Minha experiência com Gears of War começou de uma maneira bastante específica: jogando Gears 3 na casa de uma amiga que tinha um Xbox 360, quando nós duas tínhamos 14 anos e achávamos que a melhor maneira de aproveitar o jogo era passar horas no modo Horda, berrando na frente da televisão enquanto tentávamos sobreviver aos monstros. Depois disso, tive um contato breve com Gears 5: Hivebusters, que é praticamente um spin-off, mas nunca cheguei a me aprofundar na história da franquia. Com isso, por muito tempo, minha definição de Gears era basicamente “hominho de armadura atirando em alienígena”.

Pois é, eu estava errada.

Em E-Day, jogar a campanha do começo ao fim não apenas mudou a minha percepção sobre a franquia como também me fez procurar informações sobre os jogos anteriores para entender melhor personagens, acontecimentos e consequências daquele conflito. É justamente por isso que esta análise parte de um ponto importante: estou olhando para Gears of War: E-Day tanto pela experiência que tive com o jogo quanto pela visão bastante limitada que eu carregava sobre a série antes de começar.

Depois de zerar o jogo ao lado do meu maridão, o Mateus Mognon, na tela dividida do Xbox Series X, dá pra dizer duas coisas com tranquilidade: 1 - Gears of War: E-Day é uma baita porta de entrada para quem sempre teve preconceito com a franquia. 2 - Locusts não são aliens e escondem muita história atrás de suas caras feias.

Ficha técnica

• Jogo: Gears of War: E-Day

• Desenvolvedora: The Coalition

• Distribuidora: Xbox Game Studios

• Lançamento: 6 de outubro de 2026

• Onde jogar: Xbox Series X/S e PC

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: a partir de R$ 299

E-Day é uma volta às origens que faz sentido

A história de Gears of War já avançou bastante desde o primeiro jogo, com novas gerações, personagens, criaturas e consequências que foram aumentando cada vez mais o tamanho desse universo. Basta dar de cara com qualquer trailer de Gears 4 ou 5 pra ver como o Marcus ainda tá em forma, mas claramente já sente a lombar quando tá em casa.

Nesse cenário, voltar para o Dia da Emergência é uma escolha de gênio da galera da Coalition. Afinal, o evento funciona não apenas como uma oportunidade de revisitar Marcus e Dom no auge da forma, mas também como uma maneira de lembrar ao jogador por que essa guerra começou — e de forma bem literal. Toda a ação é contada cronologicamente, do início da invasão até a conclusão da história, alguns dias depois.

Uma das coisas que mais me chamou atenção foi perceber como a campanha consegue apresentar a cidade de Kalona antes e depois dos ataques da Horda, fazendo com que a destruição tenha um peso maior. O jogo começa mostrando uma sociedade que acabou de atravessar uma guerra de 80 anos e está celebrando seus soldados, apenas para transformar essa sensação de alívio em desespero quando os Locust surgem debaixo dos próprios pés.

Tudo isso é contado com uma cara de filme em uma história que durou cerca de 18 horas por aqui, com um gameplay em tela dividida. E não se engane com o formato “videogame”, pois a narrativa é bem engajante, mesmo com toda a ação que rola no meio dela.

A profundidade por trás da guerra (leves spoilers do mundo de Gears neste bloco)

Também existe uma ironia interessante nessa origem que eu não esperava encontrar em um jogo que, na minha cabeça, era simplesmente sobre correr, encontrar cobertura e atirar em monstros. A história de Gears of War: E-Day foca bastante na relação fraterna de soldados na guerra e traumas coletivos, o que já garante cenas bem emocionantes para quem tem zero relação com a franquia.

No entanto, o jogo também tem espaço para reflexões mais amplas quando você se aprofunda na história. E aqui vão leves spoilers do universo de Gears que acabei pegando na Wiki oficial da franquia.

Durante alguns lampejos e referências da campanha, e em toda a lore que temos nos jogos seguintes, fica evidente que os próprios humanos tiveram participação na criação das condições que levaram ao surgimento daquela ameaça. Muito antes do Dia E, a narrativa já contava com uma sociedade de metamorfos que foi explorada e acabou sendo afetada pela própria tecnologia humana em prol da guerra.

Esse detalhe importante da franquia não ganha tanto espaço no novo jogo, mas a decisão de não explorar tudo isso agora faz sentido. Não acho que Gears of War: E-Day queira transformar sua campanha em uma grande discussão filosófica sobre as finalidades da guerra, porque, convenhamos, ainda estamos falando de um jogo em que a solução para muitos problemas envolve serrar os inimigos.

Mesmo assim, essa relação entre causa e consequência acabou me fazendo olhar para a história com muito mais interesse do que eu imaginava, especialmente ao perceber que todo o esforço de décadas para vencer uma guerra anterior não impediu que outra começasse justamente por causa das escolhas feitas naquele processo.

Para quem olha de fora, Gears of War pode parecer uma mistura de Call of Duty e Halo em terceira pessoa. No entanto, existe muito mais escondido por trás das armaduras gigantescas utilizadas pelos soldados da CGO que lutam contra os Locust.

Esse sentimento, inclusive, foi ressaltado em uma entrevista pelo diretor do estúdio Matt Searcy, que ressaltou a humanidade existente nos quatro protagonistas do novo game, que é 100% cooperativo. “O que Gears realmente tem dentro dele, e que acho que surpreende as pessoas que nunca jogaram, é muito coração e alguns temas realmente sérios sobre lealdade e sobre carregar os fardos das outras pessoas.”

O tiroteio continua sendo a melhor parte de Gears

Se você esperava uma revolução no gameplay, E-Day provavelmente não vai entregar isso, já que a The Coalition mantém a estrutura conhecida da série, mas com evoluções interessantes, como um sistema de personalização para o arsenal. O gameplay ainda gira em torno de armas pesadas, cobertura, movimentação entre os destroços e muito tiroteio contra a Horda Locust. Para mim, isso não chega a ser um problema porque o combate de Gears continua funcionando muito bem, e um prequel como este não precisava necessariamente reinventar a fórmula que ajudou a definir a franquia.

As armas icônicas estão de volta e algumas delas ainda ganham um contexto interessante dentro da própria história, como a apresentação do surgimento da Lancer Mark. É uma maneira simples, mas eficiente, de conectar aquilo que estamos usando durante a campanha com algo que os fãs já conhecem, sem transformar a experiência em uma coleção de referências jogadas apenas para agradar quem acompanha a série há anos.

Os momentos que mais gostei, porém, foram aqueles em que o jogo abre um pouco seus mapas e permite explorar áreas destruídas de Kalona com mais liberdade. Existem missões secundárias, caixas com melhorias de equipamento e colecionáveis espalhados pelo cenário. Embora não sejam exatamente indispensáveis, o próprio jogo conseguiu me convencer a procurar cada um deles sempre que aquele som característico indicava que havia alguma coisa escondida por perto.

O problema é que a cidade está destruída de verdade, com destroços espalhados por todos os lados e buracos por onde os monstros surgiram. Com isso, nem sempre explorar significa chegar inteira ao outro lado: foram tantas quedas durante a campanha que, em determinado momento, eu já aceitava que qualquer buraco suspeito no chão provavelmente existia especificamente para testar minha capacidade de prestar atenção.

Jogar Gears em dupla mudou completamente minha experiência

Eu também joguei toda a campanha em dupla, e isso fez uma diferença enorme na minha relação com E-Day, principalmente porque não sou uma jogadora particularmente habilidosa em games de tiro em terceira pessoa. A dinâmica de dividir confrontos, conversar sobre o que fazer e simplesmente reagir juntas ao caos da tela tornou a experiência muito mais divertida.

A tela dividida também funcionou muito bem para nós, sem se transformar em um obstáculo durante os confrontos ou na exploração dos cenários. Depois de passar pela campanha dessa maneira, fiquei até com a impressão de que poderia existir uma versão com quatro jogadores no multiplayer local para completar o esquadrão inteiro. Afinal, poucas coisas parecem mais apropriadas para Gears do que quatro pessoas gritando enquanto tentam sobreviver a uma cidade tomada por monstros.

A dificuldade também ajuda a tornar a campanha mais acessível para quem, assim como eu, não tem tanta intimidade com games desse tipo. Jogamos no modo normal e conseguimos chegar ao final, mas existem opções mais fáceis e mais difíceis, permitindo que cada jogador encontre um nível de desafio mais confortável para sua experiência.

Uma cidade destruída que também funciona como cenário de exploração

Visualmente, Gears of War: E-Day é um jogo bastante consistente e consegue transmitir bem a dimensão da destruição provocada pela Horda. Os cenários são impactantes, os gráficos são bonitos e a direção de arte utiliza as cores de maneira muito clara para reforçar a identidade dos dois lados do conflito.

O azul associado aos Gears aparece em diferentes elementos do cenário, enquanto o vermelho relacionado aos Locust surge em luzes de emergência, ambulâncias destruídas e caixas de munição espalhadas pelos ambientes. É um detalhe que pode parecer pequeno isoladamente, mas ajuda a criar uma identidade visual forte enquanto atravessamos uma cidade que vai ficando cada vez mais irreconhecível.

A trilha sonora também cumpre bem seu papel ao acompanhar a intensidade dos momentos de ação e diminuir o ritmo quando os confrontos terminam. Ela não foi necessariamente o elemento que mais ficou na minha cabeça depois de desligar o Xbox, mas funciona justamente por saber quando precisa aparecer e quando deve deixar o ambiente assumir o protagonismo.

Os efeitos sonoros também ajudam bastante na exploração, especialmente por causa do som utilizado para indicar a proximidade dos colecionáveis. Depois que você aprende a reconhecer aquele sinal, ignorar um item escondido fica praticamente impossível, mesmo quando isso significa abrir o mapa e investigar cada canto da área enquanto o restante do esquadrão provavelmente está se perguntando onde você foi parar.

Por outro lado também encontramos alguns bugs durante a campanha, incluindo problemas pontuais na tela e situações em que o jogo chegou a fechar depois de determinadas cutscenes. Como a experiência aconteceu durante o acesso antecipado, existe a possibilidade de que esses problemas sejam corrigidos antes ou depois do lançamento oficial em 6 de outubro, então não dá para tratar essas ocorrências como uma representação definitiva do desempenho do jogo.

Gears of War: E-Day me fez querer conhecer o resto da franquia

Mesmo com alguns problemas pontuais, talvez o maior mérito de E-Day para mim seja justamente ter conseguido fazer algo que eu não esperava: despertar minha curiosidade pela história de Gears of War. Eu comecei a campanha acreditando que estava entrando em mais um jogo de tiro sobre humanos enfrentando aliens (é isso mesmo, um erro bem amador) e terminei procurando informações sobre personagens e acontecimentos dos outros títulos para entender melhor tudo aquilo que estava acontecendo.

Isso também mostra como retornar ao passado pode ser uma boa escolha para uma franquia que já acumulou muitos anos de histórias e personagens. Ao voltar para o momento em que tudo começou, a The Coalition encontra uma maneira de apresentar o universo para quem chega agora e, ao mesmo tempo, oferecer aos fãs uma nova perspectiva sobre acontecimentos que já conhecem.

Para quem já acompanha Gears of War, existe ainda o prazer de reencontrar personagens e elementos conhecidos em um momento muito anterior ao que a franquia mostrou posteriormente. Para alguém como eu, que entrou na série de maneira completamente despretensiosa e praticamente sem conhecer sua história, a campanha funciona como uma porta de entrada bastante eficiente para entender por que essa guerra começou.

Vale a pena jogar Gears of War: E-Day?

Gears of War: E-Day não tenta reinventar a fórmula da franquia, e talvez nem precisasse fazer isso, já que seu maior trunfo está justamente em revisitar as origens enquanto mantém o combate que tornou Gears tão conhecido. O gameplay continua baseado em tiro e cobertura, a campanha funciona ainda melhor em dupla e os capítulos com áreas mais abertas dão um respiro interessante para quem quiser explorar a cidade destruída.

No meu caso, a experiência foi ainda mais positiva porque o jogo conseguiu transformar uma franquia que eu considerava apenas um “jogo de hominho atirando nos monstros” em algo que despertou minha curiosidade pela história e pelo universo de Sera. E com o suporte para split-screen nos consoles, o título é uma das melhores experiências em tela dividida para quem curte jogos de história.

Porém, R$ 299 é um valor considerável, então eu diria que o investimento faz mais sentido para quem já é fã da série ou para quem, como eu, terminou a campanha querendo descobrir o que aconteceu antes e depois daquele Dia da Emergência. Felizmente, o jogo chega direto no Xbox Game Pass Ultimate em 6 de outubro no PC, nuvem e Xbox Series S e X, o que também permite ter acesso ao game por um valor bem mais acessível.

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A CD Projekt Red, no entanto, nunca tratou The Witcher 3 como um produto que deveria simplesmente ser deixado para trás depois do lançamento. Afinal, o estúdio continuou trabalhando no game, lançou duas expansões enormes e adicionou recursos que ajudaram a manter a comunidade ativa por anos.

Agora, The Witcher 3: Wild Hunt — Remastered chega com uma nova rodada de melhorias que moderniza diferentes partes da aventura. Não só isso, a atualização gratuita prepara o terreno para o futuro da franquia, incluindo a expansão Songs of the Past, prevista para 2027.

Além de atualizar o jogo para hardwares mais modernos, a remasterização também marca a chegada de uma versão específica para Nintendo Switch 2, com recursos próprios do console e melhorias consideráveis em relação à edição original para Switch. Foi justamente nessa plataforma que testamos a nova versão e, depois de algumas horas novamente ao lado de Geralt, uma coisa ficou bastante clara: mais do que uma simples atualização visual, The Witcher 3 Remastered é uma aula de como manter um jogo single-player relevante por uma década.

Ficha técnica

• Jogo: The Witcher 3: Wild Hunt — Remastered

• Lançamento: 29 de setembro de 2026

• Onde jogar: PC, PlayStation 5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 80 (com 50% de desconto no lançamento)

Uma atualização grátis repleta de melhorias

A ideia de The Witcher 3 Remastered não é reinventar completamente a aventura de Geralt, mas modernizar aspectos que ficaram para trás enquanto os jogos evoluíram ao longo dos últimos anos. Para quem já conhece o RPG, algumas mudanças parecem pequenas isoladamente, mas o conjunto ajuda a tornar a experiência mais confortável, dinâmica e preparada para o hardware atual.

Entre as principais novidades e melhorias estão:

• Novo sistema de habilidades: a árvore de habilidades foi completamente reformulada, oferecendo novas possibilidades de desenvolvimento e mais impacto das escolhas sobre o estilo de jogo. A mudança deixa a progressão mais flexível e aproxima o sistema das expectativas atuais para um RPG de ação.

• Combate reformulado: novas animações, finalizações, câmera adaptativa e ajustes de responsividade deixam as lutas mais dinâmicas. Os cinco sinais de bruxo — Aard, Igni, Yrden, Quen e Axii — também receberam efeitos visuais renovados.

• Inimigos mais reativos: comportamentos de monstros foram atualizados para tornar encontros que antes podiam parecer automáticos mais interessantes. Criaturas como lobos e afogadores agora apresentam reações que ajudam a deixar os confrontos menos previsíveis.

