.

Mesmo sem ser exatamente revolucionária, a narrativa consegue prender bastante graças ao ritmo cinematográfico. Os capítulos são estruturados quase como episódios de uma série sci-fi de suspense, sempre terminando com algum gancho importante ou revelação absurda.

Além disso, o jogo brinca bastante com flashbacks, saltos temporais e diferentes perspectivas dos acontecimentos. Isso ajuda a manter a história dinâmica durante suas cerca de seis a oito horas de duração.

Ainda assim, fiquei com a sensação de que o jogo poderia explorar melhor algumas ideias. O conceito dos impostores alienígenas é muito forte, mas acaba aparecendo menos do que eu imaginava. Em vários momentos, o foco sai da paranoia entre a tripulação e vai para ameaças mais tradicionais envolvendo monstros, perseguições e sobrevivência espacial.

Não chega a ser algo ruim, mas existe uma pequena sensação de “potencial não totalmente aproveitado”. Mesmo assim, terminei Directive 8020 com aquele sentimento clássico de “acabei de assistir uma sessão da Tela Quente”. É exagerado, dramático, às vezes meio cafona, mas bem divertido.

Gameplay traz as maiores mudanças da franquia até agora

Se a história mantém bastante do DNA tradicional da Supermassive, o gameplay é onde Directive 8020 realmente tenta evoluir a fórmula da Dark Pictures. E dá pra perceber isso logo nos primeiros minutos.

Diferente dos jogos anteriores, a câmera agora funciona totalmente em terceira pessoa com maior controle do jogador. A movimentação está mais fluida, os personagens conseguem correr, escalar obstáculos e explorar cenários de maneira muito mais natural. Pode parecer um detalhe pequeno, mas isso muda bastante o ritmo da experiência.

Mesmo com mais ação no pacote, o jogo continua extremamente focado em escolhas narrativas. Afinal, essa é a essência da franquia. Só que agora a desenvolvedora adicionou novas camadas interessantes para tornar as decisões menos previsíveis.

A principal delas é o sistema de “Momentos Decisivos”, que permite voltar para pontos específicos da narrativa e alterar decisões importantes. Dependendo da dificuldade escolhida, você pode literalmente reescrever escolhas que levaram personagens à morte.

É uma solução interessante porque respeita diferentes tipos de jogadores. Quem quer aquela experiência clássica e brutal da Supermassive pode jogar normalmente sem voltar no tempo. Já quem prefere experimentar diferentes caminhos sem repetir horas inteiras da campanha encontra aqui uma ferramenta extremamente útil.

Outro sistema novo envolve os traços de personalidade dos personagens. Dependendo das escolhas feitas durante diálogos e situações de tensão, cada personagem desenvolve características específicas que podem alterar comportamentos futuros, desbloquear caminhos ou até impactar diretamente o final da história.

Gostei bastante dessa ideia porque ela dá uma sensação maior de consequência narrativa. Algumas ações parecem involuntárias justamente porque o personagem já desenvolveu determinados traços psicológicos ao longo da campanha.

Os tradicionais Quick Time Events continuam presentes e seguem funcionando bem. Felizmente, o jogo oferece várias opções de acessibilidade e dificuldade, incluindo ajustes para facilitar os QTEs — algo essencial em um título onde errar um botão pode matar um personagem importante instantaneamente.

O toque de sobrevivência deixa tudo mais intenso… e repetitivo

A grande novidade de Directive 8020 está nos trechos de furtividade e sobrevivência. Inspirado claramente em Alien: Isolation, o jogo traz momentos em que precisamos explorar corredores escuros da nave enquanto evitamos criaturas alienígenas.

Nessas partes, o jogador precisa usar scanners, desviar de vidros, usar ventilações e até controlar a iluminação para não ser detectado. E olha… quando funciona, funciona MUITO bem. Existe uma sensação constante de vulnerabilidade porque os personagens não são soldados armados até os dentes. Você quase sempre está fugindo, improvisando ou tentando sobreviver no desespero.

Isso ajuda bastante a diferenciar Directive 8020 dos jogos anteriores da franquia, garantindo uma pegada mais focada em sobrevivência e exploração. O problema é que a Supermassive talvez tenha exagerado um pouco na quantidade desses segmentos.

Depois de algumas horas, certos trechos de exploração furtiva começam a ficar repetitivos, especialmente para quem entrou no jogo buscando principalmente narrativa e escolhas. Existe uma quebra de ritmo em alguns momentos que pode cansar um pouco, principalmente no final.

Ainda assim, gosto da direção que o estúdio está tomando. Mesmo com alguns excessos, Directive 8020 mostra uma tentativa genuína de evoluir a fórmula da Dark Pictures ao invés de apenas repetir o mesmo modelo de sempre.

Personagens realistas ajudam na imersão

Visualmente, Directive 8020 é facilmente um dos jogos mais bonitos já feitos pela Supermassive. Os modelos dos personagens são absurdamente detalhados, especialmente nas expressões faciais.

A captura de movimento continua sendo um dos maiores pontos fortes do estúdio, e isso ajuda muito a vender o drama da narrativa. A presença de Lashana Lynch como protagonista também funciona bem. A atriz entrega bastante personalidade para Brianna Young e ajuda a elevar o tom cinematográfico da campanha, mas o elenco de apoio é que realmente rouba a cena.

Os cenários da Cassiopeia também são excelentes para o propósito do jogo. A nave transmite perfeitamente aquela sensação claustrofóbica clássica do terror espacial. Corredores apertados, iluminação baixa, alarmes piscando e ambientes industriais criam uma atmosfera constantemente desconfortável.

Por outro lado, alguns monstros acabam caindo naquele visual meio genérico de “massa de carne alienígena”. Não chega a estragar a experiência, mas existem criaturas que parecem menos criativas do que o restante da direção de arte.

Por fim, a trilha sonora também merece elogios, mas com ressalvas. As músicas ajudam bastante na tensão e nos momentos dramáticos, embora eu tenha sentido que as melhores faixas aparecem principalmente nos encerramentos dos capítulos — quase como créditos de série de TV. Funciona bem, mas algumas músicas mereciam mais espaço durante a narrativa em si.

Vale a pena?

Directive 8020 é jogo que mostra um pouco mais de ousadia da Supermassive Games no quesito gameplay, mas sem deixar de lado a tradição narrativa do estúdio. No entanto, para trazer novidades, o estúdio também cometeu alguns deslizes que podem afastar fãs de longa data.

A mistura de terror espacial, paranoia e escolhas narrativas funciona muito bem na maior parte do tempo, especialmente para quem gosta de experiências cinematográficas focadas em história. Mesmo quando exagera nos trechos de furtividade ou deixa algumas ideias interessantes subaproveitadas, o jogo consegue manter o jogador investido.

Além disso, é impossível não se divertir com a vibe de “filme sci-fi de madrugada” que a campanha entrega o tempo inteiro. Directive 8020 sabe exatamente o tipo de experiência que quer oferecer — e abraça isso sem vergonha, seguindo os padrões clássicos do estúdio.

O preço na faixa dos R$ 209 pode afastar parte do público, especialmente considerando a duração relativamente curta da campanha. Por isso, para o jogador que não é entusiasta das obras do estúdio, talvez faça mais sentido esperar uma promoção ou eventual chegada em serviços de assinatura como Game Pass ou PS Plus.

Ainda assim, para fãs de jogos narrativos, terror sci-fi e experiências cooperativas no estilo “passa o controle”, Directive 8020 é uma ótima pedida para um fim de semana cheio de gritos, paranoia e decisões horríveis.

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Confesso que existe um fator emocional aqui, pois joguei o primeiro game em 2020 durante um período em que experiências menores, mais intimistas e focadas em puzzles estavam começando a ganhar um espaço ainda mais especial no mercado. Call of the Sea tinha seus problemas, mas era um daqueles jogos que ficavam na cabeça pela ambientação e narrativa melancólica.

Por isso, quando Call of the Elder Gods foi anunciado, a sensação inicial foi de surpresa ao ver um novo título maior, mais ambicioso e mais confiante. Sem abandonar as bases do original, a sequência evolui praticamente tudo que funcionava no primeiro título e entrega uma aventura que mistura puzzles inteligentes, conspirações lovecraftianas e uma atmosfera que em vários momentos lembra um Indiana Jones sobrenatural.

A seguir, contamos como foi nossa experiência com Call of the Elder Gods no Xbox Series X.

Ficha Técnica

• Jogo: Call of the Elder Gods

• Lançamento: 12 de maio de 2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series S/X e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 73,99, disponível no Game Pass Ultimate e com demo grátis na Steam

O retorno de um universo lovecraftiano

Diferente do primeiro jogo, Call of the Elder Gods muda bastante sua estrutura narrativa. Após os eventos do primeiro game, agora acompanhamos Harry Everhart, professor da Universidade Miskatonic que tenta ignorar sombras estranhas surgindo no canto de sua visão, e Evangeline Drayton, uma estudante atormentada por sonhos impossíveis envolvendo um artefato descoberto anos antes.

A troca de protagonismo funciona muito bem porque o jogo aproveita isso para expandir a mitologia apresentada em Call of the Sea. Aos poucos, a trama mergulha em civilizações alienígenas, cidades fora do tempo, entidades incompreensíveis e experimentos que parecem desafiar completamente a lógica humana.

E o mais interessante é que a história não fica isolada apenas nas cutscenes. Os próprios puzzles ajudam a construir a narrativa. Cada símbolo, mecanismo ou documento encontrado no caminho reforça a sensação de que existe algo muito maior acontecendo naquele universo.

A estrutura com dois protagonistas também ajuda bastante no ritmo da campanha. O jogo alterna perspectivas constantemente e cria diálogos interessantes entre Harry e Evangeline, especialmente porque existem escolhas durante a jornada. A maior parte delas altera conversas e pequenas interações, mas algumas acabam influenciando diretamente o desfecho da campanha, levando a três finais diferentes.

Sem entrar em spoilers, gostei bastante da forma como o estúdio trabalhou esse sistema. Não espere algo no nível de um RPG gigantesco cheio de ramificações absurdas, mas existe um cuidado genuíno em fazer suas decisões parecerem relevantes emocionalmente. Inclusive, a reta final entrega um daqueles dilemas clássicos do horror lovecraftiano: não existe exatamente uma solução perfeita, apenas consequências diferentes.

Ao mesmo tempo, a narrativa pode acabar ficando confusa em alguns momentos — principalmente para quem não jogou Call of the Sea. O jogo menciona eventos passados, organizações misteriosas e conceitos cósmicos importantes sem necessariamente aprofundar tudo isso. Existe uma sensação constante de que o universo do game é enorme, mas a campanha principal escolhe focar apenas na trajetória imediata dos protagonistas.

Isso cria uma experiência curiosa: você termina o jogo satisfeito com a jornada principal, mas também fica com aquela sensação de “eu queria entender ainda mais desse mundo”. Honestamente? Não acho isso totalmente negativo, pois parte do charme lovecraftiano está justamente no desconhecido. Ainda assim, algumas pontas soltas poderiam enriquecer o game se fosse melhor exploradas.

Puzzles que são arqueologia sobrenatural

Se você gostou do primeiro jogo por causa dos quebra-cabeças, vai se encontrar na nova experiência. Call of the Elder Gods dobra a aposta nos puzzles, com um gameplay que continua relativamente simples na teoria, mas desafiador na prática.

Você explora ambientes em primeira pessoa, coleta informações, analisa documentos e resolve puzzles para avançar. Tudo direto no papel, mas a execução ficou muito mais refinada desta vez, com uma progressão extremamente bem construída.

No começo, o jogo apresenta desafios mais intuitivos, quase como uma forma de ensinar sua lógica. Conforme a campanha avança, tudo vai ficando mais elaborado, exigindo interpretação de símbolos, leitura cuidadosa do ambiente e conexão entre pistas espalhadas por diferentes áreas.