• Visual e desempenho aprimorados: texturas, vegetação, iluminação, renderização e outros elementos receberam melhorias, enquanto versões específicas das plataformas mais potentes aproveitam recursos gráficos avançados. No PC, por exemplo, a remasterização conta até mesmo com suporte a Path Tracing.

• Animações e exploração: Geralt e Roach ganharam novas animações, deixando deslocamento e travessia pelo mundo mais fluidos. Os Sentidos de Bruxo também foram retrabalhados para tornar a investigação de pistas mais natural e imersiva.

• Qualidade de vida: a interface foi atualizada, menus receberam melhorias e a transmogrificação permite alterar a aparência de armas e armaduras sem abrir mão dos atributos dos equipamentos. O Photo Mode também foi expandido para quem gosta de transformar o Continente em cenário para suas próprias fotos.

Tudo isso chega como uma atualização gratuita para quem já possui The Witcher 3 nas plataformas compatíveis, reforçando a ideia de que a CD Projekt Red quer modernizar a experiência sem obrigar quem já comprou o jogo a pagar novamente. A atualização também prepara o terreno para Songs of the Past, nova expansão prevista para 2027, que colocará Geralt ao lado de Dandelion em uma aventura pela região inédita de Letten, incluindo conexões com o aguardado Witcher 4.

O que muda na versão de Switch 2?

No Nintendo Switch 2, a remasterização ganha algumas ferramentas que não estão disponíveis da mesma maneira nas outras plataformas, principalmente graças aos recursos específicos do console. Logo ao abrir o game no dispositivo, uma série de telas explicando as novidades já aparece.

Os controles por movimento permitem lançar sinais, disparar a besta, arremessar bombas, beber poções e até controlar a velocidade de Carpeado, enquanto a tela touch facilita o controle do mapa. Já o giroscópio pode ser usado para aumentar a precisão durante o combate com movimentos de câemera.

Na prática, algumas dessas funções são mais interessantes do que outras e podem exigir um período de adaptação, especialmente quando a movimentação é usada para controlar a câmera. Lançar um sinal ou disparar uma flecha movimentando o controle é uma experiência diferente e divertida, mas a tentativa de adaptar a câmera para os movimentos pode acabar sendo menos confortável dependendo da situação.

Por outro lado, controlar Carpeado com os Joy-Con é uma das implementações que mais gostei durante os testes, já que a movimentação funciona de maneira intuitiva e combina bem com a exploração do enorme mapa. O Switch 2 também permite usar controles de mouse e aproveitar a tela sensível ao toque para navegar pelos menus, consultar o mapa e até jogar Gwent de uma maneira diferente.

Portabilidade do Switch 2 é destaque

O grande destaque, porém, está na possibilidade de levar uma versão moderna de The Witcher 3 para qualquer lugar no modo portátil. O visual não chega ao mesmo nível das versões destinadas a PCs e consoles mais potentes, naturalmente, mas o salto em relação ao primeiro Switch é bastante perceptível e mostra o quanto o novo hardware consegue fazer com um jogo dessa escala.

No modo dock, o Switch 2 consegue extrair ainda mais da experiência, enquanto a possibilidade de jogar no portátil transforma o RPG em uma opção especialmente conveniente para quem gosta de avançar aos poucos ou simplesmente quer carregar o Continente no bolso. A TV está ocupada ou teve que sair de casa? É só desconectar o console e seguir o gameplay de onde parou.

Só existe um detalhe importante para quem pretende jogar fora de casa: assim como aconteceu com Cyberpunk 2077, esta versão não esconde o conteúdo adulto do jogo, então é bom prestar atenção ao ambiente antes de deixar os NPCs sairem por aí balançando outras coisas além da espada de Geralt.

Durante o período de testes, encontrei apenas uma limitação relacionada ao idioma, já que não consegui baixar o pacote de dublagem em português do Brasil, que considero uma opção de alta qualidade. A expectativa é que esse problema seja corrigido após o lançamento oficial, especialmente porque o idioma está previsto entre as opções de voz disponíveis na versão final.

A verdadeira aula da CD Projekt Red

Mais do que as melhorias técnicas, The Witcher 3 Remastered chama atenção pela maneira como a CD Projekt Red escolheu tratar um jogo lançado originalmente em 2015. Em vez de simplesmente colocar uma nova edição nas lojas e encerrar o assunto, o estúdio manteve o título recebendo suporte durante anos e agora entrega uma atualização robusta sem cobrar novamente de quem já possui o game nas plataformas elegíveis.

Essa postura fica ainda mais interessante quando lembramos de outros recursos adicionados ao longo do tempo, como suporte a mods e cross-save. Pode parecer detalhe para quem olha de fora, mas poder continuar uma aventura em outra plataforma sem precisar começar tudo novamente dá ao jogador uma liberdade enorme e mostra que a experiência foi pensada para sobreviver às mudanças de hardware.

Durante os nossos testes, por exemplo, conseguimos continuar na versão de Switch uma partida iniciada no PC e, posteriormente, outra que vinha do Xbox, tudo funcionando de maneira bastante tranquila. É justamente esse tipo de recurso que ajuda a transformar um jogo antigo em algo que continua fazendo sentido para quem está jogando hoje.

Existe aí uma tendência interessante no mercado de games, que é apostar na chamada longevidade ou long tail em vez de tratar cada lançamento como um produto que precisa ser imediatamente substituído pelo próximo. A CD Projekt Red parece entender que um single-player pode continuar encontrando novos jogadores, receber conteúdo adicional e construir uma comunidade fiel durante muitos anos.

A melhor parte é que exemplos recentes como Crimson Desert também mostram que existe espaço para experiências desse tipo. No fim das contas, não é necessário reinventar a roda para manter um jogo vivo por uma década, mas é preciso continuar trabalhando nele e, principalmente, respeitar quem já está jogando.

The Witcher 3 Remastered mostra que atualizações de qualidade, novos conteúdos e liberdade para o jogador podem fazer um clássico continuar crescendo mesmo quando já deveria estar descansando na estante.

Vale a pena jogar The Witcher 3 Remastered?

A versão de Nintendo Switch 2 é uma ótima maneira de revisitar The Witcher 3 e, principalmente, de experimentar a aventura pela primeira vez em um portátil que consegue entregar uma experiência muito mais próxima das versões de consoles atuais. O modo portátil é o grande trunfo dessa edição, enquanto os novos controles por movimento funcionam melhor como complemento do que como motivo principal para jogar dessa maneira.

No momento do lançamento, a CD Projekt Red também colocou o jogo completo com 50% de desconto nas plataformas, chegando a R$ 80, o que torna a entrada no universo de Geralt especialmente interessante para quem ainda não teve contato com a aventura. Para quem já possui The Witcher 3 em uma plataforma compatível, a atualização gratuita torna a decisão ainda mais simples, já que praticamente não existe motivo para deixar de experimentar as melhorias.

Mais importante do que ser uma nova versão de um dos RPGs mais premiados da história, The Witcher 3 Remastered mostra como um jogo single-player pode continuar relevante muito depois de seu lançamento original. Se existe uma lição para outras desenvolvedoras, talvez seja justamente essa: quando um jogo é tratado com cuidado, escutando sua comunidade e recebendo melhorias que realmente agregam à experiência, ele não precisa ser substituído para continuar vivo — basta continuar tendo boas histórias para contar.

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Desenvolvido pela Remedy Entertainment, o novo jogo tinha uma missão complicada pela frente: entregar uma experiência que funcionasse por conta própria, mas que também fosse uma sequência capaz de preservar a essência do primeiro Control. Depois de completar a história de Dylan, fica claro que a Remedy não teve medo de mexer em uma fórmula que já funcionava — e, felizmente, a mudança deu muito certo.

A seguir, confira a review completa do jogo para saber se a sequência atende as expectativas.

Ficha Técnica

• Jogo: Control Resonant

• Lançamento: 24/09/2026

• Onde Jogar: PlayStation 5, Xbox Series X/S e PC

• Plataforma de Teste: PC

• Preço: R$ 229,99 — R$ 195,49 em promoção na Nuuvem

A Review foi produzida com uma chave cedida pela Remedy Enterteinment para PC.

Uma aposta arriscada que funciona muito bem

A primeira coisa que chama atenção em Resonant é justamente aquilo que poderia afastar os fãs do primeiro jogo: a mudança na jogabilidade. Enquanto Control era essencialmente um jogo de tiro em terceira pessoa, a sequência assume uma estrutura de RPG de ação com elementos de Hack and Slash.

Para quem já estava acostumado a controlar Jesse e utilizar seus poderes para transformar objetos do cenário em armas, a mudança pode parecer bastante radical. Depois de experimentar as novas mecânicas, porém, é difícil não reconhecer que a decisão funciona. Resonant encontra uma nova identidade para o combate sem deixar de lado a sensação de estranheza e caos que marcou o primeiro jogo.

E como essa gameplay nova funciona? Logo no começo, Dylan é apresentado ao Aberrante, sua principal ferramenta de combate, e precisa escolher uma arma para começar a aventura. As opções são as lâminas duplas, a foice e o cutelo, cada uma com características próprias e que mudam bastante a maneira de encarar os primeiros confrontos.

As lâminas duplas são mais rápidas e oferecem maior mobilidade, mas também são a opção mais fraca entre as armas iniciais, o que pode tornar as primeiras horas consideravelmente mais difíceis. A foice, por outro lado, possui ataques em área e consegue lidar melhor com grupos de inimigos, sendo uma escolha bastante confortável para quem está começando. Já o cutelo ocupa uma posição intermediária e causa dano adicional quando utilizado contra as costas dos adversários.

As possibilidades aumentam com as armas secundárias, como o Esmagamento, uma espécie de martelo, a Extensão, que funciona como um chicote, e a Broca. Essas ferramentas complementam as armas principais e ajudam a construir os combos. Também existem finalizadores que podem assumir formas bastante exageradas, indo de golpes com os punhos a lâminas gigantes e estrelas-ninjas igualmente gigantescas, aumentando a barra de atordoamento dos inimigos.

E é justamente quando tudo isso começa a se misturar que o combate mostra sua força. Ele é extremamente fluido, embora possa ser bastante desafiador nas primeiras horas, especialmente para quem escolhe começar com as lâminas duplas. O jogo gosta de colocar o jogador em salas fechadas e cercá-lo de inimigos, bloqueando a progressão até que todos sejam derrotados.

Nessas situações, Resonant chega a lembrar jogos como Ninja Gaiden, exigindo que o jogador esteja constantemente atento aos ataques que vêm de diferentes direções. No começo, isso pode ser um pouco caótico, mas basta entender o funcionamento das armas, dos desvios e dos combos para que a experiência fique muito mais natural. Quando isso acontece, o combate se transforma em uma das partes mais divertidas do jogo, principalmente pela velocidade dos confrontos e pela necessidade de reagir rapidamente ao que acontece na tela.

É uma mudança considerável em relação ao primeiro Control, mas também uma das decisões que mais beneficiam a sequência. Para mim, a Remedy conseguiu construir aqui um dos sistemas de combate mais divertidos que apresentou nos últimos anos.

O mundo aberto resolve um dos maiores problemas do primeiro jogo

Outra grande diferença está na estrutura do mundo. Enquanto Control era mais linear e se passava principalmente na antiga Casa, Resonant leva Dylan para uma versão distorcida de Nova York, transformando a cidade em um grande mundo aberto.

A mudança não serve apenas para aumentar o tamanho do mapa. Ela também resolve uma das maiores dificuldades que eu tinha com o primeiro jogo: me localizar naquele espaço. O level design de Control fazia com que alguns ambientes fossem difíceis de diferenciar, enquanto o mapa em 3D nem sempre ajudava na hora de descobrir para onde ir.

Em Resonant, a cidade funciona de maneira mais intuitiva. Os ambientes continuam sendo estranhos e muitas vezes parecem desafiar as leis da física, mas a estrutura do mundo aberto ajuda a criar uma noção melhor de espaço. O mapa também abandona o formato tridimensional em favor de uma representação 2D mais tradicional.

Inicialmente, os locais não aparecem completamente no mapa, sendo necessário ativar torres para revelar novas áreas. A ideia poderia se transformar facilmente em uma tarefa burocrática, mas o processo é simples e não chega a atrapalhar o ritmo da aventura.

Uma história que cresce conforme a aventura avança

A história sempre foi um dos principais elementos dos jogos da Remedy, e Resonant mantém essa tradição. Dirigida por Mikael Kasurinen, diretor do primeiro jogo, e escrita por Ashley Smith, a narrativa pode parecer um pouco sem graça durante as primeiras horas, mas ganha força conforme os acontecimentos começam a se desenrolar.

Para quem não jogou o primeiro Control, a sequência também oferece um resumo dos acontecimentos anteriores. Isso ajuda bastante a contextualizar o universo e evita que novos jogadores sejam completamente jogados no meio de uma história que começou anos atrás.

Na trama, depois de passar anos confinado, Dylan Faden é despertado por sua irmã, Jesse. O protagonista acaba em uma Nova York completamente distorcida e dominada pelo Ruído, a grande ameaça do jogo anterior. Ao mesmo tempo, surge uma nova ameaça: a Padronização, capaz de matar o Ruído, mas que também afeta a cidade e dá origem às entidades ressonantes, responsáveis por alguns dos principais confrontos do jogo.

Essas entidades também estão diretamente ligadas à progressão do personagem. Os chefes são a principal maneira de obter novos poderes e, depois de derrotados, oferecem ao jogador duas ou três opções de habilidades. O jogo ainda permite testar essas possibilidades antes de tomar uma decisão, o que torna a escolha menos punitiva.

Depois de cada confronto, o jogador é levado ao Lapso, uma espécie de espaço seguro onde é possível testar habilidades, comprar melhorias, adquirir armas e utilizar artefatos para se preparar para os próximos desafios. Todos esses elementos contribuem para um sistema de progressão que calcula o nível do personagem.

Esse sistema, porém, poderia ser mais claro. Os inimigos possuem seus próprios níveis indicados ao lado da barra de vida e, quando estão muito acima do nível do jogador, recebem um símbolo de caveira para indicar que são adversários mais difíceis. O problema é que o jogo não explica direito como o próprio nível do personagem aumenta, dando a impressão de que a progressão acontece de maneira quase aleatória.

Felizmente, essa falta de clareza não chega a comprometer a aventura, mas é uma daquelas decisões que poderiam ter recebido um pouco mais de atenção.

Dylan e Zoe são o coração da narrativa

No centro da história estão Dylan Faden e Zoe De Vera, supervisora de Dylan durante boa parte da aventura. Zoe funciona como uma espécie de voz no rádio que acompanha o jogador em diversos momentos, e a química entre os dois é um dos grandes acertos da narrativa.

As interações entre os personagens ajudam a dar mais humanidade a uma dupla que, inicialmente, pode parecer bastante fria. É justamente nesses momentos mais cotidianos que Resonant consegue fazer com que o jogador se aproxime dos personagens, mesmo enquanto a história continua mergulhando em conceitos cada vez mais estranhos.

Também existem diversas opções de diálogo ao longo da aventura. Elas ajudam a conhecer melhor os personagens, mas não provocam grandes mudanças na história. Na prática, funcionam mais como uma maneira de complementar a narrativa do que como um sistema de escolhas propriamente dito.