E aqui está um detalhe importante: o jogo raramente apela para puzzles impossíveis ou mal explicados. Existe um cuidado genuíno em garantir que o jogador tenha as ferramentas necessárias para resolver os desafios sozinho. O diário dos protagonistas ajuda bastante nisso, organizando informações importantes sem entregar respostas de bandeja.

Além disso, os desenvolvedores implementaram um sistema opcional de dicas bem simples. Caso você fique travado, dá para entrar no menu e pegar algumas pistas e até as respostas para seguir em frente. Quem quer sofrer sozinho pode ignorar completamente as dicas, enquanto quem prefere focar mais na narrativa consegue avançar sem transformar a experiência em uma sessão de frustração.

Outro ponto que gostei bastante é como os puzzles abraçam a temática cósmica do jogo. Não são apenas enigmas aleatórios jogados ali para aumentar a duração. Muitos deles são parte daquele universo, como mecanismos antigos, idiomas esquecidos, artefatos impossíveis e estruturas que desafiam lógica e espaço.

Existe até um charme meio “filme de aventura clássico” em tudo isso. Em vários momentos, eu realmente senti que estava vivendo uma mistura de Indiana Jones com horror cósmico, explorando ruínas antigas atrás de respostas proibidas enquanto uma trilha sonora dramática explodia ao fundo.

No fim das contas, a campanha dura entre seis e oito horas dependendo do quanto você trava nos puzzles, o que considero um ótimo tamanho. É o tipo de jogo perfeito para zerar em um fim de semana, especialmente estando disponível no Game Pass.

Visual impressiona, mas personagens deixam a desejar

Visualmente, Call of the Elder Gods é um salto gigantesco em relação ao primeiro jogo. Utilizando a Unreal Engine 5, o título entrega ambientes extremamente detalhados e variados.

A jornada passa por mansões na Nova Inglaterra, desertos australianos, regiões congeladas e cidades sobrenaturais fora do tempo. Cada cenário possui uma identidade muito própria, explorando perfeitamente a mistura entre aventura arqueológica e horror lovecraftiano.

A direção de arte merece muitos elogios porque consegue equilibrar beleza e estranheza. Existem momentos genuinamente bonitos, com iluminação incrível e paisagens contemplativas, mas também áreas desconfortáveis que parecem existir fora da compreensão humana.

O jogo constantemente brinca com arquitetura impossível, símbolos alienígenas e ambientes que parecem errados de propósito. Assim como no primeiro jogo, essa ambientação é um grande destaque e rende belos prints para wallpaper.

Na parte técnica, a experiência no Xbox Series X também foi excelente. O jogo rodou de forma estável, sem bugs relevantes, travamentos ou quedas perceptíveis de desempenho. O suporte ao Quick Resume também funciona muito bem, algo sempre bem-vindo em jogos single-player que não dependem de conexão constante.

Meu principal problema está justamente nos personagens. Enquanto os cenários são extremamente vivos e detalhados, os rostos acabam destoando bastante do restante da produção. As expressões faciais são limitadas e um pouco artificiais, o que enfraquece alguns momentos emocionais importantes da narrativa.

Não chega a estragar a experiência, mas é impossível não notar essa diferença de qualidade. Para uma possível sequência, vamos torcer para que os protagonistas pareçam mais vivos.

Trilha sonora transforma tudo em um filme de aventura

Se existe algo que elevou ainda mais minha imersão em Call of the Elder Gods, foi a trilha sonora. O trabalho de Eduardo De La Iglesia entrega exatamente o clima que esse universo precisava. Existe uma forte energia de filmes de aventura dos anos 80 aqui — daquelas trilhas que misturam mistério, grandiosidade e descoberta.

Em vários momentos, parecia que eu estava jogando uma versão sobrenatural de Indiana Jones. Principalmente durante as sequências dentro de cavernas antigas ou estruturas esquecidas, enquanto o jogo combina música orquestrada com aquele sentimento constante de que existe algo perigoso esperando na próxima sala.

A dublagem em inglês também funciona muito bem e ajuda bastante na construção emocional dos protagonistas, especialmente durante os momentos mais introspectivos da campanha. O jogo não conta com vozes em português brasileiro, mas a presença de legendas no idioma ajuda bastante — principalmente considerando o preço acessível do game.

Vale a pena?

Call of the Elder Gods é uma daquelas sequências que entendem exatamente o que precisava evoluir sem abandonar a identidade original. O jogo pega os melhores elementos de Call of the Sea, como puzzles inteligentes e ambientação misteriosa, e transforma tudo em algo maior, mais cinematográfico e mais ambicioso.

Mesmo com alguns tropeços na construção da história e nos modelos faciais dos personagens, o resultado final é extremamente positivo. Para quem gosta de jogos focados em narrativa, exploração e quebra-cabeças, essa é uma recomendação fácil.

O jogo é altamente indicado especialmente para assinantes do Game Pass que curtem histórias diferentes e games single-player curtos — a duração fica entre seis e oito horas. Afinal, o título se encaixa perfeitamente naquela experiência de fim de semana que você começa “só para testar” e termina completamente mergulhado na história.

Ao mesmo tempo, o game não funciona para quem busca ação constante ou experiências mais aceleradas — afinal, o combate não existe aqui. Call of the Elder Gods é um jogo paciente, quer que você observe cenários, leia documentos, interprete símbolos e se deixe envolver pela atmosfera. E sinceramente? Ainda bem que ele existe assim.

Depois de cinco anos sem notícias dessa franquia, voltar para esse universo estranho, melancólico e cheio de mistérios foi quase como reencontrar um velho livro esquecido na estante. Você lembra do sentimento que ele causava, abre novamente por curiosidade… e acaba preso ali por horas tentando descobrir o que existe na próxima página. E o resultado final, apesar de não ser perfeito, é bastante satisfatório para o seu escopo.

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O crossover com o battle royale chega no dia 14 de maio e leva personagens icônicos como Mercy, Tracer, Genji e D.Va para a ilha do battle royale da Epic Games. Enquanto isso, dentro de Overwatch, os jogadores poderão desbloquear dezenas de itens cosméticos de graça e revisitar versões antigas do game em eventos nostálgicos.

Sim, o tempo passa rápido: parece que foi ontem que a Mercy revivia um time inteiro com sua Ult. Após cair no esquecimento para muitos jogadores com Overwatch 2, as novas temporadas estão colocando o game nos trilhos novamente, o que faz agora uma boa hora para voltar a jogar.

Overwatch e Fortnite terão crossover com skins e mapa inspirado em King’s Row

Antes de entrarmos em tudo que está rolando em Overwatch, precisamos falar do elefante na sala. A colaboração entre Overwatch e Fortnite finalmente saiu do campo dos vazamentos para virar realidade.

Segundo a Epic Games, os heróis Mercy, Tracer, Genji e D.Va ganharão skins jogáveis em Fortnite, acompanhadas de emotes, picaretas, planadores e outros cosméticos temáticos. E a parceria parece ir além do visual.

Segundo um trailer que já está circulando, Fortnite também receberá armas inspiradas em Overwatch, NPCs de heróis espalhados pelo mapa e até partes de King’s Row, um dos cenários mais queridos da franquia da Blizzard. A habilidade Blink da Tracer e suas pistolas também devem aparecer no gameplay do battle royale — porque aparentemente construir parede e dar muito tiro ao mesmo tempo ainda não era caos suficiente.

A parceria, no entanto, deixa um gosto estranho para quem joga com frequência. Afinal, estamos falando de dois games online que seguem o modelo de game as a service. Ou seja, manter a atividade nos dois títulos com frequência não é algo simples — e falo isso por experiência própria.

Por aqui, a gente tem o costume de escolher um jogo como serviço e reservar o resto do tempo para outras experiências, desde jogos single-player até multiplayers focados em história, como Diablo IV, por exemplo. E esse comportamento é comum entre os gamers, afinal, apesar de termos títulos online dominando os rankings de mais jogados, cada um possui uma comunidade bem consolidada.

Como pessoa que joga ambos os títulos, acho a colaboração bem interessante. Ainda assim, a solução também mostra que a Blizzard podia ter investido mais onde realmente importa: o seu próprio jogo.

Evento de 10 anos de Overwatch traz skins grátis e modos clássicos

Dentro de Overwatch, o evento de aniversário acontece entre 13 de maio e 1º de junho com uma enxurrada de conteúdo gratuito. Entre os destaques estão 21 skins exclusivas inspiradas no elenco original do jogo, todas com uma nova paleta roxa comemorativa.

Os jogadores também poderão desbloquear caixas de loot, pingentes de arma, sprays e cosméticos criados tanto pela equipe da Blizzard quanto pela comunidade. Além disso, existe uma barra de progresso global em que todas as partidas ajudam a liberar recompensas coletivas.

Entre os brindes anunciados estão:

• 15 caixas de loot de aniversário;

• skins comemorativas dos heróis clássicos;

• cosméticos desenvolvidos pela comunidade;

• charms temáticos de 10 anos;

• recompensas especiais para contas antigas.

Quem jogar durante as três semanas do evento ainda poderá desbloquear a skin lendária “10-Years Cheers Tracer”.

Modos retrô revisitam fases clássicas do jogo

A Blizzard também decidiu apostar pesado na nostalgia. Durante o evento, Overwatch receberá modos temporários que recriam diferentes eras do game, incluindo a versão original de 2016 e uma edição baseada no meta de 2020.

O cronograma ficou assim:

• Classic 2016 — disponível a partir de 12 de maio;

• Mystery Showdown — chega em 19 de maio;

• Classic 2020 — liberado em 26 de maio.

É basicamente uma viagem no tempo para lembrar como era viver sem metade dos heróis atuais, sem perks e sem dezenas de balanceamentos por temporada. Alguns jogadores chamam isso de nostalgia. Outros chamam de trauma competitivo.

Para abrir os trabalhos, os principais desafios envolvem o modo clássico, que traz um elenco limitado de heróis e habilidades clássicas. O combo inclui habilidades apelonas, como a Mercy que revive todo o time, mostrando com o game mudou em 10 anos.

O modo nostálgico é bem divertido e entretém por um tempo, mas achei uma escolha complicada deixar grande parte dos desafios para ganhar skins centradas no Clássico durante os primeiros dias. Afinal, a empresa está “obrigando” os jogadores a usarem um modo fora do comum para garantir skins grátis comemorativas.

Blizzard também revelou novas skins e eventos de Overwatch

Além do aniversário, a atualização de meio de temporada de Overwatch 2 também trouxe novas coleções cosméticas e eventos competitivos. Entre os destaques estão:

• A skin mítica “Ra Ana”, que está bem trabalhada;

• As coleções temáticas “What If?”, “Date Night” e “White Rabbit”, que trazem skins para diversos personagens;

• O novo sistema de espectador ao vivo para partidas do Top 500;

• o retorno do evento Pride durante o mês de junho.

A coleção “What If?”, aliás, já virou assunto nas redes por incluir um visual de empregada doméstica para Ramattra. Sim, o vilão robótico mais ameaçador do jogo agora também parece pronto para reclamar da poeira na estante.

Jogadores chineses receberam recompensas ainda maiores

Apesar da quantidade de itens gratuitos distribuídos globalmente, parte da comunidade ficou surpresa ao descobrir que os jogadores chineses terão recompensas muito mais generosas.

Na versão operada pela NetEase, os jogadores receberão dezenas de skins lendárias, skins míticas adicionais, prismas míticos e outras recompensas especiais. A diferença gerou discussões online, embora muitos jogadores tenham lembrado que a comunidade chinesa ficou anos sem acesso ao jogo após a separação entre Blizzard e NetEase em 2022.

Mesmo assim, para um jogo que passou por cancelamento de PvE, mudanças de direção e uma montanha-russa de opiniões da comunidade, chegar aos 10 anos com crossover em Fortnite e chuva de cosméticos grátis não é exatamente pouca coisa. Overwatch pode até ter mudado bastante ao longo da década, mas aparentemente ainda sabe como chamar atenção quando quer.

Evento de 10 anos é ofuscado por temporadas de peso

Apesar de trazer vários conteúdos, o evento de 10 anos de Overwatch também deixa um gostinho de quero mais. Afinal, estamos falando de um jogo como serviço que marcou época garantindo seu décimo ano de existência.

Como fã das antigas de Overwatch, sinto que a Blizzard podia aproveitar esse momento bom do jogo, que foi renovado com o arco atual de história, para fazer algo grandioso. Além disso, alguns jogadores talvez estejam decepcionados com o conteúdo entregue, justamente, porque o game está muito bom ultimamente.

No começo da segunda temporada, o título recebeu uma nova heroína, a atiradora Sierra, que trouxe muita movimentação no meta do game. Ela chegou como parte do esforço da empresa que também liberou cinco novos heróis em uma sentada no começo do ano, incluindo Jetpack Cat.

Não só isso, a temporada atual ganhou diversos pacotes de skins belíssimos, como o Dia de Chuva e Sakura, com visuais que realmente alteram os personagens. O Dia de Chuva, por exemplo, transforma Roadrog em um porco de capa, enquanto o Sakura traz padrões que encatam pela qualidade.

Enquanto esses conteúdos são pagos, a Blizzard mostra que tem potencial de entregar skins de grande porte para os jogadores. E qual momento seria melhor para demonstrar essa expertise que os 10 anos de Overwatch?

Ausência de evento coop também deixa gosto de quero mais

Outro fator que ficou de fora do aniversário de 10 anos são as missões cooperativas, um dos maiores tabus da história do game. Enquanto o pacote Invasão está disponível para compra na loja, como sempre, o evento não menciona outros momentos icônicos da história do game.

Durante o auge de Overwatch, o jogo recebeu eventos cooperativos limitados. Um deles, inclusive, é o Retribuição, que está ligado diretamente com a história do arco atual da Talon, mostrando a morte do pai de Vendetta. Seja por limitação técnica ou despriorização, o coop não é mencionado no aniversário.

Com o evento focando em modos que são modificações da fórmula tradicional, Overwatch entrega uma experiência divertida, mas que deixa a sensação de que poderia ir mais longe.

Vale a pena jogar agora?

Mesmo com deslizes, Overwatch ainda entrega uma experiência de gameplay bem divertida atualmente, principalmente para um jogo free-to-play. As novas temporadas trouxeram personagens que revitalizaram o gameplay para os veteranos e abriram espaço para novatos entenderem por que o game virou febre lá em 2016.

Com o evento de aniversário recheado de itens grátis, modos nostálgicos e uma segunda temporada cheia de skins caprichadas, agora é uma ótima hora para dar uma chance ao jogo. Para quem abandonou Overwatch depois das polêmicas envolvendo Overwatch 2, o momento atual realmente lembra os tempos áureos da franquia, com atualizações frequentes, metas mais variados e a Blizzard finalmente parecendo ter encontrado um rumo mais consistente para o game.

Ainda assim, vale lembrar: Overwatch continua sendo um jogo online extremamente focado em trabalho em equipe. Isso significa que boa parte da experiência ainda depende diretamente de quem cai no seu time. Em uma partida, você pode encontrar um grupo sincronizado digno de campeonato. Na outra, alguém pode escolher Widowmaker e terminar com três eliminações em 15 minutos. Faz parte do charme… ou do caos.

No fim das contas, seja para veteranos que sentem saudade da época do “grupo fechado 6v6” ou para novatos curiosos depois da parceria com Fortnite, Overwatch está em uma fase interessante para voltar — ou começar — a jogar. Só não dá para prometer que o suporte vai curar.

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Desde os primeiros testes antes do lançamento oficial aqui no Jornal, acompanhar a evolução do jogo foi quase como observar Santuário tentando se reconstruir em tempo real. Temporada após temporada, ajustes vieram, classes mudaram, sistemas foram reformulados e o game passou por altos e baixos enquanto buscava sua identidade definitiva.

Agora, com Diablo IV: Lord of Hatred, essa caminhada finalmente chega ao fim. Mais do que apenas uma expansão tradicional, Lord of Hatred funciona como uma conclusão definitiva para a história iniciada no jogo base e, ao mesmo tempo, como uma espécie de “versão completa” de Diablo IV.

Com seu ato final, Diablo IV deixa de parecer uma promessa em construção e finalmente assume sua forma final. E depois de dezenas de horas explorando Skovos, testando novas builds e mergulhando novamente no caos demoníaco de Santuário no Xbox Series X, fica claro que a Blizzard encontrou aqui sua melhor versão do RPG.

Ficha técnica

• Jogo: Diablo IV: Lord of Hatred

• Desenvolvedora: Blizzard

• Lançamento: 27 de abril de 2026

• Onde jogar: PS5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 174,90

A review foi realizada com uma cópia da expansão cedida pela Blizzard.

Bruxo rouba a cena e transforma o combate em puro caos

Antes mesmo de falar da campanha, é impossível ignorar o principal chamariz da expansão: as novas classes Paladino e Bruxo. Ambos trazem estilos bem diferentes de gameplay, o que pode agradar quem está retornando ao game.

O Paladino certamente vai cair nos gostos dos veteranos saudosos de Diablo II, principalmente por sua mistura de combate pesado, habilidades sagradas e visual clássico. Mas como já existe uma análise focada nele aqui no Jornal, a experiência desta review mergulhou de cabeça no Bruxo — e honestamente, foi difícil largar o controle depois das primeiras horas.

A nova classe parece uma mistura caótica entre Druida, Necromante e algo completamente novo. O Bruxo manipula forças demoníacas sem necessariamente se tornar servo delas, usando duas barras de recurso diferentes para controlar habilidades mais estratégicas.

Enquanto a Dominância permite invocar criaturas infernais para lutar ao seu lado, a Ira aposta em ataques agressivos e destrutivos realizados diretamente pelo personagem. O kit básico já é bem divertido e variado, só que o verdadeiro brilho da classe aparece mais tarde.

Quando as habilidades avançadas começam a ser desbloqueadas, Lord of Hatred praticamente entrega um segundo personagem dentro da mesma classe. O Bruxo pode realizar rituais sombrios envolvendo sacrifícios de inimigos e até assumir uma forma demoníaca completa, ganhando novas habilidades exclusivas e um poder absurdo de destruição.

Existe algo extremamente divertido em perceber que você deixou de ser apenas alguém tentando sobreviver ao Inferno e passou a parecer uma criatura saída dele. E isso muda completamente o ritmo do combate.

O Bruxo consegue alternar entre gerenciamento estratégico de criaturas invocadas e momentos de puro caos na tela, criando uma gameplay que constantemente recompensa experimentação. É uma classe exagerada, visualmente absurda e extremamente prazerosa para quem gosta daquela sensação clássica de Diablo de explodir hordas inteiras de inimigos em segundos.

Nova árvore de habilidades finalmente revitaliza Diablo IV

Se as novas classes já seriam suficientes para justificar a expansão, Lord of Hatred ainda entrega uma reformulação importante nos sistemas do jogo. A nova árvore de habilidades adiciona variantes extras para praticamente todas as classes, expandindo significativamente as possibilidades de build.

E isso impacta até mesmo quem já passou centenas de horas no endgame anteriormente. Personagens antigos ganham novas funções, novas combinações surgem e builds esquecidas voltam a parecer viáveis.

É uma mudança grande e até intimidadora nas primeiras horas, mas extremamente necessária para um jogo que precisava renovar sua sensação de progressão. O mais interessante é como essa atualização faz Diablo IV parecer fresco novamente sem abandonar sua identidade.

Existe uma sensação constante de descoberta, mesmo para veteranos. Aquela velha ideia de “só mais uma dungeon” continua perigosamente viva aqui. Porém, o jeito que você aborda cada espaço com suas novas habilidades fica diferente, pois a personalização é mais grande do que nunca.

Multiplayer local continua sendo um dos segredos mais divertidos do jogo

Uma das qualidades menos comentadas de Diablo IV continua brilhando em Lord of Hatred: o multiplayer local. Enquanto muitos jogos ignoram essa função, o jogo da Blizzard segue brilhando com esse recurso clássico nos consoles.

Toda a expansão pode ser jogada em tela dividida no Xbox Series X e PS5, mantendo progresso compartilhado e funcionamento extremamente fluido. E honestamente? Poucos jogos atuais conseguem oferecer uma experiência cooperativa de sofá tão divertida quanto Diablo.

Existe algo especial em passar horas limpando masmorras, organizando loot e enfrentando chefes absurdos ao lado de outra pessoa na mesma tela. A expansão entende isso e mantém toda a experiência cooperativa intacta.

• Saiba mais - Diablo 4 tem multiplayer local? Veja como usar

Para casais, amigos ou simplesmente pessoas que sentem falta daquele multiplayer local clássico, Lord of Hatred entrega um dos melhores coop atuais do mercado. E com todo o progresso fica salvo na conta online, dá até pra trocar de dispositivo e seguir com o mesmo personagem.

Lord of Hatred entrega o encerramento de peso na história

Narrativamente, Lord of Hatred segue o padrão cinematográfico que a Blizzard domina há décadas. A campanha leva os jogadores para Skovos, uma nova região extremamente importante para o universo de Diablo, explorando as consequências finais da influência de Lilith e da ascensão de Mefisto.

Sem entrar em spoilers, a expansão consegue entregar peso emocional suficiente para fazer essa conclusão parecer merecida. E talvez o mais interessante seja justamente isso: depois de acompanhar Diablo IV desde antes do lançamento, existe uma sensação genuína de encerramento aqui.

Você percebe como personagens mudaram, como o mundo ficou mais desesperado e como Santuário parece cansado de sobreviver eternamente ao mesmo ciclo de destruição. Lord of Hatred entende o peso dessa jornada e usa isso muito bem em sua ambientação.

Qualidade técnica

Na parte técnica, Diablo IV segue um show — e Skovos ajuda bastante nessa sensação. O jogo esbanja beleza em um mundo caótico e repleto de ameaças.

As áreas litorâneas, florestas densas e regiões inundadas criam um contraste visual muito bonito com outras partes do jogo base. Tudo mantém a identidade sombria da franquia, mas adiciona uma melancolia diferente, quase como se o próprio mundo estivesse desmoronando lentamente.

No Xbox Series X, o visual impressiona bastante, assim como no jogo base e na expansão anterior. Os efeitos de iluminação, a qualidade das animações e o nível de detalhe dos cenários ajudam a criar uma ambientação extremamente imersiva, mesmo com a visão isométrica.

Áudio transforma o Inferno em algo assustadoramente imersivo

Se visualmente Diablo IV continua impressionante, o trabalho sonoro de Lord of Hatred talvez seja ainda melhor. A Blizzard continua entendendo como poucos o poder da ambientação sonora.

Jogando em uma soundbar JBL com Dolby Atmos, a sensação de imersão foi absurda. As habilidades ecoam pelos ambientes, explosões mágicas ocupam diferentes direções do áudio e a trilha sonora sabe exatamente quando crescer ou desaparecer silenciosamente para deixar o desconforto tomar conta.

A dublagem em português brasileiro também merece elogios. As vozes carregam peso dramático sem soar artificiais, algo essencial em uma expansão tão focada na narrativa.

Não é apenas uma trilha bonita. O áudio aqui ajuda a construir tensão, medo e grandiosidade constantemente, algo que faz de Diablo IV um jogo assustadoramente prazeroso de se jogar.

O excesso visual ainda incomoda

Apesar dos elogios na parte técnica, Diablo IV ainda carrega alguns problemas antigos. Os menus continuam excessivamente complexos, cheios de informações, abas demais e sistemas que poderiam ser apresentados de maneira mais intuitiva.

Para veteranos isso eventualmente vira rotina. No entanto, novos jogadores provavelmente ainda vão se sentir um pouco perdidos no início, o que acaba tirando um pouco da magia do game.

O Bruxo também amplifica outro problema recorrente do jogo: o excesso visual. Entre invocações, explosões demoníacas, partículas, efeitos elementais e dezenas de inimigos simultâneos, alguns momentos viram um verdadeiro carnaval infernal na tela.