Jesse Faden também retorna, apesar de estar desaparecida, e continua desempenhando um papel importante na trama. A sequência ainda traz de volta Emily Pope e Arish, que agora trabalham como diretores interinos.

Outro elemento importante são as chamadas Falhas, locais relacionados a Jesse que permitem descobrir mais sobre o passado dos personagens e também oferecem novas habilidades de locomoção. Além de contribuírem para a narrativa, essas habilidades ajudam a tornar a exploração da cidade mais interessante conforme a aventura avança.

Visuais, sons e performance de primeira linha

Visualmente, Resonant mantém a capacidade da Remedy de criar ambientes que parecem familiares e completamente errados ao mesmo tempo. A Manhattan apresentada pelo jogo é uma versão distorcida da cidade real, repleta de espaços que desafiam a lógica e ajudam a transmitir constantemente aquela sensação de estranheza característica da franquia.

Em alguns momentos, o cenário pode ser propositalmente desorientador, com ambientes de ponta-cabeça e estruturas que parecem não obedecer às regras normais do espaço. Ainda assim, o jogo faz um bom trabalho ao conectar essas áreas e construir uma cidade que, apesar de surreal, consegue manter uma identidade visual bastante consistente.

Tecnicamente, o jogo também impressiona. Os visuais são detalhados e a direção de arte encontra um bom equilíbrio entre o familiar e o absurdo, enquanto a Northlight Engine, tecnologia proprietária da Remedy, continua mostrando sua força.

O som acerta nos golpes, mas a trilha poderia fazer mais

A sonoplastia acompanha bem a intensidade dos combates. Os golpes e habilidades especiais possuem impacto e ajudam a transmitir a força dos ataques, embora as explosões sofram com um problema que tem aparecido com frequência em jogos modernos: efeitos que acabam soando abafados e menos impactantes do que deveriam.

Na trilha sonora original, por outro lado, Resonant deixa um pouco a desejar. As músicas cumprem seu papel, mas poucas conseguem realmente se destacar ou permanecer na memória depois de algumas horas de jogo.

O grande destaque musical fica por conta do Mixtape da Zoe, composto por diversas músicas de artistas independentes que aparecem em momentos específicos da aventura. A iniciativa mantém uma tradição da Remedy de inserir momentos musicais marcantes em seus jogos e acaba sendo um dos elementos sonoros mais memoráveis da experiência.

A dublagem em português também merece atenção. Resonant é o terceiro título do estúdio a receber localização com dublagem em português, e o resultado é bastante irregular. Sérgio Cantú faz um ótimo trabalho como Dylan, mas parte do restante do elenco principal não consegue acompanhar o mesmo nível, com algumas performances que soam um pouco forçadas.

Control Resonant roda muito bem no PC

Durante meus testes no PC, Resonant também apresentou uma performance bastante satisfatória. O jogo se manteve entre 50 e 60 quadros por segundo e não apresentou problemas de stuttering durante a experiência.

É um resultado particularmente positivo em um momento em que problemas de desempenho no lançamento se tornaram frequentes em grandes produções. Mesmo com toda a quantidade de elementos acontecendo simultaneamente durante os combates, o jogo conseguiu manter uma performance estável no hardware utilizado para a análise.

Vale a Pena comprar Control Resonant?

Control Resonant tinha uma tarefa complicada: continuar uma franquia conhecida sem simplesmente repetir aquilo que já havia funcionado. Para isso, a Remedy mudou praticamente tudo que poderia assustar quem esperava uma continuação tradicional, colocando Dylan no centro da história, transformando a estrutura do mundo e reconstruindo o sistema de combate.

E, pelo menos para mim, essas mudanças funcionaram. O combate é frenético e viciante, mesmo que as primeiras horas possam ser difíceis até que o jogador compreenda suas possibilidades. A história cresce conforme a aventura avança, Dylan e Zoe formam uma dupla bastante carismática e a direção de arte continua sendo um dos grandes destaques do universo de Control.

Existem problemas, como a progressão de níveis pouco explicada, uma trilha sonora original que poderia ser mais marcante e uma dublagem em português irregular. Ainda assim, eles não são suficientes para apagar os acertos de uma sequência que demonstra confiança para experimentar.

Resonant também reforça uma ideia importante: uma sequência não precisa necessariamente repetir a fórmula do jogo anterior para preservar sua identidade. A Remedy conseguiu transformar Control em um RPG de ação sem abandonar o universo estranho, surreal e imprevisível que tornou a franquia tão particular.

Por R$ 229,99 no preço cheio — ou por valores menores em promoções, como os R$ 195,49 encontrados durante a análise —, Control Resonant entrega uma experiência bastante completa e se apresenta como uma sequência que consegue caminhar com as próprias pernas. Para quem gostou do primeiro jogo, a mudança de gênero pode exigir alguns minutos de adaptação, mas há aqui motivos suficientes para embarcar novamente nesse universo. Para quem está chegando agora, o resumo da história anterior ajuda a diminuir a barreira de entrada e torna a aventura mais acessível.

Mesmo com alguns tropeços, Resonant é uma aventura que consegue se sustentar por conta própria e mostra que ainda há muito espaço para experimentar dentro da franquia. Para quem estava esperando mais uma dose do universo de Control, a jornada de Dylan é uma boa oportunidade para voltar a esse mundo estranho, enquanto novos jogadores encontram aqui uma porta de entrada curiosa para conhecer esse universo.

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Depois de desvendar os mistérios que cercam uma esvaziada atração turística e os segredos da infeliz e enclausurada família Fellow, a dupla dinâmica, Grimoire e Sally, acaba por se aventurar em um submarino todo remendado atracado em uma vila fantasma.

The Mermaid Mask é o mais novo lançamento do estúdio. O título é uma continuação do aclamado Tangle Tower, jogo que cresceu no boca a boca entre os amantes do gênero investigativo.

Mais uma vez nos deparamos com um crime impossível. A vítima foi encontrada em um cômodo fechado, supostamente morta por um animal que já não se encontra mais no local.

O crime em si é um quebra-cabeça e o jogador deve descobrir não só quem matou, mas também o como. Para isso, é preciso entender quem são as pessoas por trás das pistas que encontramos. Confira a análise realizada no PC.

Ficha Técnica

• Jogo: The Mermaid Mask

• Desenvolvedora: SFB Games

• Lançamento: 16/08/2026

• Onde jogar: Steam, PSN e Switch 1 e 2

• Plataforma de teste: PC (Steam)

• Preço: A partir de R$67,99

Os detetives, a vítima e o criminoso

Grimoire e Sally acordam no piso de uma estalagem abandonada, em uma pequena vila portuária igualmente vazia. Ambos foram mais uma vez contratados para resolverem um assassinato misterioso em um local remoto.

Todas as lojas e casas estão vazias, restam as placas com os nomes dos seus antigos donos. Os imóveis contam um pouco da história do lugar. Mas uma nauseante luz esverdeada atrai o nosso olhar. O esquisitíssimo submarino da nossa vítima, o capitão Magnus Mortuga, enfim emerge no porto.

Ninguém aparece para nos recepcionar. Os tripulantes estão espalhados pelos cômodos. A nova capitã deixou um bilhete pedindo para investigarmos cada um deles antes de irmos falar com ela. Mas primeiro iremos dar uma olhada no dossiê que ela mesma escreveu e visitar o local do crime para assim termos as nossas primeiras impressões.

Ao que tudo indica, uma misteriosa criatura escapou de um baú que Mortuga escondia em seu depósito e cortou o seu pescoço com as suas garras afiadas. A porta estava trancada quando encontraram o corpo, mas não havia sinal algum de outro ser teria ficado preso no local.

É assim que as principais mecânicas nos são apresentadas. Tudo começa com a formulação dessa hipótese inicial. Resta saber se ela vai se confirmar no decorrer da investigação e se dessa vez Grimoire e Sally receberam o pagamento pelo seu trabalho.

Uma franquia com fôlego

The Mermaid Mask é o terceiro jogo da franquia Detective Grimoire publicado pela SFB Games. Ou o quarto, se considerarmos a primeira aparição de Grimoire, lançado pelos irmãos Tom e Adam Vian na época em que produziam jogos de navegador pela The Super Flash Bros.

Detective Grimoire surgiu como um tradicional point-and-click em Flash. O Adobe Flash foi um software que permitia a criação de animações interativas para depois disponibilizá-las na internet de forma gratuita. Isso fomentou um espaço para produções independentes de jogos, quadrinhos e animações nos anos 2000.

Segundo Adam, o desenvolvimento durava algo em torno de uma à quatro semanas e o feedback dos usuários era imediato. Isso permitiu que ambos desenvolvessem suas habilidades como devs durante esses anos iniciais.

Foi então que a desenvolvedora, já rebatizada como SFB Games, uma abreviação do antigo nome, decidiu trazer Grimoire de volta. A franquia que começou no Flash se renovou através de uma campanha de financiamento coletivo pelo Kickstarter.

Detective Grimoire: Secret of the Swamp saiu em 2014 para diversas plataformas. Nele vemos a base que seria aperfeiçoada ao longo das suas sequências.

É interessante perceber pelos créditos dos três jogos como muitos nomes permaneceram ao longo da década, não só o trio principal da SFB Games, como também alguns dos envolvidos com a atuação de voz e trilha sonora. A história do estúdio acaba sendo tão interessante quanto os seus jogos.

A arte de interpretar corretamente

Dividido entre oito capítulos, o jogo segue o tradicional estilo da literatura policial, inclusive ao separar um momento final para Grimoire, Sally e você demonstrarem como chegaram a solução.

Assim como ocorreu em Tangle Tower, temos que resolver uma espécie de crime impossível, mais especificamente um crime de “quarto fechado”. Nesse tipo de caso, a revelação da identidade do assassino e o que o motivou a fazer isso são tão importantes quanto o método utilizado no crime.

Boa parte das mecânicas estabelecidas no jogo anterior estão presentes. Neste point-and-click de mistério, o jogador deve formular hipóteses, analisar objetos, cenários e documentos, interrogar os suspeitos e resolver alguns puzzles.

Existem alguns poucos puzzles mais tradicionais e eles costumam ter alguma relação com a sua localização, como o quarto de um dos tripulantes. A maioria deles possui uma certa fisicalidade, como ter que manusear peças ou iluminar áreas, e são excelentes, diversos e criativos - só não gosto como a resposta é entregue logo depois do primeiro erro.

É preciso resolvê-los para adquirir itens importantes, mas o principal quebra-cabeça do jogo, digamos assim, é o crime em si. O gameplay gira em torno de produzir palpites. O que antecedeu o crime, o que aconteceu durante o crime e o que sucedeu ele?

A mecânica de formulação de hipóteses serve exatamente para organizar melhor os palpites do jogador, mas sem abrir mão da sua autonomia. Uma frase deve ser elaborada a partir da junção de quatro fragmentos de ideias. Ela deve responder a uma pergunta objetiva que aparece na tela, como “O que aconteceu com Mortuga?”.

Isso também funciona como uma forma indireta de passar dicas para aqueles que são desatentos. Você pode tentar chutar até acertar, mas assim irá perder a trilha a ser seguida.

É curioso que os objetos que coletamos não são utilizados como é o esperado para um point-and-click. Não abrimos portas ou entradas secretas com eles, nem os equipamos, e raramente eles precisam ser “combinados”. Todos os itens servem para te entregar informações.

Todo personagem oculta algo e é preciso confrontar cada um sobre isso. Há diferentes caminhos para encontrar o fio da meada do que cada um esconde. Conversar com eles nos ajuda a saber no que prestar a atenção.

Os itens também possuem uma maior “fisicalidade” do que no jogo anterior. Cada pista tem a sua particularidade. Por ser um objeto em 3D, você pode rotacioná-lo, mexer nele para tentar abri-lo e até chacoalhar para saber se tem algo dentro dele.

A atenção aos detalhes também exploram a transparência de alguns itens. Uma folha de papel que permite perceber algo escrito na outra face. Ou uma carta selada em uma garrafa selada. Mas não é só isso.

Se você apresentar um livro para provar o seu argumento, por exemplo, você terá que selecionar qual o trecho na página que colabora com a sua hipótese durante a confrontação. Ou se você alegar que um personagem é similar a uma figura misteriosa de uma fotografia, você é obrigado a apontar as semelhanças.

Você ainda deve mostrar alguns itens para personagens específicos. Por exemplo, um deles possui a habilidade de identificar cheiros e assim apontar de forma indireta quais dos seus vários itens possuem um mesmo odor.

É divertido ir atrás da opinião de todo mundo. Muitas vezes não se descobre nada, mas as conversas são conduzidas com muito bom humor, cada um tem o seu jeito particular de falar dos outros.

Afinal, são essas fontes que nos contam a história. Apesar de achar todo o processo divertido, em alguns momentos, os personagens poderiam cortar mais rapidamente o assunto quando o item não possui relação alguma com eles.

Não é possível perder nesse jogo, no máximo você pode ficar preso nele. Também não há uma curva de dificuldade. Existe fluidez. Nesse começo, você pode visitar os cômodos, conversar com os tripulantes e resolver os puzzles na ordem que quiser.

Você pode demorar bastante em cada visita, coletando o máximo possível de informações, ou pode só visitar rapidamente cada um e deixar todo o trabalho para o próximo capítulo. A separação em capítulos organiza bem os seus objetivos.

O final é um bom exemplo disso. Ele é centrado na admissão do culpado, na recapitulação dos acontecimentos e em uma demonstração de como você chegou a cada conclusão. Essa parte se destaca do resto pela mudança de ritmo e sem atividades paralelas.

Para quem gosta de histórias clássicas de detetive, já está acostumado a essas longas explicações finais. Mas nem sempre isso é bem conduzido, às vezes acaba sendo algo bem monótono e processual.

Não é o caso de The Mermaid Mask. Nessa sequência, o ritmo cadenciado intensifica cada reviravolta. É um bloco extenso, mas muito bem construído. Traz aquela sensação de que nos aproximamos do clímax. E o acontecimento final é surpreendente.

Um visual que evoca suavidade e desgaste

O resultado final é uma excelente combinação do trabalho de diferentes profissionais, então vamos por partes. Não tenho conhecimento, nem habilidade para identificar notas e instrumentos corretamente, mas a trilha sonora passa muito bem essa sensação de enclausuramento.

A sonoridade varia entre um tom bem humorado, misterioso, aventuresco e contemplativo. Ele mistura diferentes instrumentos com sons não convencionais, além de combinar, efeitos de afinação e reverberação com características opostas.

Diferentes instrumentos de sopro, de corda e de percussão são combinados. Até mesmo a vocalização é incorporada. Mas junto do violão, das trombetas, das flautas, do piano e das vozes, escutamos sons de gotas, um estalar de madeira, o borbulhar na água, ecos e reverberação de ruídos não identificáveis por um espaço amplo.

Isso nos convida a elaborar sobre o que não esta visível e a imaginar o que vamos encontrar mais para frente. É uma bela composição e que combina perfeitamente com a “estética macabra e infernal” do submarino.

Os personagens são muito carismáticos. Me vi absorta pelos três jeitos de cada um em se comunicar, principalmente de Dusk e Simetria. Essa expressividade deles vem tanto no texto quanto na animação - a grande novidade é essa sensação de profundidade deles.