Em batalhas mais caóticas, especialmente no multiplayer, entender exatamente o que está acontecendo pode ser complicado. Felizmente, é algo que melhora conforme você se acostuma com os sistemas e aprende a “ler” o caos visual do combate.

Ainda assim, seria interessante ver a Blizzard oferecendo mais opções de limpeza visual no futuro. Logo, se você está interessado no game, vale a pena ter isso em mente antes da compra.

Vale a pena?

Lord of Hatred não é apenas uma expansão, é a sensação de finalmente ver Diablo IV completo. Depois de anos acompanhando o jogo evoluir, mudar e tentar encontrar seu melhor formato, Lord of Hatred entrega exatamente aquilo que muitos jogadores esperavam: uma conclusão épica para a campanha, novas classes extremamente divertidas e sistemas capazes de revitalizar completamente a experiência.

O Bruxo sozinho já justificaria parte do pacote, mas as melhorias gerais no gameplay, na progressão e no endgame tornam essa expansão importante tanto para veteranos quanto para novatos. E talvez esse seja o maior mérito da Blizzard aqui.

Pela primeira vez desde o lançamento original, Diablo IV realmente parece pronto para ser recomendado sem ressalvas enormes. Com todas as expansões disponíveis, múltiplas classes, ajustes acumulados ao longo dos anos e uma campanha finalmente concluída, agora é o melhor momento possível para entrar em Santuário.

Se você abandonou o jogo no passado, Lord of Hatred é um ótimo motivo para voltar. E se nunca jogou Diablo IV, talvez essa seja exatamente a versão que valia a pena esperar.

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Ele é curto, extremamente linear, tem pouquíssima gameplay tradicional e depende muito mais da conexão emocional do jogador do que de qualquer desafio mecânico. Mas talvez seja justamente aí que mora sua força.

Desenvolvido pelo mesmo estúdio de The Artful Escape, Mixtape é uma experiência narrativa sobre amizade, juventude e despedidas. Acompanhamos três amigos durante sua última noite antes do fim do colégio, enquanto uma seleção musical cuidadosamente montada conduz o jogador por lembranças, sentimentos e momentos que parecem saídos diretamente de um clássico da Sessão da Tarde dos anos 90.

É aquele tipo de aventura que mistura melancolia e conforto ao mesmo tempo, como revisitar uma memória feliz sabendo que ela nunca mais vai voltar. E por mais que eu tenha começado o jogo acreditando que ele talvez não fosse “para mim”, bastaram algumas músicas, alguns diálogos e alguns silêncios para eu perceber que Mixtape não queria apenas me divertir. Ele queria me fazer sentir.

Ficha Técnica

• Jogo: Mixtape

• Lançamento: 7/05/2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2.

• Plataforma de teste: Xbox Series S

• Preço: A partir de R$ 54 (incluso no XboX Game pass Ultimate).

O jogo foi testado utilizando a versão do Xbox Game Pass.

Um álbum musical em forma de videogame

Poucos jogos conseguem usar música de maneira tão orgânica quanto Mixtape. Aqui, a trilha sonora não serve apenas para ambientar cenas ou criar emoção em momentos específicos: as músicas literalmente conduzem a narrativa. Cada faixa escolhida parece representar uma fase emocional da história, quase como se estivéssemos ouvindo um álbum cuidadosamente organizado para nos levar por diferentes estados de espírito.

A protagonista Stacy Rockford funciona quase como uma curadora dessas emoções. Conforme a noite avança, somos transportados para memórias que misturam alegria, insegurança, paixão, medo do futuro e aquela sensação agridoce de perceber que a adolescência está chegando ao fim. Existe uma metalinguagem muito forte em toda a construção do jogo, porque Mixtape entende perfeitamente o poder que a música tem de eternizar momentos da vida.

É impossível não perceber o carinho colocado nessa estrutura narrativa. Cada sequência parece montada para provocar um sentimento específico no jogador, como se a Beethoven & Dinosaur estivesse organizando um verdadeiro álbum emocional.

Existem momentos de euforia, outros contemplativos e alguns surpreendentemente melancólicos. E mesmo quando certas cenas parecem simples, a combinação entre música, direção e contexto faz tudo ganhar um peso muito maior.

É um filme interativo? Sim… mas isso nunca foi um problema

A principal crítica que muita gente provavelmente fará a Mixtape é justamente a quantidade extremamente limitada de gameplay. E honestamente? É uma crítica compreensível. O jogo possui poucos momentos realmente “interativos” no sentido tradicional.

Não existem sistemas complexos, escolhas narrativas relevantes ou mecânicas profundas. A história já está definida, e o jogador está ali principalmente para acompanhá-la. Mas em nenhum momento isso me incomodou.

Existe uma certa obsessão na indústria em validar videogames apenas através da complexidade de suas mecânicas, como se um jogo precisasse constantemente desafiar o jogador para justificar sua existência. Mixtape ignora completamente essa lógica e entende videogames como uma ferramenta narrativa, assim como cinema ou música. E dentro dessa proposta, funciona muito bem.

Ao longo da jornada, controlamos os personagens em pequenos cenários, exploramos ambientes detalhados e participamos de minigames simples que ajudam a reforçar os sentimentos daquela fase da vida. Em um momento estamos tentando manter o equilíbrio enquanto carregamos filmes; em outro, aprendendo o tempo certo de rebater uma bola de softball. Nenhuma dessas atividades é particularmente complexa, mas todas ajudam a criar intimidade com os personagens e com aquele universo.

Além disso, mesmo com movimentos limitados pela narrativa, Mixtape oferece pequenas liberdades que fazem diferença. Explorar quartos, observar detalhes dos cenários e simplesmente caminhar pelos ambientes ajuda a criar uma sensação de presença que um filme talvez não conseguiria alcançar da mesma forma. É justamente essa interação mínima que transforma a experiência em algo mais pessoal.

Uma trilha sonora que carrega a alma do jogo

Se existe algo que define Mixtape, é sua música. Confesso que normalmente trilhas sonoras não costumam me impactar tanto em jogos ou filmes. Especialmente músicas internacionais, que não fazem muito parte do meu cotidiano.

No entanto, aqui foi impossível não se deixar levar. A trilha não apenas acompanha a experiência: ela é a experiência. Faixas como More Than This e Yesterday’s Hero transformam cenas simples em momentos memoráveis.

Existe um cuidado impressionante em como cada música entra, cresce e conversa com o que está acontecendo na tela. Em muitos momentos, parecia que eu não estava apenas jogando, mas revivendo memórias que nem eram minhas.

E talvez seja exatamente isso que torna Mixtape tão especial. Mesmo que você não tenha vivido aquela adolescência americana retratada pelo jogo, existe algo universal ali. O medo do futuro, a vontade de prolongar momentos felizes, o receio de que amizades acabem quando a vida adulta começar… tudo isso atravessa a tela com muita naturalidade.

Para quem cresceu ouvindo bandas como Joy Division, Roxy Music, Smashing Pumpkins e Siouxsie and the Banshees, imagino que a conexão emocional seja ainda mais forte. Mas mesmo para quem não possui essa bagagem musical, o jogo consegue funcionar porque entende perfeitamente o sentimento que quer transmitir.

Um dos jogos mais bonitos dos últimos anos

Visualmente, Mixtape também é um absurdo. A direção de arte da Beethoven & Dinosaur já chamava atenção em The Artful Escape, mas aqui o estúdio parece ainda mais seguro da própria identidade artística. O jogo possui uma estética cartoon extremamente estilizada, com uso brilhante de iluminação, composição de cena e cores vibrantes que fazem cada ambiente parecer vivo.

E não é apenas bonito de maneira superficial. Existe muito cuidado na construção desses espaços. Os quartos dos personagens, por exemplo, refletem suas personalidades através de pequenos detalhes espalhados pelo cenário. Os NPCs possuem animações cheias de vida e reagem de maneiras diferentes ao jogador, criando uma sensação constante de que aquele mundo existe além da nossa presença.

Cada cenário parece pensado para provocar alguma sensação específica. Algumas cenas passam conforto; outras, nostalgia; algumas conseguem até gerar uma tristeza silenciosa sem precisar de uma única linha de diálogo. É um daqueles jogos em que frequentemente você desacelera só para observar tudo ao redor.

Vale a pena?

Sem exagero: até aqui, Mixtape é meu jogo do ano. E não porque ele reinventa a indústria ou apresenta mecânicas revolucionárias. Muito pelo contrário. Mixtape funciona justamente porque sabe exatamente o que quer ser.

O jogo não tenta agradar todo mundo, não tenta inflar sua duração artificialmente e nem se preocupa em justificar sua existência através de sistemas complexos. Ele só quer contar uma história. E faz isso de maneira extremamente humana.

Durante suas cerca de três horas de duração, eu joguei constantemente com um sorriso no rosto. Existe uma leveza muito bonita em toda a experiência, mesmo nos momentos mais melancólicos. Quando a experiência chega ao fim, a sensação não era de “acabou um jogo”, mas de estar se despedindo de pessoas que eu aprendi a gostar.

Claro, quem busca gameplay intensa, liberdade narrativa ou desafios talvez não encontre aqui o que procur. E a boa notícia é que temos muitos jogos bons este ano que podem suprir esta necessidade maior por ação, como Pragmata, Crimson Desert e Resident Evil Requiem, além de indies como Dead as Disco.

Mixtape é muito mais próximo de uma experiência sensorial e emocional do que de um videogame tradicional. Mas honestamente? Acho que isso faz dele ainda mais especial. Afinal, existe espaço pra tudo na indústria de games, principalmente quando o jogo é feito com qualidade.

Talvez Mixtape não seja o tipo de jogo que você normalmente gosta, mas é exatamente o tipo de jogo que vale a pena experimentar pelo menos uma vez. Porque algumas histórias não precisam durar dezenas de horas para permanecerem com você.

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Com lançamento em 7 de maio de 2026, o conteúdo adiciona uma nova abordagem focada na criação artística, ampliando o escopo do museu e trazendo novas camadas de estratégia. Se antes a graça estava em montar exposições com itens encontrados em expedições, agora o jogo convida o jogador a literalmente produzir arte dentro do próprio museu.

Ficha técnica

• Jogo: Two Point Museum – Arte-Fatos

• Desenvolvedora: Two Point Studios/SEGA

• Lançamento: 07/05/2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series S/X e Nintendo Switch 2.

• Plataforma de teste: PC

• Preço: A partir de R$ 45

A seguir, contamos como foi a experiência com a expansão e se essa nova proposta realmente agrega valor ao gameplay já conhecido. Uma cópia de review da expansão foi cedida pela assessoria da SEGA.

Nova proposta de gameplay traz mais estratégia (e mais responsabilidade)

A principal novidade de Arte-Fatos é a introdução do Especialista em Arte, um novo tipo de funcionário que vai muito além de explorar mapas em busca de relíquias. Agora, ele também pode criar obras próprias dentro de um estúdio dedicado, o que muda bastante a dinâmica tradicional do jogo.

Cada obra produzida carrega uma emoção específica, como alegria, tristeza ou romance, o que adiciona uma camada interessante na hora de montar exposições. Isso transforma o museu em algo mais autoral e menos dependente apenas de descobertas externas.

Por outro lado, essa liberdade vem acompanhada de novas exigências, já que essas emoções não estão disponíveis desde o início. É preciso desbloqueá-las por meio de expedições e progressão dos personagens, o que deixa o gerenciamento mais complexo.

Essa mudança torna o jogo mais estratégico, mas também mais punitivo para quem não presta atenção na equipe. Uma má gestão pode travar o progresso por um tempo, especialmente se você não tiver os especialistas certos para criar as obras necessárias.

Sistema de criação de arte amplia possibilidades

A criação de obras dentro do museu é, sem dúvida, o coração da expansão. O estúdio de arte funciona como uma nova sala essencial, onde especialistas produzem peças que podem ser expostas ou até comercializadas.

A qualidade das obras depende diretamente da experiência do profissional e da profundidade emocional trabalhada. Quanto mais refinada a peça, maior seu valor — tanto para atrair visitantes quanto para gerar lucro.

E aqui entra uma mecânica interessante: as obras podem ser leiloadas. Isso se torna um recurso valioso em momentos de aperto financeiro, oferecendo uma alternativa dinâmica para equilibrar as contas do museu.

Essa decisão entre expor ou vender cria um dilema constante, especialmente quando você precisa escolher entre manter a qualidade da galeria ou garantir o caixa positivo.

Novas mecânicas exigem mais atenção na gestão

Com a chegada da expansão, alguns sistemas também foram ajustados, o que pode pegar jogadores mais acostumados de surpresa. Um exemplo claro é o fato de que obras de arte não podem ser desmontadas na Sala de Análise.

Isso quebra um hábito comum do jogo base, e pode levar a decisões pouco eficientes se o jogador agir no automático. Aqui, é necessário repensar a forma de lidar com os itens e focar mais na evolução dos especialistas.

Outro detalhe importante está nas novas qualificações dos funcionários, como a habilidade de Modelagem para assistentes. Isso permite que eles participem diretamente da criação de obras, como retratos e esculturas.

Esse tipo de integração entre funções deixa o gerenciamento mais profundo e interessante, mas também aumenta a complexidade geral da experiência.

Porto Mudundee e novos itens mantêm o charme da série

A nova localização, Porto Mudundee, segue o estilo irreverente característico da franquia, trazendo um ambiente propício para essa proposta mais artística. O mapa de expedição ligado ao Caderno de Esboços da Zara também adiciona variedade às missões.

Além disso, a expansão inclui mais de 27 novas peças de arte, displays interativos e itens temáticos que ajudam a renovar o visual do museu. Como de costume, o humor está presente em cada detalhe.

Um dos destaques fica para a cafeteria temática, com móveis em estilo 2D preto e branco que reforçam a identidade criativa do conteúdo. Para quem gosta de decorar, é um prato cheio.

Ainda assim, fica aquela sensação de que mais variedade de itens não faria mal, especialmente considerando o potencial criativo dessa proposta.

Vale a pena investir na expansão Arte-Fatos?

Arte-Fatos não reinventa Two Point Museum, mas adiciona uma camada significativa de profundidade ao gameplay. A criação de obras e o foco nas emoções trazem uma identidade própria para a expansão que certamente vai agradar os fãs.

Por outro lado, ela também exige mais atenção e planejamento, o que pode afastar jogadores que preferem uma experiência mais tranquila. Ainda assim, para quem já está imerso no jogo base, o conteúdo é um ótimo complemento, principalmente com o convidativo preço de R$ 45.

No fim das contas, o ciclo continua o mesmo — expandir, atrair visitantes e otimizar o museu — mas com novas ferramentas e desafios. E honestamente, se vierem mais expansões nesse nível, fica difícil reclamar.

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E essa escolha teve resultados que ficam evidentes no novo projeto. Se ele não abandonou completamente a identidade focada em gameplay que marcou títulos anteriores do estúdio, há concessões claras a questões como acessibilidade e narrativa para se encaixar no conhecido “estilo Triplo A”.

O resultado dessa mistura é um jogo que, tecnicamente excelente e muito divertido, nem sempre trafega bem entre o desafio e a ênfase na progressão contínua. No entanto, o resultado final é bastante satisfatório e Saros é definitivamente um dos melhores representantes de seu estilo a chegar às lojas em 2026.

Ficha técnica

• Jogo: Saros

• Desenvolvedora: Housemarque

• Lançamento: 30/04/2026

• Onde jogar: PlayStation 5

• Plataforma de teste: PlayStation 5

• Preço: R$ 399,90

Jogamos Saros com uma chave cedida pela PlayStation.

Saros é sobre tentar, falhar e recomeçar

Em Saros, somos apresentados ao protagonista Arjun que, ao menos nas primeiras horas de jogo, fica tão confuso quanto o jogador sobre o que está acontecendo. Tudo o que sabemos é que fazemos parte da Echelon IV, uma expedição que partiu rumo ao planeta Carcosa após as três versões anteriores da Echelon sumirem sem deixar sinal.

Chegando no local, não demoramos a nos confrontar com criaturas bastante agressivas e com um antigo colega que não está nos melhores dias. E, com essa recepção, fica bastante evidente que nossa jornada no planeta não vai ser muito pacífica — mas há bons motivos para o protagonista da história não desistir de sua jornada (calma, não vou entrar em spoilers).

Em um review do jogo, é difícil não mencionar Returnal, seu antecessor, dado o quanto eles são semelhantes em diversos pontos. Ambos trazem narrativas que são contadas aos poucos (muitas vezes por documentos e mensagens de áudio), nas quais a morte do personagem principal e seu retorno a uma base revelam novos detalhes sobre o que está acontecendo.

Além disso, os dois são jogos de tiro em terceira pessoa marcados pelo grande desafio, que fazem os jogadores sentirem na prática que precisam melhorar e aprender os padrões de seus inimigos. Assim, seria fácil dizer que a Housemarque simplesmente pegou a fórmula que funcionou e a adaptou para outro contexto.

No entanto, quanto mais adentramos em Saros, mais percebemos que esse é um jogo que não quer exatamente que você falhe. Ele não vai exatamente dificultar e vai colocar várias barreiras complicadas em seu caminho. Mas, no fundo, a desenvolvedora não quer que você desista e fornece várias ferramentas para garantir que você vai chegar aos créditos, contanto que tenha paciência suficiente.

Não é só sua habilidade que conta

O maior diferencial do jogo em relação a Returnal é o quanto ele facilita o acesso a upgrades permanentes — o que não é exatamente uma novidade para o gênero “roguelight” ao qual ele pertence. Enquanto sua habilidade realmente conta na hora de enfrentar inimigos e sobreviver a eles, aos poucos vamos desbloqueando alguns facilitadores bastante impactantes.

Logo nas primeiras horas, você vai descobrir que pode aumentar sua quantidade de vida, resistência e até mesmo o quanto obtém de dinheiro com relativa facilidade. Mais para frente, vai destravar uma segunda chance que mantém Arjun nas batalhas, bem como o acesso a armas mais poderosas e um maior acesso a itens de cura, entre outras vantagens.

Enquanto tecnicamente é possível ignorar tudo isso e manter Saros “puro” (e bastante difícil), esse claramente não é o intuito da Housemarque. Isso não significa necessariamente que ela abandonou quem procura por uma experiência hardcore, mas mesmo suas soluções para isso são comedidas.

No ponto intermediário do jogo, desbloqueamos os “Modicadores Carcosianos”, que permitem aumentar muito a resistência ou o dano de inimigos, por exemplo. No entanto, o game nos obriga a equilibrar essas dificuldades adicionais com vantagens para o protagonista — uma forma de impedir que a experiência chegue a um ponto que se torne completamente inacessível.

Essa situação representa aquilo que considero uma das fraquezas de Saros e que mostra que a Housemarque está em um ponto de transição de sua história. Ao mesmo tempo que não abraça totalmente o lado narrativo e acessível, a empresa também abre mão de seu histórico focado no arcade, onde o desafio imperava e ditava as regras.

E isso se traduz em certa frustração para jogadores que buscam por um desses lados em específico. Para quem gosta do desafio, o jogo “não chega lá” (Returnal é muito mais desafiador), enquanto quem busca pela narrativa inevitavelmente vai enfrentar momentos nos quais a dificuldade aumenta subitamente e demanda algum “grind” para desbloquear novas habilidades.

Eu gosto mais de azul do que de amarelo

Enquanto a dificuldade e a narrativa de Saros se mantém em um conflito constante, felizmente a parte que importa do jogo é excelente. A Housemarque criou um gameplay bastante viciante, que vai fazer você ficar mais atento às cores azul, vermelha e amarela (e provavelmente ter alguns pesadelos com elas).

Elas representam as tonalidades dos disparos que sempre machucam Arjun, mas exigem respostas diferentes dele. Os azuis são os mais tranquilos de lidar, e o protagonista pode tanto usar seu desvio para passar sobre eles quanto usar sua defesa para absorvê-los — e transformá-los em munição para ataques especiais.

Já os vermelhos são aqueles dos quais você só quer fugir, e tentar bloqueá-los deixa o personagem temporariamente vulnerável. No entanto, os que você mais vai temer são os amarelos, cujos efeitos vão além de tirar vida. Eles também podem “bloquear” parte da energia do herói, impedindo que ela se recupere completamente.

Para recuperar os recursos, é preciso usar os ataques especiais (aqueles recuperados com os disparos azuis), o que nem sempre é fácil. Em momentos pontuais de suas fases, Saros ativa um grande eclipse, que faz com que os inimigos se tornem mais numerosos e agressivos — e passem a usar os mais os disparos amarelos do que os azuis.

Embora essas regras básicas sejam fáceis de aprender, na prática as coisas não são assim tão simples. Saros é especialista em nos tirar da zona de confronto (especialmente na transição de áreas) e confundir nosso cérebro sobre o que é melhor a fazer diante de escolhas que parecem impossíveis.

Para complicar tudo um pouco mais, também há inimigos que criam barreiras de proteção (rompidas somente com ataques físicos) ou são capazes de erguer escudos que cobrem grandes áreas do cenário. No entanto, os mais memoráveis são os chefes — nos quais você provavelmente vai morrer algumas vezes até aprender seus padrões de comportamento e como lidar com eles.

Enquanto a dificuldade de Saros nem sempre é a mais justa ou equilibrada, o ato de jogar o game é sempre divertido. E mesmo voltar a áreas inicias é recompensador, já que isso permite desbloquear novos trechos narrativos ou acumular bônus temporários que garantem que você vai estar melhor equipado para lidar com desafios mais avançados.

Vale a pena embarcar para Carcosa?

Embora a narrativa de Saros seja competente e tenha momentos interessantes, o jogo brilha realmente pelo gameplay. Nesse sentido, a Housemarque volta a demonstrar os mesmos talentos que fizeram sua fama no passado e, embora não entregue uma experiência focada no desafio, ainda assim faz com que ela seja muito gostosa de experimentar.

A ênfase da companhia em fazer você falhar algumas vezes antes de progredir faz com que o título definitivamente não seja para todos — e o mesma impressão se aplica para quem vê o desafio puro como a graça de um game.

No entanto, quem tiver certa resistência a frustração e entender a proposta dos ciclos que formam a narrativa tem grandes chances de sair satisfeito. Só espero que, em um próximo projeto, o estúdio consiga decidir melhor qual lado de sua identidade recente quer abraçar com mais força.

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Com uma proposta mais científica e fundamentada, o jogo tenta equilibrar realismo e emoção ao contar uma história sobre dois astronautas presos em um planeta desconhecido após um acidente. E é justamente nesse equilíbrio que Aphelion encontra sua identidade, entregando uma experiência que pode tanto encantar quem ama ficção científica quanto assustar quem já sonhou em olhar a Terra de longe.

No entanto, mesmo com uma abordagem interessante, o título ainda comete alguns deslizes que podem afastar jogadores mais exigentes.

Ficha Técnica

Jogo: Aphelion
Lançamento: 28/04/2026
Onde jogar: Xbox Series X|S, PC
Plataforma de teste: Xbox Series X
Preço: Disponível no Xbox Game Pass (a partir de R$ 76/mês)

Confira, a seguir, a review completa de Aphelion, feita com uma chave cedida pela desenvolvedora para Xbox Series X.

Uma história sobre espaço, solidão e sentimentos não ditos

Aphelion acompanha Ariane e Thomas, dois astronautas enviados em uma missão para avaliar o planeta Persephone, uma possível nova casa para a humanidade em um futuro onde a Terra se tornou inabitável. Logo no início, um acidente separa os dois, e o que era uma missão científica se transforma em uma luta desesperada pela sobrevivência e, principalmente, pelo reencontro.