Os designs funcionam tanto em 2D quanto em 3D. As silhuetas são icônicas, você reconhece elas imediatamente. E o gestual nas animações combinam perfeitamente com as descrições hiperbólicas que cada um faz de si mesmo.

O ambiente também descreve a personalidade daquele que o habita. Cada um possui a sua própria identidade. A composição dos cômodos possuí uma função narrativa, sejam em áreas comuns ou privadas.

É fascinante prestar atenção nos detalhes. Um item importante não se destaca de primeira no cenário. Faz parte você ter que prestar atenção nos elementos que preenchem aquele ambiente.

A sensação de desgaste daquele submarino é palpável. Os tons verdes e azuis predominam, mas há outros tons “escondidos” pelos cantos, como o amarelo que é utilizado para lembrar os raios de sol que não podem adentrar pela escotilha submersa. Passamos do lúdico para o macabro com rapidez.

Você consegue imaginar uma história inteira pelo o que é enquadrado na tela. Você logo percebe que deve suspeitar não só das figuras como também dos espaços.

O Mortuga, por exemplo, é uma figura estranha e assimétrica, que teve que recolher os seus próprios cacos e vive em um local formado pelos retalhos de duas embarcações. Uma foi parcialmente destruída, a outra estava incompleta. Dois passados trágicos.

Outro exemplo são os quartos dos tripulantes. Enquanto o quarto dividido por Simetria e Sinthia possui um equilíbrio harmonioso, onde o espaço entre as suas camas compartilha sonhos e esperanças em comum, o quarto de Dusk e Dick possui uma divisória entre eles que não é física, mas clara. O que não é dito, é visto.

É um ponto forte a inserção desses personagens, que empregam uma “economia de linhas” em seus designs, nesses espaços exagerados.

Um único porém

Pelo que entendi, a escala é para ser bem menor do que a que vimos no jogo anterior. Não acho que isso impacte tanto, porém senti falta de algum drama maior entre os coadjuvantes.

Não estou reclamando de supostas pontas soltas, nem ansiando por novas tramas paralelas. Mas todos os personagens inocentes são exatamente o que aparentam.

Em geral as pistas falsas são só isso, formas de nos despistar. Enquanto que em Tangler Tower, confundir uma pá com a arma do crime também trazia à tona um suposto triângulo amoroso.

Ninguém finge ser o que não é, ninguém esconde um relacionamento proibido, ninguém é ligeiramente questionável. Não há nenhuma rusga, intriga ou dilema entre eles - nem mesmo com o Mortuga. A história individual de cada personagem não se mistura aos mal-entendidos e mentiras.

Somente o vilão e a vítima de fato escondem um passado obscuro. Como não preciso lidar com segundas intenções dos outros personagens, a falta de consistência do criminoso se destaca entre os suspeitos, pois é a história mais remendada.

Isso não chega a ser um problema, porque descobrir a sequência de eventos daquela fatídica noite é muito divertido.

De toda forma, acho interessante esse conflito focado entre eles. Ambos possuíam uma ganância autodestrutiva, mas só um deles manteve essa obsessão. E o final explora muito bem isso.

É interessante comentar que a recepção do final de Tangler Tower foi um pouco mista. Alguns sentiram falta de um desfecho mais conclusivo.

O seu trabalho no jogo anterior foi descobrir as histórias de cada um e coube a eles construir o próprio futuro, mas você não verá isso acontecer. Apesar de eu também ter ficado surpresa com com essa “interrupção”, existe uma certa beleza nesse “deixar as coisas soltas”.

Enfim, você ainda não precisa saber de tudo, mas o final de The Mermaid Mask não é abrupto e é bem menos aberto. Fica claro o rumo final de cada um.

Vale a pena jogar The Mermaid Mask?

Como havia dito na minha lista recomendando 10 jogos de puzzles e investigação, um bom jogo investigativo é aquele que sabe conduzir o jogador através das pistas — e o jogo capta isso com maestria, sendo uma ótima pedida para fãs do gênero.

O fio condutor não precisa ser uma solução plausível, mas sim uma que empregue a observação e o raciocínio lógico. Ou seja, o processo é mais importante do que o resultado.

The Mermaid Mask nos convida a primeiro perceber o que há de inusitado ou estranho em um ambiente, um objeto ou um relato, para então despertar a nossa curiosidade pelo motivo da existência daquela estranheza.

A solução surge quando você consegue entender qual foi o erro inicial de interpretação. Essa é a verdadeira essência da ficção detetivesca, ser capaz de interpretar corretamente os fatos. Esse jogo faz muito bem esse exercício imaginativo, assim como o seu antecessor.

Além disso, o jogo traz em si o seu próprio “artbook”, descrevendo partes do processo criativo. Ele também possui o idioma português como uma das opções —localização foi realizada pela Locsmiths. E, para quem ainda possui dúvidas, há uma demo disponível na Steam que abrange uma parte do prólogo.

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Agora, Two Point Hospital: Full Health Collection chega aos consoles, e também já está disponível no PC, reunindo o jogo base e todos os conteúdos adicionais lançados para o título. Depois de passar por Two Point Campus e ficar completamente fascinada por Two Point Museum, finalmente chegou a hora de voltar às origens da franquia e descobrir se o primeiro grande projeto da Two Point Studios ainda conseguia entregar uma experiência tão divertida quanto seus sucessores.

Confesso que comecei essa jornada com certo preconceito. Afinal, se Hospital nasceu de uma fórmula criada nos anos 90, será que ele ainda teria a mesma graça depois de tantos anos e de tantas mudanças no gênero de gerenciamento? Depois de algumas horas tentando manter pacientes vivos, funcionários treinados e as contas no azul, precisei morder a língua. A seguir, conto como foi meu plantão em Two Point Hospital: Full Health Collection.

Ficha técnica

• Jogo: Two Point Hospital: Full Health Collection

• Lançamento: 18 de setembro de 2026

• Onde jogar: PC, Xbox Series X|S, PlayStation 5 e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: PC

• Preço: a partir de R$ 130

Jogar os três jogos da Two Point mudou minha percepção sobre a franquia

Minha trajetória com a Two Point Studios começou justamente pelo meio. Conheci Two Point Campus pelo Game Pass e depois parti para Two Point Museum, experiência que me fez ficar completamente fascinada pelo estúdio. Foi jogando os dois que comecei a entender melhor a lógica por trás desses games: existe uma fórmula de gerenciamento bastante clara, mas ela está sempre acompanhada de humor, situações absurdas e aquela sensação gostosa de pensar em como organizar cada espaço para fazer tudo funcionar da melhor maneira possível.

Até nas horas vagas eu me pegava imaginando quais poderiam ser os próximos cenários que a franquia inventaria. A ideia de transformar atividades tão diferentes quanto administrar uma universidade, cuidar de um museu ou comandar um hospital em experiências de gerenciamento acessíveis e divertidas é uma das grandes forças da Two Point Studios, e foi justamente isso que me fez querer voltar ao primeiro lançamento.

Jogar Two Point Hospital depois dessas experiências foi interessante porque finalmente consegui enxergar de onde veio boa parte dessa fórmula. O jogo mostra que a base construída em 2018 já tinha muitos dos elementos que posteriormente seriam refinados nos outros títulos, mas também deixa claro que Hospital é um jogo mais exigente.

Pelo menos aqui em casa, ele continua sendo um sucesso, mas também foi responsável por alguns dos meus momentos mais desesperadores atrás do computador.

Two Point Hospital é mais difícil do que seus sucessores?

O jogo já começa colocando algumas responsabilidades nas suas costas e, conforme avançamos pela campanha, a situação fica cada vez mais complicada. Os mapas podem ser mais difíceis de otimizar e, em determinados momentos, é necessário expandir o hospital às pressas porque os pacientes continuam chegando, enquanto o espaço disponível e o dinheiro no caixa parecem diminuir na mesma velocidade.

Existe ainda um limite de tempo para atender determinados pacientes antes que eles acabem morrendo, o que transforma algumas situações em verdadeiras corridas contra o relógio. Em vez de simplesmente construir o hospital dos seus sonhos com calma, muitas vezes você precisa tomar decisões rápidas para evitar que uma pequena crise se transforme em uma catástrofe financeira e administrativa.

Essa diferença de dificuldade foi uma das coisas que mais senti em relação aos outros jogos da franquia. Enquanto Two Point Campus e, principalmente, Two Point Museum deixam boa parte da dificuldade nas mãos do jogador e de suas escolhas de gerenciamento, Two Point Hospital parece olhar diretamente para você e dizer que construir o hospital foi apenas a primeira parte do trabalho. Agora é preciso manter tudo funcionando, mesmo quando a situação começa a sair completamente do controle.

Muitas vezes fiquei no vermelho e precisei recorrer a empréstimos para conseguir manter o hospital funcionando, algo que praticamente nunca aconteceu comigo jogando os outros títulos da franquia. A sensação é de que o jogo está constantemente testando se você realmente entendeu as consequências das suas decisões.

O sentimento de causa e efeito torna a progressão mais tensa, mas também bastante recompensadora quando finalmente conseguimos colocar as contas em ordem. Curiosamente, esse peso também combina com a temática do jogo, já que estamos falando, mesmo que de forma lúdica, de um local onde vidas são salvas ou perdidas.

Até os funcionários precisam de treinamento

Uma das diferenças que mais senti em relação aos outros jogos da Two Point foi a maneira como o desenvolvimento dos funcionários funciona. Aqui não basta contratar alguém e simplesmente esperar que a pessoa se torne melhor com a experiência, já que os profissionais precisam ser treinados por outros funcionários que tenham conhecimento suficiente para ensinar determinadas habilidades.

Isso significa liberar dois profissionais do plantão para que um possa ensinar o outro ou pagar por um tutor, o que pode parecer simples quando o hospital está tranquilo, mas se transforma em um problema enorme quando existem pacientes esperando por atendimento. Afinal, tirar uma pessoa da escala significa deixar outra função descoberta, e o jogo constantemente nos força a escolher qual problema precisa ser resolvido primeiro.

A situação fica ainda mais complicada conforme novas doenças são descobertas e os diagnósticos e tratamentos passam a exigir mais estrutura. Algumas salas específicas precisam ser pesquisadas e desbloqueadas para que determinadas enfermidades possam ser tratadas, o que significa colocar mais profissionais para trabalhar na pesquisa enquanto o restante da equipe tenta manter o hospital funcionando.

Na prática, administrar Two Point Hospital muitas vezes significa escolher qual incêndio apagar primeiro. E, considerando que estamos falando de um hospital, talvez essa seja exatamente a sensação que o jogo queria proporcionar.

O humor continua sendo um dos maiores trunfos

Pode parecer estranho transformar doenças e morte em motivo para risada, mas Two Point Hospital consegue fazer isso sem deixar que o tema fique pesado demais. Parte desse resultado vem das próprias doenças, com nomes como Síndrome do Pobrestar, Boca Suja e Calafrios de Sábado à Noite, que conseguem transformar situações potencialmente tensas em momentos de humor bastante característicos da franquia.

No meio da tensão para atender todo mundo antes que o relógio estoure, enquanto tento desesperadamente manter as finanças no azul e organizar funcionários que parecem sempre estar ocupados demais, essas situações conseguiram arrancar boas risadas. O humor funciona principalmente porque está integrado ao funcionamento do jogo, em vez de aparecer apenas como uma piada isolada.

Esse equilíbrio também ajuda a aliviar o peso da administração. Quando você está preocupado porque metade do hospital está sem dinheiro, um paciente aparecendo com uma doença completamente absurda funciona quase como um lembrete de que o jogo não quer ser um simulador médico sério. Ele quer que você se divirta enquanto tenta impedir que seu hospital vá à falência, e essa combinação continua funcionando muito bem.

Cada estrela é um motivo para continuar jogando

A estrutura de progressão também ajuda bastante a manter o ritmo da campanha. Assim como nos outros títulos da franquia, conquistar estrelas de avaliação permite desbloquear novos mapas, e cada cenário apresenta uma situação diferente para administrar.

Isso funciona como um incentivo constante para continuar avançando, porque dominar um hospital não significa simplesmente chegar ao fim da experiência: existe sempre outro desafio esperando para colocar suas habilidades à prova.

A Full Health Collection amplia bastante essa variedade porque reúne não apenas o conteúdo original, mas também todas as expansões lançadas para Two Point Hospital. A lista inclui

• Two Point Hospital: Pebberley Island

• Two Point Hospital: Close Encounters

• Two Point Hospital: A Stitch in Time

• Two Point Hospital: Off the Grid

• Two Point Hospital: Culture Shock

• Two Point Hospital: Bigfoot

• Two Point Hospital: Retro Items Pack

• Two Point Hospital: Fancy Dress Pack

• Two Point Hospital: Exhibition Items Pack

• Two Point Hospital Soundtrack

Além de novos locais, hospitais e itens, as expansões adicionam novas mecânicas e mais de 80 doenças para tratar. Também estão presentes conteúdos como a sala de cirurgia e as ambulâncias, que ampliam consideravelmente as possibilidades de gerenciamento e fazem com que o jogador precise se adaptar a novas situações ao longo da campanha.

Em alguns momentos, essas novidades facilitam a vida e oferecem ferramentas que tornam determinados problemas mais fáceis de resolver. Em outros, porém, elas aumentam bastante o desafio e apresentam situações que exigem ainda mais planejamento.

Foi justamente em uma dessas situações que consegui realizar um feito que considero questionável para alguém responsável por um hospital: eu consegui falir uma instituição inteira. Não foi meu momento mais brilhante como administradora, mas pelo menos rendeu uma boa história para esta review.

A interface é simples, mas cumpre seu papel

Visualmente, é impossível ignorar que Two Point Hospital é um jogo de 2018, mesmo com o relançamento com as expansões na Full Health Collection. Comparado aos lançamentos mais recentes da Two Point Studios, ele tem uma apresentação mais simples, com uma renderização que pode parecer um pouco datada e uma interface que não possui o mesmo refinamento encontrado em Campus e Museum.

Ainda assim, isso não significa que o jogo seja feio ou difícil de entender. A interface é bastante direta e, mesmo sendo o primeiro jogo da franquia, não demorei para compreender onde estavam as principais ferramentas e informações necessárias para administrar o hospital.

A organização dos menus também facilita a navegação e permite acompanhar funcionários, pacientes, finanças e construções sem transformar cada decisão em uma aula de administração hospitalar. Além disso, o estilo cartunesco ajuda a manter a identidade visual que acabou se tornando característica da série.

O jogo não tenta competir com simuladores visualmente realistas e nem precisa fazer isso, porque a direção artística existe justamente para sustentar o humor e tornar a administração mais acessível. Mesmo com as limitações técnicas perceptíveis atualmente, existe uma identidade muito clara em cada ambiente.

O som ajuda a controlar o caos

Os efeitos sonoros ganharam uma importância que eu não esperava. Como existe muita coisa acontecendo ao mesmo tempo, os sons ajudam a identificar situações que precisam da sua atenção, permitindo perceber emergências, diagnósticos ruins e até quando alguém morre sem precisar acompanhar visualmente cada canto do hospital.