A narrativa se desenrola alternando entre os pontos de vista dos dois protagonistas, explorando não apenas os perigos do planeta congelado, mas também os sentimentos reprimidos que eles carregam. Essa construção emocional ganha força nas atuações de voz, que conseguem transmitir tensão, saudade e fragilidade de maneira muito natural, aproximando o jogador da relação complicada entre os personagens.

Existe aqui uma atmosfera que lembra produções como Interstellar, tanto pelo tom contemplativo quanto pela sensação constante de insignificância diante do universo. Ao mesmo tempo, o jogo não romantiza a vida de astronauta, mostrando que o espaço pode ser tão fascinante quanto assustador, especialmente quando tudo dá errado.

O desfecho da história consegue emocionar, mas deixa aquela sensação de que poderia ter ido além, como se faltasse um último passo para fechar completamente a jornada. Ainda assim, é uma narrativa que prende e que funciona muito bem durante a maior parte da experiência.

Jogabilidade que alterna entre tensão e repetição

A estrutura de gameplay acompanha a proposta narrativa ao dividir a experiência entre Ariane e Thomas, criando dois estilos bem distintos de jogo. Enquanto Ariane enfrenta o ambiente com movimentação mais dinâmica, escaladas e puzzles, Thomas oferece uma abordagem mais lenta e introspectiva, focada em exploração e sobrevivência.

Controlar Ariane traz uma sensação que lembra jogos como Tomb Raider, com exploração de cavernas congeladas, escaladas perigosas e desafios ambientais que exigem atenção. As mecânicas de movimentação, como o uso de impulso e a necessidade de acertar o tempo dos saltos, ajudam a criar tensão constante, principalmente quando um erro pode significar uma queda fatal.

Além disso, o jogo introduz elementos interessantes, como o uso de pulsos para interagir com o ambiente e distrair a ameaça alienígena que ronda Persephone. Esses momentos de furtividade adicionam uma camada de suspense, ainda que o comportamento do inimigo nem sempre funcione como deveria.

Já com Thomas, o ritmo muda completamente, adotando uma pegada de “walking simulator” onde o foco está na exploração de bases, gerenciamento de recursos e na luta contra suas próprias limitações físicas. Essa mudança de ritmo é interessante no começo, mas pode cansar com o tempo, principalmente quando combinada com a repetição de cenários e interações.

Com cerca de 10 horas de duração, a jornada consegue ser envolvente, mas não escapa de momentos em que a repetição começa a pesar, especialmente na segunda metade do jogo.

Um planeta bonito, mas nem sempre polido

Visualmente, Aphelion impressiona ao apresentar Persephone como um mundo congelado, hostil e ao mesmo tempo fascinante. As paisagens geladas, cavernas e tempestades criam uma ambientação forte, que reforça a sensação de isolamento e perigo constante.

No entanto, essa imersão é frequentemente quebrada por problemas técnicos que aparecem ao longo da jornada. Durante a campanha, encontramos bugs que vão desde animações estranhas até momentos mais problemáticos, como personagens presos em cenários ou inimigos que não reagem corretamente.

Algumas telas de morte também passam a impressão de estarem inacabadas, o que reforça a sensação de falta de polimento geral. Vale destacar que a versão testada foi anterior ao lançamento e a equipe já está ciente de alguns desses bugs, então existe a possibilidade desses problemas serem corrigidos com atualizações futuras.

Por fim, destaco também o cuidado da Dontnod com acessibilidade. Mesmo com alguns deslizes técnicos, o jogo traz diversas opções para alterar o gameplay e facilitar a experiência para quem só quer ver a história, como tanque de gás infinito para Thomas.

Vale a pena encarar essa missão?

Aphelion é um jogo que aposta muito mais na sua atmosfera e narrativa do que na inovação de gameplay, entregando uma experiência que pode tocar quem busca histórias mais humanas dentro da ficção científica. Ao mesmo tempo, seus problemas técnicos e a repetição de algumas mecânicas impedem que ele alcance todo o seu potencial.

Para quem já é assinante do Game Pass e gosta de histórias espaciais com um toque emocional, vale a pena embarcar nessa jornada e tirar suas próprias conclusões. Já quem busca uma experiência mais refinada ou não se interessa tanto pelo tema, talvez seja melhor esperar por atualizações que corrigam bugs ou uma boa promoção antes de dar esse salto rumo ao desconhecido.

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Desenvolvido pela Fumi Games, o título coloca o jogador na pele de Jack Pepper, um detetive particular em uma cidade corrupta até o último tijolo. A premissa pode até parecer simples no começo — um desaparecimento misterioso —, mas rapidamente se transforma em uma teia de conspirações envolvendo corrupção, sequestro e assassinatos. E é nesse cenário que o jogo tenta equilibrar narrativa envolvente com ação desenfreada, apostando tanto no estilo quanto na substância.

Ficha Técnica

• Jogo: MOUSE: P.I. For Hire

• Lançamento: 16 de abril de 2026

• Onde jogar: PC, PS5, Xbox Series S/X e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Xbox Series S

• Preço: A partir de R$ 88,99.

Um noir animado que prende desde o início

A história gira em torno de Jack Pepper, um ex-herói de guerra que virou detetive particular na cidade de Mouseburg. Neste lugar 100% noir e cartunesco, e cheio de referências a queijo e ratos, a corrupção parece fazer parte da paisagem tanto quanto os becos escuros e os prédios decadentes.

Dublado por Troy Baker, o personagem carrega aquele típico arquétipo do detetive cansado, mas competente. A figura resolve problemas enquanto se envolve em outros ainda maiores, sempre com aquele ar de quem já viu de tudo, mas continua seguindo em frente.

O que começa como o sumiço de um mágico rapidamente escala para algo muito mais complexo, levando o jogador a investigar uma rede de crimes que envolve figuras poderosas e situações cada vez mais perigosas. Ao longo da campanha, novos personagens surgem, histórias paralelas se entrelaçam e pistas vão sendo reveladas aos poucos, criando uma progressão narrativa que mantém o interesse.

O uso de um quadro de investigação, onde organizamos evidências para avançar na história, ajuda a reforçar essa sensação de estar realmente montando um quebra-cabeça, ainda que seja uma mecânica relativamente simples dentro do conjunto.

A progressão não traz muitas inovações, mas faz a história andar com novos personagens e intrigas. O sistema de missões, apresentação de novas mecânicas de gameplay e aumento do arsenal é muito semelhante ao que temos em jogos do gênero de roguelike, por exemplo.

No entanto, aqui em Mouse PI, temos um enredo mais robusto e mais interessante que a maioria de jogos do gênero. Só que as semelhanças não param por aqui.

Gameplay frenético que lembra Doom — para o bem e para o mal

A essa altura do campeonato você já deve ter visto em algum lugar alguém comentando que esse jogo é uma espécie de doom noir. Bom, é uma afirmação correta. Mas que eu não vejo como algo negativo, até certo ponto.

Se a narrativa puxa para o lado noir, o gameplay segue firme na ação desenfreada. MOUSE: P.I. For Hire adota uma estrutura bastante familiar para quem gosta de FPS clássicos, com fases que combinam exploração, coleta de pistas e combates intensos contra hordas de inimigos.

A movimentação é rápida, exige atenção constante e recompensa jogadores que dominam o ritmo acelerado, criando momentos bastante empolgantes, especialmente nas primeiras horas. O jogo também incorpora elementos que ampliam essa experiência, como habilidades desbloqueáveis, uso de ganchos para mobilidade e pulos duplos que incentivam a verticalidade dos cenários.

Há ainda uma leve influência de estrutura metroidvania, com áreas que podem ser revisitadas e segredos escondidos que recompensam a exploração. Tudo isso funciona muito bem do ponto de vista mecânico, mostrando um trabalho técnico refinado por parte da Fumi Games.

Em suma, a gameplay é um ciclo clássico de um roguelike. Entramos em uma missão, exploramos o mapa através de respostas/pistas e eliminamos as dezenas de inimigos que aparecem em nosso caminho. Eventualmente, lutamos contra um chefão.

Esse modelo, aliado a uma movimentação frenética e um vasto arsenal em mãos, é muito divertido. No entanto, sustentar esse tipo de gameplay por tantas horas, acaba enjoando um pouco.

O problema aparece com o passar do tempo. Esse ciclo de entrar em uma missão, enfrentar ondas de inimigos, coletar pistas e avançar para o próximo desafio começa a se repetir de forma previsível. O que antes era empolgante passa a dar sinais de desgaste, especialmente para quem está mais interessado na narrativa do que no combate em si.

A sensação de cansaço surge por volta da metade da campanha, quando o jogo já mostrou boa parte do que tem a oferecer em termos de mecânicas. Ainda assim, vale ressaltar que o trabalho técnico fantástico feito pela Fumi Games. Afinal, todas as mecânicas de FPS são muito bem refinadas, e o trabalho artístico é impecável.

Direção de arte é simplesmente absurda

Se existe um aspecto em que MOUSE: P.I. For Hire não apenas acerta, mas se destaca com folga, é na sua direção de arte. O jogo abraça completamente a estética dos desenhos animados da década de 1930, com animações feitas quadro a quadro e um visual em preto e branco que vai muito além de um simples filtro estilístico.

Tudo é deslumbrante. Desde os gráficos cartoon do game aos cenários muito bem detalhados e variados. Existe um cuidado evidente com iluminação, contraste e composição, criando cenas que são visualmente marcantes do começo ao fim.

Os cenários ajudam a reforçar essa identidade, trazendo uma variedade interessante de ambientes que vão desde ruas escuras e decadentes até locais mais elaborados, como estúdios de cinema e casas de ópera. Mesmo com a limitação de cores, o jogo consegue construir espaços ricos em detalhes e personalidade, sempre oferecendo algo novo para observar.

As animações também merecem destaque especial. Personagens, inimigos e armas possuem movimentos exagerados e cheios de estilo, capturando perfeitamente a essência dos cartoons clássicos. Esse cuidado se estende às cutscenes, que ajudam a contar a história de forma envolvente e reforçam ainda mais a identidade única do jogo.

Jazz que dá vida ao caos

A trilha sonora de MOUSE: P.I. For Hire funciona como uma extensão natural da sua proposta estética. Com composições originais de jazz no estilo big band, o jogo consegue criar uma ambientação sonora que mistura tensão e dinamismo na medida certa. As músicas acompanham bem o ritmo da ação, intensificando os combates e contribuindo para a imersão nos momentos mais investigativos.

Além disso, os efeitos sonoros seguem a mesma linha estilística, trazendo aquele exagero característico dos desenhos animados antigos. Cada disparo, explosão ou interação carrega um toque cartunesco que reforça a identidade do jogo sem comprometer a sensação de impacto durante o gameplay.

É um trabalho sonoro consistente, que ajuda a dar ainda mais personalidade à experiência.

Vale a pena?

MOUSE: P.I. For Hire é um jogo que conquista com facilidade nas primeiras horas e continua sendo interessante até o final, ainda que com algumas ressalvas. A direção de arte é excepcional, a trilha sonora é marcante e o gameplay, apesar de repetitivo em certos momentos, é sólido e bem executado.

No geral, MOUSE: P.I. For Hire é um jogo extremamente gostoso de jogar, de ouvir e de, ocasionalmente, apenas apreciar o trabalho técnico da equipe artística da Fumi Games. Existe um cuidado claro em entregar uma experiência com identidade própria, algo que se destaca em meio a tantos jogos que seguem fórmulas mais seguras.

Por outro lado, a repetitividade do loop de gameplay pode afastar alguns jogadores, especialmente aqueles que priorizam narrativa e variedade ao longo da campanha. Ainda assim, o jogo encontra seu público com facilidade, principalmente entre fãs de FPS clássicos e de propostas visuais mais ousadas.

No fim das contas, vale a pena embarcar nessa investigação, especialmente se você busca algo diferente e estiloso. Talvez não seja uma experiência perfeita do começo ao fim, mas é, sem dúvida, uma das mais interessantes em termos de identidade e direção artística nos últimos tempos.

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Aqui no Jornal dos Jogos, a experiência foi ainda mais especial por ser o primeiro título da Nintendo analisado por nós, e ele chega carregando essa leveza que combina com momentos despretensiosos. Contamos a seguir como foi viver nessa ilha onde amigos, pets e ideias completamente aleatórias ganham vida de maneiras inesperadas.

Ficha Técnica

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• Jogo: Tomodachi Life: Living the Dream

• Lançamento: 2026

• Onde jogar: Nintendo Switch 1 e 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 299

Uma cópia de Tomodachi Life: Living the Dream foi cedida pela Nintendo para análise.

Crie sua ilha com quem você quiser

Tomodachi Life: Living the Dream começa de forma simples, mas rapidamente se transforma em algo pessoal e até um pouco caótico. O objetivo é simples: você cria moradores para uma ilha e gerencia o local, no maior estilo “The Sims”.

No entanto, tudo ocorre no estilo Mii, os clássicos avatares da Nintendo, com vozes robóticas e gráficos cartunescos. Criar personagens baseados em amigos, familiares ou até animais de estimação parece uma ideia inocente. No entanto, ver essas versões interagindo cria situações que misturam humor, estranheza e um certo carinho inesperado.

A liberdade criativa é, sem dúvida, o coração do jogo, permitindo que você construa desde versões fiéis de pessoas reais até figuras completamente absurdas. Essa abertura transforma cada ilha em um universo único, onde as histórias não são escritas pelo jogo, mas surgem naturalmente das interações entre os personagens.

Por aqui, por exemplo, nós extrapolamos até mesmo os limites do próprio game. Enquanto o foco de Tomodachi Life é criar pessoas, eu montei a minha ilha personificando os pets da minha família e amigos, que ganharam versões “humanizadas” com personalidades próprias montadas no sistema do jogo.

O resultado é tão bizarro que ficou extremamente divertido. Ver cães e gatos discutindo sobre assuntos que eu defini, como “roubar comida” e “caminhão do lixo”, tornou toda a experiência cheia de surpresas e divertida não só de jogar, mas assistir. Afinal, você monta todo o cenário, mas não tem total controle do que está acontecendo.

Um simulador de relações que vive por conta própria

Uma das coisas mais interessantes em Tomodachi Life é perceber que você não tem controle total sobre o que acontece. Mesmo podendo influenciar situações ao arrastar personagens ou incentivar encontros, eles ainda tomam decisões próprias e frequentemente ignoram suas tentativas de interferência.

Esse comportamento dá vida ao jogo de uma forma muito orgânica, criando momentos que parecem espontâneos e até surpreendentes. É comum entrar na ilha esperando uma rotina tranquila e acabar testemunhando declarações de amor, brigas inesperadas ou eventos aleatórios como festas do pijama acontecendo sem aviso.

A sensação predominante é a de estar assistindo a um reality show improvisado, onde você é mais um observador curioso do que um diretor absoluto. Essa escolha de direção, inclusive, é intencional, já que os desenvolvedores queriam preservar a autonomia dos Mii e garantir que o inesperado fosse sempre parte da experiência.

Com essa fórmula de gerenciamento com observação, o jogo parece uma m istura de Big Brother Brasil (BBB) com The Sims. Afinal, quando você não está se surpreendendo com as histórias criadas pelos personagens, está criando e personalizando personagens e a ilha.

Gameplay simples, mas cheio de possibilidades

Apesar da proposta aparentemente complexa, Living The Dream é extremamente didático ao apresentar suas mecânicas. Cada novo recurso vem acompanhado de explicações claras, o que torna a experiência acessível até para quem nunca jogou algo parecido.

O ciclo de gameplay gira em torno de cuidar dos personagens, atender suas necessidades e observar suas interações, criando uma rotina que mistura gestão leve com observação constante. Com o tempo, novas áreas, lojas e possibilidades vão sendo desbloqueadas, expandindo o que você pode fazer na ilha.

Existe, sim, um momento em que o ritmo pode desacelerar, especialmente quando você já desbloqueou boa parte dos recursos. Ainda assim, a possibilidade de adicionar novos moradores — com um limite generoso de até 70 personagens — sempre renova a dinâmica e cria novas histórias.

Personalização quase infinita (para o bem e para o caos)

Se tem algo que Tomodachi Life faz com excelência é permitir que o jogador se expresse. A criação de personagens é extremamente detalhada, com opções que vão desde ajustes sutis até possibilidades completamente exageradas.

Além disso, a personalização se estende para roupas, casas, comidas e até itens inusitados, o que reforça a sensação de que cada ilha é única. Para quem gosta de criar, testar e experimentar, isso é praticamente um prato cheio.

Por outro lado, essa liberdade pode intimidar jogadores que preferem algo mais direto, já que nem sempre há presets suficientes para facilitar o processo. Por aqui, nós sofremos muito para criar as “versões humanas” dos pets, o que exigiu bastante liberdade criativa e tempo.

Ainda assim, até criações “estranhas” acabam se encaixando no tom do jogo e contribuem para o humor geral. Afinal, quando mais bizarras as coisas, mais engraçadas ficam as interações.

Narrativa sem roteiro, mas cheia de histórias

Tomodachi Life não tem uma narrativa tradicional, mas isso não significa que ele não conte histórias. Pelo contrário, as relações entre os personagens criam pequenos arcos que surgem naturalmente ao longo do tempo.

Amizades, romances, desentendimentos e reconciliações acontecem de forma orgânica, muitas vezes pegando o jogador de surpresa. Esse formato faz com que cada sessão de jogo seja única, já que nunca se sabe exatamente o que vai acontecer.

Existe também um toque curioso de identificação, já que muitos personagens são baseados em pessoas reais. Ver essas versões digitais vivendo situações absurdas cria uma conexão emocional que mistura humor com um leve sentimento de proximidade.

Por aqui, mesmo com a nossa abordagem envolvendo animais de estimação, o sistema de personalidades funcionou muito bem e consegue refletir características dos pets. Assim, cada interação parece muito genuína, garantindo muitas surpresas engraçadas.

Visual simples, mas cheio de identidade

Visualmente, o jogo mantém o estilo clássico dos Mii, mas com melhorias que deixam tudo mais expressivo e agradável. A direção de arte aposta em um visual limpo e levemente inspirado em anime, o que ajuda a destacar as emoções e interações dos personagens.

Os ambientes são coloridos e funcionais, servindo mais como palco para as interações do que como destaque técnico. Ainda assim, há um cuidado evidente em tornar cada espaço reconhecível e cheio de pequenos detalhes.

Essa escolha reforça a proposta do jogo de não buscar realismo, mas sim identidade. O resultado é um visual que combina perfeitamente com o tom leve e bem-humorado da experiência.

Áudio que abraça o absurdo

A trilha sonora segue a mesma linha do restante do jogo, com músicas leves e até um pouco excêntricas que lembram trilhas de elevador ou programas de TV. Esse estilo pode parecer simples à primeira vista, mas ajuda a criar uma atmosfera relaxante e constante.

As vozes dos personagens merecem destaque à parte, já que são propositalmente “estranhas” e robóticas. Essa escolha evita o realismo e reforça o tom cômico, transformando diálogos em momentos ainda mais engraçados.

Os efeitos sonoros também contribuem para a experiência, aparecendo de forma inesperada e ajudando a dar ritmo às interações. Tudo funciona em conjunto para criar uma ambientação que é ao mesmo tempo confortável e imprevisível.

Experiência no Switch

Rodando no Nintendo Switch 2, o jogo apresenta um desempenho estável e sem problemas técnicos. Os carregamentos são rápidos e não há quedas de desempenho que atrapalhem a experiência.

A possibilidade de jogar tanto no modo portátil quanto na TV também adiciona um charme especial, principalmente quando você compartilha as situações com outras pessoas. Afinal, assistir alguém jogando Tomodachi Life pode ser tão divertido quanto jogar.

Essa transição para um ambiente mais social faz sentido com a proposta do jogo, que sempre incentivou o compartilhamento de histórias e momentos inusitados. No entanto, ainda existe uma barreira para ser superada.

A única bola fora da Nintendo foi a ausência de localização em português brasileiro, o que seria ótimo para aumentar o alcance do jogo — e que poderia torná-lo um hit gigantesco no Brasil, considerando o potencial para memes. Considerando que a empresa está investindo cada vez mais em localização, vamos torcer para que vozes robóticas brasileiras sejam adicionadas no futuro.

Vale a pena?

Tomodachi Life: Living the Dream não é um jogo tradicional, e isso pode afastar quem busca objetivos claros ou desafios constantes. Ainda assim, ele entrega algo diferente, baseado em criatividade, humor e pequenas histórias do cotidiano.

O valor está justamente na experiência contínua, que se desenvolve com o tempo e depende diretamente do quanto você se envolve com os personagens. Não é um jogo para maratonar, mas sim para visitar regularmente e descobrir o que mudou.

Para quem gosta de jogos relaxantes e despretensiosos, Living the Dream se torna quase um refúgio. E se você consegue entender inglês e está comprado pela proposta maluca do game, a experiência pode ser uma das mais divertidas do ano que você vai ter.

Tomodachi Life: Living the Dream é, acima de tudo, um jogo sobre observar, rir e se apegar a pequenas situações inesperadas. Ele não tenta competir com grandes produções realistas e, justamente por isso, encontra sua força em ser simples, estranho e extremamente humano.

Vale a pena para quem busca algo leve, criativo e cheio de personalidade, especialmente se você gosta de criar histórias próprias dentro dos jogos. Já quem precisa de objetivos claros ou ação constante pode não se conectar da mesma forma com essa proposta.

Com essa combinação que mistura pitadas de Animal Crossing, The Sims e BBB, Tomodachi Life: Living the Dream é uma experiência despretensiosa que encontra sua força justamente no inesperado. No fim, ele não é sobre vencer, completar ou dominar sistemas complexos, mas sobre observar, rir e se surpreender com um mundo que continua vivo mesmo quando você não está olhando — e talvez seja exatamente por isso que seja tão difícil largar essa ilha maluca.

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Inspirado nos desenhos animados dos anos 1930 e com uma pegada noir, o jogo mistura investigação com combate em primeira pessoa, criando uma identidade bem única dentro do gênero. Mas além do estilo, um dos pontos que mais chama atenção é justamente como ele roda — especialmente no Steam Deck. E é sobre isso que falamos a seguir.

Ficha técnica

Jogo: Mouse P.I. For Hire
Lançamento: 2026
Onde jogar: PC (Steam)
Plataforma de teste: Steam Deck (modelo original) e PC
Preço: A partir de R$ 80

Requisitos e otimização chamam atenção

Mesmo com um visual bastante estilizado e efeitos bem trabalhados, o jogo apresenta requisitos acessíveis e um desempenho consistente, o que reforça o bom trabalho de otimização. A ficha de especificações, disponível na Steam, já dá uma ideia de que o game roda bem até mesmo em computadores mais antigos, desde que tenham um hardware relativamente potente.

Requisitos mínimos:

• Processador: Intel Core i5 9500 / Ryzen 3400

• Memória: 12 GB de RAM

• Placa de vídeo: GTX 1060 / RX 580 / Intel Xe 2

• Armazenamento: 11 GB

Requisitos recomendados:

• Processador: Intel Core i5 9600 / Ryzen 3600

• Memória: 16 GB de RAM

• Placa de vídeo: RTX 3060 / RX 7600 / Intel Arc B570

• Armazenamento: 11 GB

Na prática, o desempenho no Steam Deck mostra que o jogo foi bem pensado para rodar em diferentes configurações. Mesmo em um hardware portátil, Mouse P.I. For Hire consegue entregar uma experiência estável e visualmente competente.

Um exemplo técnico já no primeiro contato

Logo ao iniciar o jogo no Steam Deck, a primeira impressão é bastante positiva. Mouse P.I. For Hire já chega configurado com gráficos no médio e rodando a 40 FPS, o que, para os padrões do portátil, é uma escolha extremamente acertada.