Isso faz bastante diferença principalmente nos momentos mais caóticos, quando pacientes estão chegando, funcionários precisam de atenção, novas salas estão sendo construídas e o dinheiro desaparece da conta em uma velocidade preocupante. Os efeitos acabam funcionando quase como pequenos alertas que ajudam a organizar mentalmente aquilo que precisa ser resolvido primeiro.

O jogo não possui dublagem em português, mas conta com tradução e legendas em no nosso idioma, o que foi suficiente para tornar minha experiência acessível mesmo sem localização completa das vozes. Considerando a quantidade de informações apresentadas durante o gerenciamento, ter o conteúdo textual traduzido é particularmente importante e evita que a ausência de dublagem se torne uma barreira significativa.

Two Point Hospital ainda vale a pena em 2026?

Depois de jogar Two Point Hospital somente agora, minha maior surpresa foi perceber o quanto a fórmula continua funcionando. Sim, a apresentação é mais simples do que a dos jogos posteriores da Two Point Studios. Ainda assim, quando o hospital começa a lotar, os pacientes começam a morrer, o dinheiro desaparece e você precisa decidir qual funcionário pode abandonar o plantão para treinar outro, essas questões deixam de ser tão importantes.

O gameplay continua sendo o coração da experiência e é justamente nele que Two Point Hospital mostra por que a franquia chegou tão longe. Existe uma boa combinação entre planejamento, improviso, humor e progressão, enquanto a estrutura de novos mapas mantém a sensação de que sempre existe alguma coisa diferente para aprender ou administrar.

A Full Health Collection ainda tem outro ponto forte: ela reúne o jogo base e todos os DLCs em um pacote bastante completo, oferecendo uma quantidade enorme de conteúdo para quem gosta de gerenciamento e simulação. Para quem está chegando agora à franquia, é uma maneira bastante conveniente de conhecer justamente o jogo que estabeleceu muitas das ideias que seriam desenvolvidas nos títulos seguintes.

Para quem já é fã de Two Point Campus, Two Point Museum ou simplesmente gosta de jogos em que construir algo e depois assistir ao próprio planejamento entrar em colapso faz parte da diversão, Two Point Hospital continua sendo uma experiência que merece atenção, principalmente na nova versão com todo o conteúdo disponível.

A principal vantagem desta edição está justamente no volume de conteúdo. Além do jogo base, a coleção reúne todos os DLCs lançados para Two Point Hospital, adicionando novos mapas, hospitais, doenças, itens e mecânicas. Para quem realmente gosta de jogos de gerenciamento e simulação, existe aqui material suficiente para muitas horas de jogo.

Só não esqueça de guardar dinheiro para a emergência. No meu caso, o hospital precisava de mais uma sala, mais um funcionário e mais um empréstimo praticamente ao mesmo tempo, e aparentemente nenhum desses itens vinha com desconto para administradores irresponsáveis.

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Quem frequenta as redes sociais, então, pode desenvolver uma crise de ansiedade ao pesquisar sobre qualquer game. Plataformas como o X, antigo Twitter, adoram empurrar conteúdos polêmicos sobre games para todo mundo, já que a “economia da atenção” em que vivemos adora uma controvérsia: afinal, brigar faz muito bem para os números e movimenta os algoritmos.

Atualmente, o alvo em questão é Marvel’s Wolverine. O título, lançado em 15 de setembro para PS5, virou tema de tantas críticas que pode até parecer que estamos diante da chegada de Satã à Terra. Com uma recepção mista por parte da crítica, o jogo vem recebendo desde críticas pertinentes, envolvendo gameplay e narrativa, até o clássico “virou woke”.

Após jogarmos o título com uma chave cedida pela PlayStation, notamos que a realidade é outra. O game protagonizado por Logan é apenas um produto medíocre que chegou em um momento complexo para a indústria, sendo, definitivamente, um dos jogos já feitos.

Ficha Técnica

• Jogo: Marvel’s Wolverine

• Lançamento: 15 de setembro de 2026

• Onde jogar: PlayStation 5

• Plataforma de teste: PlayStation 5

• Desenvolvedora: Insomniac Games

• Publicadora: Sony Interactive Entertainment

• Preço: R$ 399,90

• Classificação indicativa: 18 anos

Wolverine faz tudo certo — até demais

À primeira vista, Marvel’s Wolverine pode parecer um jogo excelente. Com gráficos decentes, o título traz a expertise da Insomniac Games, responsável pelos jogos de Spider-Man para PlayStation, em um novo projeto focado em história, e, mesmo com o estúdio tendo sofrido um ataque hacker que atrapalhou o desenvolvimento, o arroz com feijão foi feito com cautela aqui.

Marvel’s Wolverine traz um gameplay que funciona, uma narrativa decente que lembra filmes do MCU e visuais dentro dos padrões esperados do estúdio. O problema é que o título não se esforça para ir além disso — em nenhuma dessas frentes.

O gameplay de ação do jogo foca em ataques básicos e pesados na ofensiva, com golpes especiais que podem ser desbloqueados com o tempo e sistemas de esquiva e parry para a defesa. O título também conta com segredos escondidos em portas, com desafios extras que ajudam na progressão e na evolução do personagem.

O problema é que, independentemente da dificuldade selecionada, a jogabilidade pode se tornar repetitiva rapidamente. Enquanto os chefes até que são legais, os inimigos não contam com muita variedade, o que pode fazer o dedo responsável por apertar o quadrado cansar depois de um tempo.

Aliado a isso, o jogo também não abre muito espaço para variedade em sua exploração. Enquanto o título acerta ao trazer diferentes cenários em seus 30 capítulos, Marvel’s Wolverine conta com colecionáveis e as já mencionadas portas de Provações, que oferecem desafios opcionais, mas até mesmo esses extras possuem marcadores que facilitam a busca.

É válido ressaltar que Marvel’s Wolverine definitivamente não “se joga sozinho”. Por outro lado, o game definitivamente pega o jogador pela mão e o leva até vários objetivos, e a pior parte é que, quando o jogo não faz isso, você possivelmente vai ficar preso em uma parede invisível ou receber a mensagem para “voltar para a área da missão”.

Um game single-player com rastros de mundo aberto

As marcações com cores fortes e os auxílios adotados pela Insomniac Games causam estranheza na fórmula single-player de Marvel’s Wolverine. No entanto, esses elementos claramente possuem uma explicação: a experiência do estúdio com jogos de mundo aberto.

Enquanto o jogo traz uma identidade própria, a fundação de Marvel’s Wolverine ainda é bastante similar ao que temos em outros títulos da empresa. Seja nas lutas ou nas missões de perseguição, dá para visualizar a veia de outros projetos da companhia invadindo lugares que não precisavam dela.

Em jogos como Spider-Man 2, por exemplo, o uso de marcadores visíveis se faz extremamente útil, já que o jogador está sempre lidando com muitos elementos na tela. Por outro lado, a experiência entregue em Wolverine é mais contida, o que gera um contraste capaz de causar estranheza e tirar parte da imersão durante o gameplay.

Alguns jogadores mais exploradores também encontraram áreas mais abertas dentro do jogo, o que mostra que, talvez, em algum momento, Marvel’s Wolverine tenha sido pensado como um game de mundo aberto. Ainda assim, o resultado final é outro, e a Insomniac definitivamente precisava de mais tempo para deixar tudo redondinho.

Exemplo disso é o polêmico faro de Logan, que, no lançamento, exibia uma trilha azul marcada e amplamente visível para guiar o jogador. Depois das críticas da comunidade, a empresa atualizou o game e deixou o efeito mais sutil e melhor, mostrando que um feedback construtivo sempre faz bem.

O grande problema, no entanto, é que o título conta com bases estruturais que podem render polêmica e dividir jogadores, principalmente considerando o preço de R$ 400.

Uma história que não fede nem cheira

Um dos pontos mais polêmicos de Marvel’s Wolverine durante o lançamento foi a sua duração: por aqui, conseguimos terminar o game em cerca de 12 horas. Ainda assim, é válido ressaltar que não dá para medir qualidade por minutos, principalmente em uma indústria repleta de promoções e assinaturas que barateiam os games com o tempo.

Meu maior problema com Marvel’s Wolverine foi justamente sua história ter gosto de pipoca de cinema. Mesmo com classificação para maiores de 18 anos, a narrativa não ousa muito além de mostrar algumas cenas com uma quantidade a mais de sangue na tela.

Seguindo a linha de Homem-Aranha, a empresa apostou em uma narrativa original na qual Logan faz parte da Equipe X, liderada por Nathaniel Essex. Ao lado de mutantes como Mística, Jean Grey e Dentes de Sabre, ele luta contra as Indústrias Trask, que buscam identificar e aniquilar mutantes.

Apesar da temática interessante, o jogo falha em realizar conexões com temas importantes por causa de sua superficialidade. O gameplay de matar bonecos e desmembrar robôs parece ganhar mais atenção do que uma narrativa que tinha potencial para roubar a cena.

O título deixa abertura para uma sequência ou um universo compartilhado, algo que pode acontecer no futuro. Afinal, com cerca de 1,9 milhão de cópias vendidas no lançamento, certamente a Insomniac ainda deve trabalhar com heróis da Marvel no futuro — e vamos torcer para vermos uma história melhor.

O jogo que poderia ser

A cada passo dado como Logan em Marvel’s Wolverine, o que mais sentia era como o game poderia — e deveria — ser melhor. A produção apresenta tudo o que um jogo de alto orçamento precisa ter, sendo, definitivamente, um título que funciona.

No entanto, o game não desenvolve nada da maneira que deveria, garantindo uma experiência limitada e que deixa um gosto de potencial perdido. Uma das especulações que rondam o projeto é que a Insomniac teria cortado fases nas quais o jogador controlaria Jean Grey — possivelmente por causa da má recepção aos estágios com Mary Jane em Spider-Man 2.

Enquanto não dá para confirmar nada sem um parecer do estúdio, posso afirmar que o jogo seria infinitamente mais legal com fases não só de Jean Grey, mas também com todos os membros da Equipe X. Dilacerar inimigos com a força bruta de Dentes de Sabre daria uma variada no gameplay de Wolverine, enquanto Mística poderia trazer fases de stealth e tiroteios.

Essa possibilidade mostra como seria interessante ver um jogo dos X-Men feito com a qualidade técnica do estúdio. Ainda assim, diante das limitações apresentadas em Wolverine, já fico com um certo receio de ver isso acontecendo no futuro.

Vale a pena?

Marvel’s Wolverine tem um gameplay que funciona e uma narrativa decente, acompanhada de uma dublagem em português brasileiro bem feita e diversos recursos de acessibilidade. Como produto, o jogo entrega uma experiência que, definitivamente, funciona.

No entanto, no mercado atual em que estamos, um jogo que funciona claramente não é o suficiente por R$ 400. Com GTA 6 na esquina e experiências single-player deslumbrantes na mesma faixa de preço, como 007 First Light, Marvel’s Wolverine acaba sendo ofuscado.

Até mesmo revisitar jogos mais antigos, como Rise of the Tomb Raider e a trilogia Batman Arkham, pode ser uma opção interessante enquanto esse preço não baixa. No entanto, quando o valor cair ou o jogo entrar na PS Plus, certamente vale fazer o download — até para vocês, queridos leitores, tirarem suas próprias conclusões sobre o jogo mais divisivo do ano.

Por enquanto, é melhor esperar a Insomniac usar o fator de cura e ir polindo o game, que certamente só ficará melhor com atualizações, feedbacks construtivos da comunidade e um preço mais em conta.

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Durante a geração seguinte de consoles, surgiu uma nova leva de clássicos para a franquia, como Agent Under Fire, Nightfire, Everything or Nothing e From Russia with Love, todos lançados para as plataformas da época, como PlayStation 2, Xbox e GameCube.

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Everything or Nothing foi desenvolvido pela EA Redwood Shores, o estúdio que posteriormente se tornaria a Visceral Games, responsável pela franquia Dead Space. E antes de 007 First Light brilhar no mundo dos games, esse clássico com James Bond já ajudou a moldar vários padrões dos games de ação.

Ficha Técnica

• Jogo: 007: Everything or Nothing

• Lançamento: 17/02/2004

• Desenvolvedora: EA Redwood Shores

• Onde Jogar: PlayStation 2, Xbox, Nintendo GameCube e Nintendo Game Boy Advance

• Plataforma de Teste: PlayStation 2

Produção de ponta para a época

Everything or Nothing traz de volta Pierce Brosnan no papel principal. No jogo anterior, Nightfire, o ator apenas emprestava seu rosto ao personagem. Além de Brosnan, também retornam Judi Dench, no papel de M, e John Cleese, como Q.

Além dos atores que retornaram, o jogo traz também caras novas, como o ator Willem Dafoe, que interpreta o vilão principal da trama, e Heidi Klum e Shannon Elizabeth, como as Bond Girls do jogo.

Com um elenco de peso, dá para perceber que não pouparam gastos com a produção. O título utiliza a tecnologia Cyberware para escanear os atores, além da contratação do roteirista Bruce Feirstein, responsável pelos roteiros dos filmes GoldenEye e O Amanhã Nunca Morre, para escrever a história do jogo.

História Cinematográfica

A história gira em torno de Bond, que precisa impedir o vilão Nikolai Diavolo (Willem Dafoe) de lançar ogivas cheias de nanorrobôs capazes de destruir metal ao redor do mundo. A trama, apesar de simples, é muito eficaz. Ela passa a sensação de se estar jogando um filme do James Bond, trazendo uma trama mundial típica do personagem.

A história tem de tudo, desde o retorno do clássico vilão Jaws, vivido por Richard Kiel, que marca sua primeira aparição desde o filme 007: Contra o Foguete da Morte, de 1979, estrelado por Roger Moore, até as clássicas Bond Girls.

Aliás, a presença de Jaws não é a única ligação com versões anteriores do personagem. Também é dito que o vilão principal do jogo foi aprendiz de Max Zorin, vilão de 007: Na Mira dos Assassinos, também estrelado por Roger Moore. Dessa forma, o jogo estabelece uma ligação entre as versões de Bond interpretadas por diferentes atores.

O roteiro de Bruce Feirstein, apesar de simples, consegue manter bastante da essência da franquia, passando a mesma intensidade que os filmes possuem. Muito disso se deve à experiência de Feirstein com a série.

Combate Frenético

O jogo se inicia com uma venda de armas, que é interrompida por Bond, levando a um conflito entre duas forças inimigas. Esse momento funciona como o tutorial do jogo, no qual somos introduzidos à sua gameplay.

Nesse começo, somos apresentados às mecânicas de combate, como a utilização de cobertura, a mira automática, padrão dos jogos da época, e o combate corpo a corpo. O combate é bem direto ao ponto, com um sistema de tiroteios que incentiva o movimento, e não apenas a utilização de cobertura, como viria a se tornar padrão na era do Xbox 360, que viria a seguir.

O sistema de mira automática, hoje, pode parecer um tanto datado. Porém, funciona muito bem, de maneira rápida e dinâmica. Apesar disso, algumas vezes não funciona como deveria, havendo momentos em que a mira vai para inimigos mais distantes, causando algumas mortes injustas.

O combate corpo a corpo é uma novidade que ajuda a variar o gameplay, principalmente em momentos nos quais o jogador está desarmado e precisa recuperar munição de maneira rápida. O sistema de combate corpo a corpo é bem detalhado, possuindo uma ampla gama de animações variadas para as combinações de golpes.