O resultado entregue é muito sólido, especialmente considerando que o modelo testado é o original de 2022, que já não é exatamente novo no mercado. Ainda assim, o jogo roda com fluidez acima dos 30 FPS e mantém uma boa estabilidade na maior parte do tempo.

Essa decisão de travar em 40 quadros por segundo cria um equilíbrio interessante entre desempenho e qualidade visual. Na prática, a experiência fica mais suave do que 30 FPS e evita os problemas mais comuns que surgem ao tentar alcançar 60 FPS em hardware portátil.

Dá para chegar nos 60 FPS, mas com ressalvas

Para quem gosta de mexer nas configurações, o jogo permite ajustes suficientes para tentar alcançar os 60 quadros por segundo. No entanto, isso vem com alguns compromissos importantes.

É necessário reduzir a escala de renderização e diminuir a qualidade de sombras, por exemplo, para manter a estabilidade durante o gameplay. Mesmo assim, ainda existem quedas ocasionais — especialmente em momentos mais intensos ou ao girar a câmera rapidamente.

Essas oscilações podem impactar diretamente o combate, que é rápido e exige precisão. Por isso, apesar de ser possível jogar a 60 FPS na maior parte do tempo, a experiência não é totalmente consistente.

Na prática, a melhor recomendação é manter as configurações padrão. Jogar a 40 FPS garante uma experiência mais estável, visualmente agradável e com melhor autonomia de bateria — o que faz bastante diferença no Steam Deck.

Gameplay funciona muito bem no portátil

Mesmo com o visual em preto e branco, Mouse P.I. For Hire consegue se destacar muito bem na tela menor do portátil. O estilo artístico ajuda bastante na leitura dos cenários e dos inimigos, o que é essencial em um FPS.

Os tiroteios são caricatos, dinâmicos e fáceis de acompanhar, mesmo em uma tela compacta. Isso mostra um cuidado claro no design visual e na forma como o gameplay foi pensado para diferentes tipos de tela.

Outro ponto positivo é a interface. Os textos têm um tamanho confortável para leitura e o jogo conta com localização em português brasileiro, o que ajuda bastante na imersão e na compreensão da história.

Um estilo que pode não agradar todo mundo — mas funciona muito bem

Visualmente, o jogo é um espetáculo à parte. A estética inspirada em animações clássicas dos anos 1930, com tudo em preto e branco e animações desenhadas à mão, cria uma identidade muito forte.

Ao mesmo tempo, esse estilo é bastante específico e pode não agradar todo mundo. Quem busca algo mais moderno ou visualmente “tradicional” pode estranhar em um primeiro momento.

Ainda assim, é difícil negar o cuidado artístico presente aqui. Somado ao combate dinâmico e à narrativa noir, o jogo entrega uma experiência bem diferenciada dentro do gênero de tiro em primeira pessoa.

Vale a pena?

Mouse P.I. For Hire é um daqueles jogos que conseguem equilibrar estilo e técnica de forma muito competente. Ele não chama atenção apenas pela estética única, mas também por entregar uma performance sólida — algo essencial para quem pretende jogar no Steam Deck.

Se você gosta de FPS com identidade própria, combate dinâmico e uma narrativa bem apresentada, há grandes chances de se divertir aqui. A boa otimização e o preço acessível reforçam ainda mais esse pacote.

No fim das contas, é um exemplo interessante de como jogos independentes podem entregar experiências bem polidas, mesmo sem o orçamento de grandes produções. Seja no PC ou no portátil da Valve, Mouse P.I. For Hire mostra que dá, sim, para unir criatividade e desempenho no mesmo projeto.

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No entanto, uma surpresa também estava a caminho. Estamos falando de Pragmata, um novo jogo inédito da empresa com temática especial. Enquanto o jogo cativou alguns jogadores com seus trailers mostrando belos gráficos, uma dúvida ainda estava no ar: será que o novo projeto tem chance de competir com os pesos pesados da empresa?

Depois de tantas teorias e adiamentos, finalmente colocamos as mãos no game aqui no Jornal dos Jogos — cortesia de uma key cedida pela desenvolvedora. Confira como foi nossa experiência completa na nova proposta de ação futurista da Capcom.

Ficha Técnica

• Jogo: Pragmata

• Desenvolvedora: Capcom

• Lançamento: 17 de abril de 2026

• Onde jogar: PlayStation 5, Xbox Series X|S, PC e Nintendo Switch 2.

• Plataforma de teste: PC e Xbox

• Preço: A partir de R$ 259,00

Muito além do trailer: Como é o mundo de Pragmata?

O jogador é colocado para explorar uma base lunar enorme que parece vazia de início, mas acaba se tornando uma confusão de robôs tentando impedir o progresso de nossos protagonistas. O título acompanha o astronauta Hugh e Diana, um androide com a aparência de uma garotinha que vive no local.

Após a dupla passar por muitos apertos, um companheirismo entre os dois personagens se desenvolve, o que é refletido no gameplay. Diana serve como um importante componente do combate e história, mas também uma amiga bem divertida — ou melhor, uma filha bem simpática e curiosa.

O game monta cenários que fazem a relação dos dois parecer como um pai cuidando de sua filha diante dos perigos iminentes. Isso se reflete não apenas durante ameaças, mas também em momentos leves, como brincadeiras e interações mais cotidianas no abrigo.

O jogo também impressiona no quesito técnico. A cada nova área visitada, percebe-se uma vasta gama de cenários diferentes e estéticas que encaixam perfeitamente na proposta de mundo futurista que é esperada pelo jogador, tornando a experiência bem mais imersiva e atraente.

Não dá pra dizer que a história em si é digna de cinema ou o foco absoluto, mas a narrativa deixa a experiência bem mais leve. Afinal, o desenvolvimento dos personagens principais e a trajetória deles parece ser mais importante do que a missão.

Apesar disso, sempre é interessante mergulhar mais nesse mundo, indo na direção contrária de algumas obras que se tornam muito confusas com o desenrolar dos acontecimentos. Enquanto certos games geram uma perda de interesse com o aprofundamento, a premissa de Pragmata é interessante, simples e bem contada, onde tudo parece se encaixar de pouco em pouco.

Um ponto importante é que a história do jogo não é tão longa, algo que pode afastar jogadores buscando um bom “custo-benefício”. No entanto, depois de um final emocionante de suar os olhos, garanto que vale a pena acompanhar a jornada de Hugh e nossa pequena Diana nessa aventura espacial.

É ação, exploração ou simulação?

Na parte do gameplay, Pragmata se trata de um shooter em terceira pessoa frenético e inovador — e é aqui que o jogo brilha de verdade. Hugh, nosso astronauta, fica no comando de se movimentar nos cenários e atirar ou desviar nos combates.

Porém, é com Diana que a experiência se torna única. Nas costas de Hugh, ela fica responsável por hackear os robôs para deixá-los vulneráveis aos ataques do astronauta, o que exige atenção dupla do jogador.

Essa combinação de mecânicas entre os dois personagens deixa tudo mais divertido e viciante. Ao mesmo tempo que é preciso encarar de frente o perigo, ainda é necessário resolver um puzzle de hackeamento para cada inimigo.

Na prática, a interface apresenta uma espécie de mecânica de grade do qual o jogador precisa conectar um ponto da matriz a outro para expor as fraquezas do inimigo. Mesmo enquanto está enfrentando vários robôs de uma só vez, tudo isso acontece de forma bem fluida e dinâmica.

Além de lidar com o hackeamento de Diana, ainda existem outras coisas para se preocupar com Hugh. Há várias armas diferentes para serem utilizadas, onde cada uma tem um impacto no combate, garantindo bastante variedade no gameplay.

Enquanto parte do arsenal tem foco em dano próximo ou à distância, outras armas permitem travar o movimento dos inimigos temporariamente, lembrando a experiência de DOOM de 2016. Essa variedade, combinada com a habilidade de hack de Diana, torna a experiência de tiro frenética e bem estratégica ao mesmo tempo.

Vale ressaltar, também, que os hacks de Diana também possuem modificadores. Ao progredir na história, é preciso lidar com bloqueios nos caminhos do nódulo e também inimigos que desabilitam completamente a ação. Além disso, é possível aprimorar as habilidades dela com boosts de dano espalhado, vírus e até paralisia, garantindo um aproveitamento melhor do combate.

Dito isso, o único ponto que me incomodou no gameplay foi o fato de mirar com o mouse ser infinitamente melhor do que com o controle — ainda assim, o jogo recomenda fortemente o uso do gamepad. Com isso, jogadores como eu precisam sacrificar a mira pela imersão nas outras mecânicas presentes na jogatina.

O poder da RE Engine no espaço cibernético e sua música

Quando o assunto são gráficos, Pragmata dá um show com a RE Engine. O jogo apresenta praticamente todas as boas e novas tecnologias da NVIDIA para serem utilizadas. O pacote inclui upscalling e multi frame generation com o DLSS 4.5, sem esquecer o Ray Tracing ou Path Tracing, que elevam a experiência gráfica a um nível inacreditável de nova geração.

Mesmo apostando em tecnologias de ponta, o desempenho no PC foi excelente. Eu rodei o jogo em uma RTX 5060 e a iluminação global e o Ray Tracing entregaram o que foi prometido nos trailers. Nós também tivemos a chance de testar o game no Xbox Series X, onde a experiência visual não é tão rebuscada quanto no PC, mas o título entrega belos visuais e recursos adicionais, como suporte para o Quick Resume.

Ao que tudo indica, o tempo extra de desenvolvimento trazido pelos adiamentos fez a diferença para o jogo chegar muito bem polido no estado final de lançamento. Acertos como esse, bem como a experiência em Resident Evil Requiem, mostram que a RE Engine atualmente deve ser a melhor engine de games do mercado com folga.

E junto desse vislumbre visual, vem outro ponto forte de Pragmata: o design de áudio e trilha sonora colaboram para elevar ainda mais a experiência do jogador. As músicas encaixam de maneira satisfatória em cada área que é apresentada — música eletrizante no combate, contemplativa na exploração e até leve no abrigo que serve como descanso.

Outro destaque especial vai para o design de som dos efeitos. O jogo capricha nos nossos passos em cada superfície, nas vozes e efeitos dos robôs e personagens, bem como nos barulhos dos tiros de cada arma, muito bem trabalhados e refinados. Quando se encaixa tudo que foi dito, o decorrer da jogatina se torna extremamente imersivo e satisfatório em todos os momentos.

Pragmata ainda apresenta vários elementos de acessibilidade, incluindo configuração de tamanho e cor das legendas bem como dublagem em português brasileiro. A experiência ainda traz o modo casual de dificuldade diminuída para jogadores que querem aproveitar mais da narrativa do que ter muita dor de cabeça durante os vários combates.

Pragmata vale a pena?

Enquanto Pragmata é uma bela obra, é importante deixar claro que estamos falando de um jogo full price que é relativamente curto para se terminar a história principal. Com isso em mente, dependendo de quanto tempo o jogador quiser gastar aqui, pode acabar sendo um investimento arriscado comparado com outros títulos.

No entanto, o tópico do preço já entra em algo tradicional na indústria: o tamanho da sua carteira e o que você está disposto ou pode pagar. Afinal, se você acha que está caro agora, basta aguardar uma promoção para aproveitar o jogo mais pra frente.

Mesmo com uma duração que não é tão longa, Pragmata vale a pena para quem achar interessante a premissa futurista espacial do jogo. Pode-se dizer que o título é quase um Death Stranding, só que mais frenético, ágil e bem fácil de aprender.

O jogo também é uma boa recomendação para gamers que querem experimentar algo novo e diferente sem muitas complexidades. Afinal, é um projeto novo que a Capcom depositou suas fichas e investiu por muito tempo — e o resultado entregue é satisfatório.

Além de ser um ótimo exemplo de jogo single-player com temática de ficção-científica, Pragmata conquista com seus personagens cativantes, gameplay refrescante e atmosfera única. Com uma bela relação de pai e filha entre Hugh e Diana, o game também deixa claro como o companheirismo e a amizade podem mover grandes barreiras — até mesmo na Lua.

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