Mas não é só de tiroteio e pancadaria que vive esse jogo. A aventura também apresenta sessões de veículos, nas quais Bond opera desde carros até tanques de guerra. Essa parte possui bastante similaridade com a icônica cena em que Bond pilota um tanque pelas ruas de Moscou em GoldenEye.

Os trechos de veículos se dividem entre perseguições e missões mais abertas, nas quais Bond precisa chegar ao seu objetivo. Essas partes guardam uma grande semelhança visual e de gameplay com Need for Speed.

Grande parte disso se deve ao fato de o jogo ter sido feito na mesma engine de Need for Speed: Porsche Unleashed. Além disso, essas partes do jogo ficaram sob a responsabilidade da mesma equipe dos jogos de corrida, conseguindo passar uma ótima sensação de velocidade e uma direção satisfatória, inclusive em um trecho de corrida que o jogo possui.

Essas diversas mecânicas que o jogo apresenta contribuem para que ele não se torne repetitivo, tornando-se exatamente o oposto disso: uma experiência variada e muito divertida.

A Música de 007

Um dos maiores pontos fortes de Everything or Nothing é sua trilha sonora, composta por Sean Callery, compositor das séries 24 Horas e Jessica Jones, trabalhos que lhe renderam Emmys.

Callery decide incorporar elementos musicais clássicos da franquia, como trilhas orquestrais mais tradicionais, e juntá-los a elementos musicais que estavam na moda na época, como o forte uso de guitarras elétricas em alguns temas.

Um exemplo é a versão do tema clássico da franquia no jogo, que toca nos menus e na fase de corrida. Outro elemento popular da época que Callery implementa é a utilização de música eletrônica, especialmente em algumas missões que envolvem perseguições.

A trilha do jogo consegue ser extremamente memorável, elevando certas missões, como Death of an Agent, em que confere um tom épico para a parte inicial da missão, ou Ambush, na qual consegue passar uma forte sensação de caos.

Além da trilha geral do jogo, temos o tema principal, cantado pela cantora Mýa, que inclusive aparece no jogo como a agente da NSA Mya Sterling.

O tema de Mýa é muito bem produzido, seguindo uma direção voltada para a música eletrônica, com um belíssimo vocal, o que faz com que a faixa seja uma das mais memoráveis do jogo.

Vale a pena revisitar 007 Everything or Nothing?

007: Everything or Nothing é um dos maiores exemplos de como adaptar uma franquia famosa para o mundo dos games. Sendo a despedida de Brosnan no papel, o jogo consegue traduzir com perfeição a ação dos filmes para os videogames, entregando uma experiência divertida e de primor técnico.

Mesmo sendo lançado em 2004, o título ainda consegue garantir diversão, com alguns pontos que mostram a idade, obviamente. Ainda assim, Everything or Nothing é um dos melhores títulos licenciados já feitos e, com certeza, vale a pena revisitar.

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Agora, Onimusha: Way of the Sword chega com uma missão um tanto mais complicada: ressuscitar uma franquia que estava adormecida desde Onimusha: Dawn of Dreams, lançado em 2006, e provar que ela ainda tem espaço em um mercado repleto de experiências de ação. A empresa aqueceu o caminho com algumas remasterizações, mas agora chegou a hora da prova final.

No entanto, depois de colocar as mãos no game, fica claro que o novo Onimusha vai além de simplesmente trazer um nome conhecido de volta às prateleiras. Afinal, a Capcom aproveitou a oportunidade para mostrar novamente aquilo que sabe fazer de melhor: criar games com personalidade.

Depois de acompanhar a jornada de Miyamoto Musashi pelas ruas de uma Quioto tomada pelo Miasma, fica claro que Way of the Sword entende muito bem o que precisa fazer para transformar um clássico do PlayStation 2 em uma aventura capaz de conversar com o público atual.

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Ficha Técnica

• Jogo: Onimusha: Way of the Sword

• Lançamento: 4 de setembro de 2026

• Desenvolvedora: Capcom

• Onde jogar: PlayStation 5, Xbox Series X|S, PC e Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 299,90

Uma cópia do jogo para Xbox Series X foi cedida para a realização desta análise.

Uma história que sabe ser simples e interessante

Um dos principais acertos de Onimusha: Way of the Sword acontece antes mesmo de você começar a jogar, pois você não precisa conhecer nada da icônica saga. O título apresenta uma história original, sem depender dos acontecimentos dos games anteriores, o que torna a aventura bastante acessível para quem nunca teve contato com a franquia.

A trama acompanha Miyamoto Musashi, um jovem e impetuoso samurai que acaba envolvido em uma guerra contra os Genma, criaturas sobrenaturais que invadiram uma versão sombria da Quioto do período Edo. Ou seja, temos um samurai que busca por honra e glória caindo no meio de uma guerra que não era dele.

A premissa pode parecer familiar para quem já está acostumado com histórias de fantasia japonesa, mas o jogo consegue criar sua própria identidade graças principalmente ao design das criaturas e à forma como constrói seu universo. Em alguns momentos, os Genma trazem à memória animes como Jujutsu Kaisen, com monstros visualmente marcantes e conceitos sobrenaturais que ajudam a deixar cada encontro mais interessante.

A ambientação também merece muitos elogios, já que a representação de Quioto é um dos pontos altos da experiência, equilibrando a beleza histórica da cidade com o horror provocado pelo Miasma. Templos, santuários, ruas e construções tradicionais ajudam a criar um Japão fascinante, enquanto a corrupção sobrenatural transforma esses mesmos lugares em cenários muito mais ameaçadores.

E se existe alguém que rouba a cena durante essa jornada, esse alguém é o próprio Musashi, que rapidamente se estabelece como um dos protagonistas mais carismáticos que encontrei nos games deste ano. A personalidade impulsiva, as expressões faciais e a excelente animação fazem com que seja muito fácil acompanhar sua evolução, enquanto a escolha de Toshiro Mifune como referência visual para o personagem dá ainda mais peso à interpretação do lendário samurai.

Para completar, Way of the Sword chega com dublagem completa em português brasileiro, algo que parece quase surreal quando lembramos que estamos falando de uma franquia que nasceu na época em que o PlayStation 2 ainda dominava as salas brasileiras. É um daqueles detalhes que ajudam a mostrar o quanto a indústria mudou nas últimas duas décadas e, mesmo com ressalvas sobre a qualidade de algumas interpretações, é ótimo ver a Capcom tratando o público brasileiro com esse cuidado.

Um combate bonito e divertido embala o gameplay

Na jogabilidade, Onimusha: Way of the Sword aposta em uma estrutura majoritariamente linear, mas não abre mão de áreas que podem ser exploradas e atividades opcionais espalhadas pelo caminho. A receita é bastante familiar para quem acompanha os jogos modernos da Capcom, misturando progressão direta, exploração pontual, recursos para aprimorar o personagem e combates que colocam bastante importância no domínio das ferramentas disponíveis.

O começo da aventura, inclusive, merece um destaque especial, pois consegue integrar os tutoriais à própria história sem transformar os primeiros minutos em uma sequência interminável de mensagens explicativas. A Capcom apresenta as mecânicas enquanto o jogador avança em um momento bem carismático, garantindo uma introdução divertida e dinâmica.

O combate é o grande destaque dessa estrutura, especialmente pela maneira como os golpes, defesas e contra-ataques se encaixam para criar uma sensação constante de impacto. Existe uma espécie de prazer em “farmar aura” durante os confrontos, acumulando recursos e aproveitando as oportunidades criadas pelas ações de Musashi — algo que pode lembrar a satisfação proporcionada por momentos de Devil May Cry 5.

A espada principal já oferece uma variedade considerável de movimentos e, além dos ataques comuns, a Manopla Oni permite absorver as almas dos inimigos e utilizar as chamadas Armas Oni. Essas habilidades especiais acrescentam novas possibilidades aos confrontos e também garantem alguns dos golpes visualmente mais bonitos do jogo, principalmente quando Musashi precisa enfrentar vários inimigos ao mesmo tempo.

Os movimentos são muito bem animados e cada ação transmite uma sensação de impacto que faz com que os combates sejam constantemente agradáveis de assistir e jogar. As lutas contra chefes são ainda melhores, funcionando como grandes espetáculos de espada em que observar os movimentos dos adversários e dominar os momentos certos para atacar pode transformar um confronto difícil em uma sequência extremamente satisfatória.

O problema aparece quando a novidade começa a passar

O principal problema de Onimusha: Way of the Sword surge justamente quando a surpresa das primeiras horas começa a diminuir e a estrutura do jogo passa a revelar algumas limitações. A experiência é divertida, mas existe uma repetição considerável de inimigos e situações, o que pesa especialmente em uma aventura que coloca tanto foco na leitura dos adversários e na execução precisa dos movimentos.

Depois de algumas horas, os confrontos contra inimigos comuns começam a perder parte do impacto porque o jogador já conhece boa parte dos padrões e sabe exatamente o que esperar. As lutas contra chefes continuam sendo excelentes, mas o caminho entre um grande duelo e outro nem sempre consegue manter o mesmo nível de interesse.

Ainda assim, o impacto desse problema depende bastante do ritmo de cada jogador, e acredito que Onimusha seja uma experiência que funciona melhor quando apreciada sem pressa. Se você cadenciar a aventura, explorar a Quioto corrompida aos poucos e não tentar transformar cada atividade opcional em uma obrigação, é possível aproveitar tranquilamente a viagem para esse Japão fantástico.

Um espetáculo no Xbox Series X

No Xbox Series X, Onimusha: Way of the Sword também entrega uma experiência visual bastante bonita, especialmente graças à construção dos cenários, ao design dos personagens e à qualidade das animações. A Capcom consegue utilizar muito bem a direção de arte para transformar Quioto em um lugar que alterna entre o deslumbrante e o ameaçador conforme a presença do Miasma toma conta da cidade.

Outro ponto interessante para quem está no ecossistema Xbox é o suporte ao Play Anywhere na versão da Microsoft Store. Isso permite acessar o jogo também no PC sem precisar comprar uma segunda cópia.

A possibilidade de jogar pela nuvem completa o pacote e dá bastante liberdade para continuar a aventura em diferentes lugares, algo especialmente interessante para uma experiência focada em uma campanha single-player. Por aqui, por exemplo, deu pra intercalar o gameplay na sala com uma jogatina direto do quarto, fazendo streaming do jogo no Steam Deck. A portabilidade é um detalhe, mas certamente pode fazer a diferença para quem tem uma rotina corrida.

Vale a pena jogar Onimusha: Way of the Sword?

Onimusha: Way of the Sword é mais um acerto da Capcom em um mercado cada vez mais cheio de experiências que parecem ter medo de arriscar. O jogo resgata um universo interessante e entrega um combate divertido, mostrando que a franquia ainda tem muito a oferecer.

Os problemas aparecem principalmente na repetição e na maneira como o ritmo pode cair depois das primeiras horas, mas eles não são suficientes para apagar o que funciona tão bem no restante da aventura. Para quem ainda tem dúvidas, vale baixar a demo grátis do jogo, disponível em todas as plataformas, que já mostra todos os pontos fortes do game sem você precisar gastar.

Considerando a atual fase da Capcom, não seria nenhuma surpresa se Way of the Sword acabasse funcionando como o primeiro passo para uma nova fase da franquia, que certamente faria sucesso e agradaria os novos e velhos fãs. Afinal, agora que o portão foi aberto, só nos resta esperar por mais batalhas demoníacas no futuro.

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Meu professor, formado em História da Arte, me deu uma belíssima aula sobre “o que é Arte”. Em miúdos, foi discutido que tudo aquilo que te traz uma sensação - seja um filme, um livro, um jogo - pode ser considerado uma peça de arte.

Não importa a duração, o meio que se apresentou, ou até mesmo se ninguém mais considera aquilo uma arte. A regra é clara: se te trouxe uma sensação, te fez sentir algo, é considerado arte. E The Dark Queen of Mortholme é uma bela peça de arte.

A protagonista não tem nome, e nem precisa. Ela é o “player”, o jogador que tem em absolutamente todos os jogos. Ela está lá para salvar o mundo, derrotar o vilão, ter toda a glória de superar as dificuldades. Ela é quem nós, os jogadores, sempre somos. Quando você joga qualquer jogo, você É essa protagonista. E é aí que o jogo te pega: Ele inverte os valores. Ele inverte o que esperamos encontrar nesse tipo de jogo. Ele inverte o papel natural que nós, jogadores, cumprimos.

Pelo fato de sermos o Boss e não a protagonista, tudo que conhecemos sobre jogos muda. Nosso objetivo não é ir de sala em sala, de fase em fase, descobrindo segredos e derrotando monstros diferentes, conseguindo subir de nível para um dia, enfrentar o vilão final e vencer o jogo.

Nosso trabalho não é conquistar uma nova arma incrível, ou salvar algum NPC. Nós não somos a protagonista do jogo, somos a Rainha, e o papel dela é outro. A Rainha não vai ser encontrada passeando pelos corredores. Ela não vai ser vista conversando em uma taverna. A Rainha, como todo bom Final Boss, será encontrada no lugar mais alto, o mais distante possível da primeira fase, onde apenas os mais fortes ousarão chegar.

A Rainha vai ser encontrada no topo da Torre mais alta de seu reino, descansando no seu trono, intocável. Esse é o trabalho dela, apenas estar lá. Ela sempre estará lá.

É a Protagonista que irá atrás da Rainha. É assim que funcionam os jogos, é assim que sempre funcionou.

Nesse texto, eu não quero apenas contar como o jogo é, explicar como funciona sua gameplay e sua história. Eu quero que você sinta o jogo, da mesma forma que eu senti. E sim, sei que é uma tarefa difícil, mas agora é a hora de tentar.

Vamos fazer um exercício agora: Quero que pense em qualquer game que você jogou onde tinha um Boss. Pode ser um Souls Like como Dark Souls, Sekiro ou Elden Ring. Pode ser qualquer Metroidvania como Dead Cells ou o próprio Castlevania: Symphony of the Night ou até mesmo The Witcher ou Borderlands. Na verdade, até jogos mais “normais”, sem elementos de RPG, como Call of Duty, Super Mario e Resident Evil possuem um Boss, um chefe, um inimigo mais difícil que os outros, mais poderoso… mais impactante.

E aí, pensou no seu jogo? Agora preciso que você pense em um específico Boss que teve nesse jogo e que ficou preso em sua mente. Pensou no seu boss? OK, quero agora que o descreva na sua mente. Ele é poderoso? Ele é memorável? Ele é um inimigo formidável?

Agora vamos pensar sobre você. Como foi enfrentar ele? Você teve muita dificuldade? Você se sentiu bem após vencer ele?

Esses são os pensamentos que The Dark Queen of Mortholme me trouxe. O jogo me fez pensar sobre todos os Bosses que eu já enfrentei e ficaram em minha mente. Eles foram tão importantes para a minha jornada naquele jogo, me fizeram aprender a jogar melhor, a usar melhor meus recursos, a desviar no momento certo, atacar no momento certo.

Os Bosses são fundamentais em jogos, pois quando vencemos esses chefes e passamos de fase, nós temos a prova de que crescemos e ultrapassamos nosso próprio limite. E quando é um boss final então? Uau, a sensação de completude é incrível, pois sabemos que vencemos o jogo, superamos tudo (exceto quando o jogo tem um péssimo Boss… tô falando contigo Resident Evil 3, pois transformar o Nemesis em um cachorro que fica correndo só em parede é um saco).

E sim, parece que estou apenas divagando, mas o jogo faz pensar em tudo isso. É parte do jogo te fazer pensar em temas profundos, também. E como eu disse, quero te fazer sentir o que ele me fez sentir, quero te fazer pensar no que ele me fez pensar.

Qual é a história e a premissa de The Dark Queen of Mortholme?

Não há uma história profunda, nada estabelecido. O jogo trabalha com as experiências passadas do jogador, coisas que aconteceram em outros jogos com ele. Ele usa dos básicos que você encontra lá, e utiliza isso para estabelecer um mundo.

Temos um império/governo/território que está repleto de maldade e precisa de um milagre. Chega então um salvador e derrota o vilão. Consegue pensar em alguma história assim? Tenho certeza de que sim. Desde Star Wars a Senhor dos Anéis, e até mesmo os jogos que citei anteriormente. O “básico” que chamo é o clichê estabelecido em literaturas desde sempre.

O jogo não precisa de uma história única e revolucionária, pois a ideia não é essa. A ideia é “como seria se fôssemos o Boss, e não o protagonista? Como nos sentiríamos? Como agiríamos diante do momento de ser derrotado? Seríamos derrotados?”

Por isso te fiz pensar sobre os Bosses que já encontrou pelo seu caminho gamer. Por isso fiz toda essa introdução, pois ela é necessária para você se conectar ao game. Mas caso queira muito uma história e premissa, aqui está a própria sinopse do jogo na página da Steam:

“Você é o chefe final, a Rainha Sombria de Mortholme, incomparável em poder. Um herói invade — facilmente esmagado. No entanto, ele continua voltando. Um jogo indie de 30 minutos, em formato curto, sobre uma ligação incomum, perspectivas e a beleza da mudança.”

Como funciona o gameplay e o sistema de combate?

Essa parte é extremamente simples e brilhante, pois agrega muito para a mensagem que o jogo quer te passar. Mas antes de explicar, preciso dar um aviso: esse tipo de jogo é aquele que quanto menos souber, melhor. Você é pego de surpresa com o que acontece e ter spoilers vai estragar um pouco sua experiência.

O jogo dura 30 minutos e eu paguei apenas R$8,00 por ele. Menos que um lanche e bem menos que uma skin. Vai por mim, vale a pena. Você pode jogar rapidamente e então voltar para ler essa análise. Não se preocupe, não vou a lugar algum.

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OK, jogou? Gostou? Me mande mensagem, quero saber o que achou. Não jogou? Tudo bem, depois você joga. Ainda assim, pode me mandar mensagem, quero saber o que achou da ideia e do que eu falei até então.

Voltemos para quando eu pedi para você pensar em um Boss. Quais eram os ataques deles? Qual era o padrão?

No começo do jogo nós possuímos apenas um ataque. A Rainha, com sua maça (uma espécie de marreta, só que com uma bola e espinhos na ponta), dá um simples e poderoso golpe que mata a heroína.

Após matá-la, a protagonista volta para enfrentar a Rainha novamente. Assim como nós, os jogadores, sempre fizemos em nossos jogos. Nós morremos, mas sempre voltamos, não é? Então, quando a protagonista volta para enfrentar a Rainha, e você tenta dar o mesmo golpe que acabou de usar, ele não funciona mais… A protagonista aprendeu, e agora, ela não será atingida tão facilmente.

Sim, seu único ataque agora é quase obsoleto. Ela sabe como você vai atacar e quanto demora para poder atacar novamente, então a protagonista desfere alguns golpes enquanto você se recupera. Você pode até pensar que é injusto isso, ela ser tão rápida, aprender com você, desviar, enquanto a Rainha é lenta, grande, um alvo fácil.

Mas, pensando novamente nos bosses que você já enfrentou: Você decorou o padrão deles, não? E mesmo que não decorasse, você deixou seu personagem forte o bastante para aguentar mais dano, né? Talvez tenha até fortalecido seu equipamento para conseguir fazer mais estrago.

Mas e teu boss? Ele mudou em algum momento? Ele ganhou um equipamento novo? Ele conseguiu uma habilidade diferente? Dificilmente, né? Ele provavelmente apenas mudou de fase, ficando mais forte e mais ameaçador, mas ainda assim mais fácil de matar. Quanto mais dano você dava, mais perigoso ele ficava, mas quanto mais perto da morte dele, mais você aprendia, não é?

Mas não importava quantas vezes você o enfrentasse, ele sempre voltava da mesma forma. Os ataques, o padrão, o tanto de vida e de dano que ele dá é SEMPRE o mesmo.

E agora, NÓS somos o Boss final. Nós não mudamos, mas a protagonista sim.

Para ser justo, nós sim ganhamos mais skills após a segunda morte da protagonista, mas elas têm sempre os mesmos defeitos: previsíveis, lentos, limitados. A protagonista vai aprendendo a se defender, a desviar, a fugir, a contra-atacar. De repente, a Rainha Negra se autoproclamar como “Imutável” não parece mais um título de força, mas sim uma declaração de seu limite. Nossas 3 skills são sim incríveis e fortes, mas a constante habilidade de se adaptar da protagonista é o que é a verdadeira força.

E então, nós, desempenhando o papel de Todo Poderoso Boss, vamos nos sentindo superados, atrasados… talvez até mesmo fracos. Estranho, não?

A Protagonista comenta sobre nós nunca mudarmos, sobre nós sempre termos os mesmos ataques, o que parece a primeira mão apenas uma alfinetada na Rainha, é também uma espécie de conversa meta-linguística, nos fazendo pensar sobre nossas vidas. E aqui também entramos na segunda parte da gameplay: diálogos.

A cada “ciclo” (quando você mata a protagonista e depois ela volta) temos uma conversa. Algumas vezes podemos escolher o que falar. Claro, não é nada complexo, afinal, é um jogo indie feito por apenas um cara e com 30 minutos de duração. O sistema inteiro é simples, mas o jogo tem sua profundidade.

Foi nesse momento do jogo, onde eu pude escolher o que falar, que de fato me senti na Rainha. A Rainha sem nome, que apenas vive, não mudando, não fazendo reais escolhas no mundo, mas vendo o mundo ao seu redor se movimentar.

Me diz, você se sente assim também? Quantos se sentem assim?

O que realmente é The Dark Queen of Mortholme?

Como dito várias vezes aqui, é um jogo em que nos tornamos a Boss Final. E realmente, é isso. No entanto, o jogo também pode ser bem mais.

Eu comecei esse The Dark Queen of Mortholme esperando apenas um jogo básico com uma mecânica legal, e isso me foi entregue. Mas, além disso, eu descobri que posso sentir empatia com bosses de jogos, que posso me sentir na pele de um ser Imortal desesperado para ser lembrado e com medo de ser ultrapassado. Com esse jogo relembrei que games, podem sim ser arte.

O jogo tem apenas 08 conquistas, e eu me recusei a conquistar a última. Não por ser difícil, mas porque, em outras palavras, é ir contra todo o aspecto do jogo.

Caso não queira spoiler do momento final do jogo, peço novamente, volte a ler apenas quando tiver jogado, ou, ao menos, zerado pelo Youtube.

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Okay, lá vai o que rola no final:

Sim, nós morremos. Somos derrotados, para ser mais específico.

Como todo Boss, nossa tarefa neste jogo não é apenas trazer desafio, ensinamento e presença na vida da Protagonista, mas, também, é morrer quando chegar nossa hora. É decisão sua se vai aceitar de bom grado ou não essa tarefa, mas, entenda, ela é inevitável.

A última conquista nos pede para não ser derrotado, para vencer a Protagonista mesmo nos momentos mais overpower dela. Lutar contra o próprio destino e tarefa de ser um boss, e vencê-la.

Entenda, o que me pegou nesse jogo não foi apenas o fato de morrermos, mas como nós morremos. Nós entregamos tudo, damos nosso melhor, e é essa a beleza de ser derrotado por alguém tão, mas tão forte, que nos transforma em um marco.

É difícil, mas tudo que vale a pena na vida é difícil. E agora não estou falando apenas do jogo, mas também da própria vida. A beleza está não apenas na jornada, mas também no final dela. Quando conquistamos todo o caminho, isso sim é belo. No jogo, se recusar a ir ao final estraga a experiência e todo o sentido do caminho.

A Rainha Sombria de Mortholme não conta apenas a história da Rainha, como também, a nossa. Talvez você esteja em algum momento assim, onde há de mudar, mas não quer, ou não consegue. Talvez esteja querendo colocar sua marca no mundo, ser inesquecível, com medo de ser superado.

É neste momento que estou na vida, mas, para ser sincero, acho que sempre estive nesse momento. Vendo os amigos e familiares conquistando tudo, e eu, aqui, parecendo que sou Imutável, sem caminho para ir, assim como a Rainha. Se você se sente como eu, relaxe, assim como no jogo, sei que tudo dará certo no final. A Rainha será para sempre lembrada. Imortal. É só abrir o jogo e veremos ela. Esse meu texto estará para sempre no mundo, na internet, esperando alguém para ler. E você, que chegou até aqui, obrigado por tudo.

Nós nunca seremos esquecidos.

Plataformas disponíveis e Requisitos

The Dark Queen of Mortholme está disponível apenas para computador, podendo ser adquirido na Steam, GOG e no Itch.Io. Ainda tem muito do jogo que eu não falei. Tente jogar, quem sabe você se divirta também.

Sobre os requisitos, o jogo é extremamente leve:

Requisitos mínimos:

• Sistema Operacional: Windows XP, Vista, 7, 8, 10, and 11

• MEMÓRIA: 2 GB de RAM

• PLACA DE VÍDEO: 128 MB

• ARMAZENAMENTO: 200 MB de espaço disponível

E aí, você já jogou ou pretende dar uma chance ao game? Comenta aí no Substack!

Além disso, o jogo aposta em uma estética inspirada nos animes dos anos 1980, com cenas feitas à mão pelo Studio Massket, garantindo um visual único para toda a experiência. Em uma época em que somos constantemente bombardeados por produtos criados com inteligência artificial, existe algo especialmente bonito em encontrar uma obra que valoriza tanto o trabalho artesanal.

E isso não está apenas nas cutscenes. O visual bidimensional inspirado nos animes clássicos foi aplicado a um mundo tridimensional e funciona de maneira impressionante durante todo o gameplay.

Com isso, Orbitals não precisa de renders hiper-realistas para ser bonito: sua identidade visual é justamente o que faz cada cenário parecer especial, o que garante uma experiência única com o multiplayer local ou online em tela dividida.

Ficha Técnica

• Jogo: Orbitals

• Lançamento: 03/09/2026

• Desenvolvedora: Shapefarm / Kepler Interactive

• Onde jogar: Nintendo Switch 2

• Plataforma de teste: Nintendo Switch 2

• Preço: A partir de R$ 169

Na análise de hoje, conheça um dos jogos mais bonitinhos de 2026, que infelizmente chega como exclusivo de Switch 2 — pois é tão bom que mereceria estar em todas as plataformas logo de cara. A review foi produzida com uma chave cedida pela Kepler Interactive.

O velho e o novo se encontram no meio da tormenta

Depois que sua estação espacial é despedaçada por uma tormenta cósmica, Maki e Omura precisam explorar o espaço em busca de recursos para proteger o que restou de seu lar e de sua família: uma tripulação de idosos fofinhos tentando sobreviver em uma órbita sobrenatural. Ao lado de seu parceiro, em um gameplay de tela dividida, você visita lugares que um dia foram habitados e conhece os vestígios de uma civilização fantasma.

A relação entre os protagonistas jovens e a tripulação mais velha é um dos pontos que mais cativam na narrativa. Maki e Omura representam a curiosidade diante do desconhecido, enquanto os personagens mais velhos carregam consigo experiências, perdas e receios que tornam a exploração do espaço muito mais complicada do que simplesmente descobrir novos lugares.

Conforme a dupla conhece diferentes formas de vida e encontra novas realidades, Orbitals constrói um contraste interessante entre aquilo que já conhecemos e aquilo que ainda estamos tentando compreender. Para a família que ficou para trás, a tormenta representa derrota, vergonha e medo. Para os protagonistas, o mesmo desconhecido também pode significar a possibilidade de um futuro diferente.

A história não transforma isso em um discurso simplista sobre oportunidades ou meritocracia. O foco está muito mais na resistência diante do que não podemos controlar e, principalmente, na capacidade de deixar algumas coisas para trás.

O jogo toca em temas como a fragilidade da vida, o envelhecimento, o medo do desconhecido e a dificuldade de lidar com a perda. É uma narrativa que consegue falar sobre luto sem transformar o assunto em um grande drama. Em vez disso, Orbitals encontra esperança justamente naquilo que ainda não conhecemos.

Se você já jogou It Takes Two, sabe o que esperar

Em termos de gameplay, Orbitals está bastante próximo da fórmula popularizada por jogos como It Takes Two e Split Fiction. Aqui, jogar acompanhado não é apenas uma possibilidade: a cooperação é essencial para avançar e zerar o jogo, que durou cerca de sete horas na jogatina por aqui — isso sem contar os minigames opcionais liberados na nave.

Os desafios da campanha se dividem entre pequenos quebra-cabeças, segmentos de plataforma e confrontos a bordo da pequena nave dos protagonistas. Em determinados momentos, um jogador fica responsável por pilotar enquanto o outro cuida dos disparos. Em outros, cada personagem precisa utilizar suas próprias ferramentas para liberar o caminho.

E sim, trabalhar em equipe é obrigatório, mas tudo dentro dos seus termos. Aquela fase aparentemente simples que começa a consumir sua paciência rapidamente fica bem mais divertida quando você percebe que depende do seu parceiro para continuar.

Além disso, praticamente todas as fases permitem que você escolha qual equipamento ou função quer desempenhar, dando mais liberdade para a dupla. Só não vale terminar a sessão brigado — afinal, a tormenta cósmica já está causando problemas suficientes.

Minha maior dificuldade ficou justamente nas plataformas, que exigem um pouco mais de precisão do que eu gostaria para uma tela recheada de elementos. Ainda assim, os desafios são variados e o jogo apresenta novas ferramentas e situações ao longo da aventura, evitando que a experiência fique presa em uma única fórmula ou se torne cansativa.

Uma aventura que termina antes de cansar

Para quem gosta bastante de quebra-cabeças, é possível terminar Orbitals desejando que a aventura tivesse algumas horas a mais. Por outro lado, existe um mérito justamente em saber quando parar.

A experiência funciona quase como uma minissérie que você consegue maratonar em um final de semana. O jogo apresenta suas ideias, desenvolve sua história e chega ao fim sem transformar a aventura em uma jornada interminável.

Não há uma revolução na fórmula cooperativa que coloque Orbitals muito à frente dos trabalhos da Hazelight Studios. A diferença está principalmente na maneira como essas mecânicas são apresentadas: o grande trunfo aqui é a combinação entre gameplay cooperativo, direção de arte e narrativa.

Um anime dos anos 1980 ganhou vida em 3D

Enquanto o gameplay em tela dividida funciona muito bem, existe outro fator que merece atenção máxima no jogo. Se existe um elemento capaz de fazer Orbitals se destacar imediatamente, é sua direção de arte.

O visual inspirado nos animes dos anos 1980 combina perfeitamente com a proposta espacial e sobrenatural. As cenas produzidas à mão pelo Studio Massket dão personalidade aos personagens e aos acontecimentos, enquanto os cenários tridimensionais conseguem manter a sensação de estar assistindo a uma animação clássica do Studio Ghibli.

É uma escolha estética que poderia facilmente ser apenas um exercício de nostalgia, mas Orbitals vai além disso. O estilo visual conversa diretamente com os temas da história: passado e futuro, tradição e novidade, aquilo que deixamos para trás e aquilo que ainda estamos tentando descobrir.

Mesmo quando você já sabe que está olhando para um game, existe algo muito gostoso na sensação de estar acompanhando um “anime jogável”. E isso fica ainda melhor quando você repara em cada detalhe do projeto, desde os bichinhos escondidos até pequenas referências de animações famosas durante momentos aleatórios do gameplay.

A trilha sonora não sai da cabeça

A ambientação sonora segue o mesmo caminho dos visuais e abraça completamente a estética retrô. A trilha sonora original combina com os momentos de exploração e com as situações mais emocionais, enquanto os efeitos sonoros ajudam a construir a sensação de estar viajando por esse espaço estranho e desconhecido.

Mas o maior elogio que posso fazer é simples: a música ficou na cabeça por dias. E quando uma trilha sonora consegue escapar da tela e continuar sendo cantarolada pela casa depois que você desligou o console, alguma coisa deu certo.

Outro ponto bastante positivo é a dublagem completa em português brasileiro. Em uma aventura tão focada nos personagens e na narrativa, ouvir tudo em nosso idioma ajuda a deixar a experiência mais natural e também reforça a sensação de acompanhar uma animação.

Cooperação sem barreiras no Switch 2

Por fim, vale destacar que Orbitals foi pensado para dois jogadores e oferece diferentes maneiras de compartilhar a aventura. É possível jogar no mesmo console em tela dividida, como fizemos por aqui, ou aproveitar os recursos online do Nintendo Switch 2, incluindo o GameShare e o Passe de Amigo Global.

Essa flexibilidade combina bastante com a proposta do jogo, permitindo que duas pessoas joguem apenas com uma cópia. Você pode transformar a aventura em um programa de fim de semana com alguém próximo, jogar online com um parceiro que esteja longe ou dividir o gameplay por vários dias em pequenas sessões — tal qual assistir a um anime.

Entretanto, a experiência funciona melhor quando existe comunicação entre os dois jogadores. Afinal, boa parte da graça está justamente naquele momento em que você precisa confiar que a outra pessoa vai apertar o botão certo — ou pelo menos tentar.

No entanto, independente de como você jogar, o título já garante um lugarzinho especial no panteão de jogos cooperativos da atualidade. Uma pena que o título é exclusivo do Switch 2, pois seria ótimo dividir essa experiência com ainda mais jogadores em outras plataformas.

Vale a pena jogar Orbitals?

Em termos de preço, Orbitals chega ao Nintendo Switch 2 por R$ 169, um valor abaixo do que estamos acostumados a encontrar em muitos lançamentos do console. Para a quantidade de horas oferecida, talvez eu ainda desejasse uma aventura um pouco mais longa, especialmente porque os quebra-cabeças deixam vontade de continuar.

Mas existe um detalhe importante: essa é uma experiência para duas pessoas. Quando o preço é dividido com seu parceiro de jogo, a conta fica mais interessante, e é difícil negar o charme de passar algumas horas explorando esse universo juntos.

Além disso, existem minigames e segredos escondidos durante a exploração que podem ajudar a estender esse gameplay com desafios bem divertidos. Logo, se a grana está curta agora, certamente o jogo pode ser uma pedida excelente durante uma promoção.

Com seu jeitinho único, Orbitals não tenta reinventar o gênero cooperativo. Ele pega uma fórmula que já conhecemos e encontra sua própria identidade por meio da direção de arte, da ambientação e de uma narrativa que trata de temas bastante humanos.

É um jogo sobre explorar o desconhecido, mas também sobre entender que nem tudo pode ser salvo e que seguir em frente, às vezes, significa aceitar aquilo que precisamos deixar para trás. Tudo isso embalado por uma estética de anime retrô, músicas que grudam na cabeça e uma aventura que sabe terminar antes de transformar a diversão em obrigação.

Para quem gosta de experiências cooperativas, especialmente fãs de It Takes Two e Split Fiction, Orbitals merece atenção. E, para quem procura um jogo que demonstre que tecnologia de ponta não é a única maneira de criar algo visualmente marcante, ele também funciona como um belo lembrete: às vezes, o que torna uma obra especial é justamente o toque humano por trás dela.

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O Jornal dos Jogos teve a oportunidade de participar de duas sessões do teste de rede de The Duskbloods e, apesar do tempo limitado, a primeira impressão foi bastante positiva. Ao mesmo tempo, ficou claro que o jogo não parece ter sido feito para qualquer jogador.

A quantidade de sistemas, regras, objetivos e possibilidades durante as partidas pode assustar inicialmente, mas também cria uma experiência peculiar que tem tudo para agradar quem gosta de descobrir as particularidades dos jogos da FromSoftware.

Uma estética gótica cheia de personalidade

Antes mesmo de entrar nos detalhes da jogabilidade, The Duskbloods chama atenção pela sua direção de arte. O jogo aposta em uma estética gótica com forte temática de vampirismo, mas não se limita a reproduzir o visual sombrio que a FromSoftware já apresentou em outras oportunidades.

O mapa de Lowanro City, única região disponível no teste, mistura ruas sujas, construções vitorianas, uma enorme catedral, pântanos cobertos por névoa, esgotos venenosos, telhados e uma grande ponte que atravessa a cidade. Conforme as fases avançam, a região também vai ficando progressivamente mais sombria, reforçando a sensação de estar diante de uma cidade que poderia muito bem ter saído de um pesadelo.

Ao mesmo tempo, os personagens são talvez o elemento mais curioso desse universo. Os chamados Consangre (Bloodsworn) possuem visuais completamente diferentes entre si, indo de figuras mais tradicionais a personagens que parecem ter saído de um sonho febril. É difícil olhar para Zork, por exemplo, um guerreiro com uma enorme armadura e uma espécie de traje de mergulho equipado com propulsor, e não ficar curioso para descobrir que diabos está acontecendo naquele mundo.

E essa personalidade também aparece nos inimigos e nas criaturas espalhadas pelo mapa. Existe uma familiaridade com o trabalho anterior da FromSoftware, mas The Duskbloods consegue construir uma identidade própria.

O Switch 2 dá conta do recado

A experiência técnica também foi uma surpresa positiva. Durante as duas sessões do teste de rede, foi possível jogar sem ficar pensando constantemente na plataforma em que o título estava rodando — o que, para um jogo com mapas grandes, muitos personagens e batalhas caóticas, é um ótimo sinal.

The Duskbloods mira os 60 fps no Switch 2, embora a taxa não seja completamente estável. Em momentos com muitos jogadores, inimigos e efeitos na tela, algumas quedas de desempenho podem aparecer. Ainda assim, elas não chegaram a comprometer a experiência durante o teste.

É uma demonstração interessante do que o novo console da Nintendo consegue fazer. Visualmente, o jogo apresenta uma qualidade bastante próxima do que se espera de uma produção recente da FromSoftware, enquanto mantém uma experiência suficientemente fluida para que o desempenho não seja uma preocupação constante.

Uma evolução bastante peculiar do combate da FromSoftware

Quem já jogou Dark Souls, Bloodborne ou Elden Ring vai reconhecer rapidamente a base de The Duskbloods. O combate ainda envolve gerenciamento de espaço, esquivas, bloqueios, ataques precisos e leitura dos movimentos dos adversários. Só que a FromSoftware decidiu acelerar bastante as coisas.

A movimentação é muito mais vertical e dinâmica, com corrida infinita, saltos carregados, quatro saltos consecutivos e até um air dash. Isso permite atravessar o mapa rapidamente, subir prédios, alcançar telhados e mudar de posição no meio de um confronto.

Armas de fogo e ataques à distância também fazem parte da equação, enquanto cada Consangres possui habilidades próprias que alteram completamente a maneira de jogar. O resultado é algo que, em determinados momentos, se aproxima mais de um character action game do que da experiência tradicional de um Souls.

O sistema de combate ainda possui bloqueio e parry, sendo que um bloqueio realizado no momento certo pode abrir espaço para contra-ataques. Também existe um uivo capaz de atordoar inimigos durante a janela de parry.

Quando um adversário fica vulnerável, é possível morder seu pescoço para causar bastante dano e recuperar vida. Contra inimigos mais fracos, essa mordida ainda pode transformá-los em aliados temporários. Ou seja, existe bastante coisa acontecendo ao mesmo tempo, o que deixa tudo bem dinâmico.

Seis Consangres para experimentar

O teste de rede disponibilizou seis Consangres, e a FromSoftware já confirmou que a versão completa terá pelo menos uma dúzia de personagens. Cada um possui armas, habilidades, atributos e formas diferentes de contribuir durante uma partida.

• Albert: é o personagem mais equilibrado e funciona como uma espécie de porta de entrada para o sistema. Usa uma espada e uma submetralhadora, combinando ataques corpo a corpo e à distância. Sua habilidade Blood Blade dispara uma lâmina feita de sangue.

• Bloodhound Jan: aposta em uma grande machado e poderes de fogo. Seus ataques são mais pesados, mas ele consegue recuperar vida ao acertar golpes fortes. Também possui habilidades que aumentam sua velocidade de esquiva e permitem espalhar ataques de sangue pela área.

• Trang Lanh: é a personagem mais ágil do grupo. Usa uma lâmina circular que pode ser arremessada e consegue ficar invisível por um período limitado. Ao alcançar o nível 12, passa a invocar uma gigantesca serpente para causar dano e empurrar inimigos.

• Sniper Layla: combina duas lâminas com um rifle de longo alcance. A personagem funciona quase como uma mistura de Soulslike com jogo de tiro em terceira pessoa e ainda consegue sacar uma enorme metralhadora Gatling do próprio corpo.

• Senator Samir Patres: utiliza uma espada fina e um anel mágico capaz de invocar um pássaro espectral. Seu repertório fica ainda mais absurdo quando ele pode se transformar em um dinossauro carnívoro para atacar os adversários.

• Zork: o grandalhão do grupo. Seu traje de mergulho possui um propulsor que permite voar rapidamente contra os inimigos e um canhão capaz de disparar mísseis. É provavelmente um dos personagens menos acessíveis no começo, mas também pode ser extremamente poderoso nas mãos certas.

Essa variedade é importante porque The Duskbloods não parece querer que todos joguem da mesma maneira. Aprender o funcionamento de cada Consangre será essencial, especialmente quando o confronto contra outros jogadores começar.

Um battle royale com regras bem diferentes

Quando você escolhe seu personagem e vai pra batalha, é aqui que The Duskbloods fica realmente interessante — e também mais complicado. As partidas reúnem oito jogadores, que precisam acumular pontos de Virtude para sobreviver às diferentes fases da partida. Uma partida completa dura aproximadamente 30 minutos e é dividida em três grandes fases de cerca de oito minutos cada.

Todo mundo passa pela primeira fase. Depois, os dois jogadores com pior desempenho são eliminados ao final da segunda. Na terceira, outros três ficam pelo caminho. Os três sobreviventes seguem para o confronto final, chamado Moon Blood Bestowal, uma batalha PvP em uma arena fechada.

Ou seja, você explora o mapa, realiza batalhas e sobrevive sem precisar fugir de uma zona da morte, mas acumulando pontos que te deixam vivo no final da contagem. E a grande sacada é que matar os outros jogadores não é necessariamente a melhor maneira de vencer.

Durante as fases, existem diversas maneiras de conquistar Virtue:

• Bloodfang Virtue: obtida ao derrotar inimigos controlados pelo computador.

• Collector Virtue: conquistada ao coletar itens espalhados pelo mapa.

• Flame Virtue: obtida ao encontrar brasas especiais que aparecem em regiões determinadas aleatoriamente.

• Repulsion Virtue: recebida ao derrotar os poderosos Trespassers espalhados pelo mapa.

• Pledge Virtue: conquistada ao capturar pontos durante os eventos de Ritual.

• Sword Virtue: obtida ao derrotar outros jogadores dentro das áreas de Ritual.

• Sigils: objetivos especiais ligados a cada Consangre que oferecem uma maneira adicional de conquistar Virtue.

Essa variedade transforma a partida em uma espécie de corrida pelo melhor desempenho, e não simplesmente em um mata-mata.

Quando o PvP finalmente aparece, o caos começa

Os momentos mais tensos acontecem durante os Rituais. Na segunda metade das fases II e III, uma região do mapa é marcada como Local de Ritual e passa a ter vários pontos de captura.

Para conquistar um ponto, é preciso permanecer pressionando o botão durante alguns segundos. O problema é que você fica completamente vulnerável enquanto faz isso. Outro jogador pode aparecer, derrotá-lo e tomar o ponto para si, roubando também os pontos de Virtude.

É aí que The Duskbloods deixa de ser uma experiência de exploração e começa a parecer um battle royale propriamente dito. Você pode simplesmente continuar explorando, derrotando inimigos e coletando recursos, ou pode entrar na zona de Ritual, arriscar tudo em um confronto contra outros jogadores e tentar disparar no ranking.

E como morrer não significa ser eliminado imediatamente, existe espaço para experimentar e correr riscos. Assim, dá pra calcular os riscos e ver qual a melhor forma de seguir vivo até o final.

O jogo também possui eventos aleatórios capazes de alterar completamente o ritmo da partida. Em um deles, por exemplo, um dirigível aparece no céu e permite solicitar ataques aéreos que destroem tudo dentro de determinada área — inclusive quem chamou o ataque. Em outro, os jogadores precisam correr até o topo de uma construção para tocar um sino antes dos demais. São pequenas situações que fazem cada partida parecer diferente.

Um mundo que pede para ser explorado

Um dos elementos mais interessantes do teste foi perceber o quanto existe para descobrir no mapa. Lowanro City é dividida em regiões bastante diferentes, e cada uma pode oferecer vantagens específicas durante determinada fase. Há áreas com recursos especiais, locais que oferecem bônus para armas, regiões que aumentam a experiência dos Kin e pontos estratégicos que podem ser fundamentais dependendo dos objetivos daquele momento.

Os Vassalos também são importantes nesse processo. São companheiros NPC que podem ser encontrados pelo mapa e convocados para acompanhar o jogador durante a partida. Alguns são focados em combate, enquanto outros oferecem suporte, e eles também evoluem independentemente.

Tudo isso ajuda a criar uma espécie de construção de personagem temporária dentro de cada partida. Você começa relativamente fraco e vai ficando mais poderoso conforme derrota inimigos, ganha experiência e encontra recursos.

Cada Consangre ainda desbloqueia uma nova habilidade especial ao chegar ao nível 12, o que muda bastante suas possibilidades. Trang Lanh, por exemplo, começa com sua capacidade de ficar invisível, mas posteriormente ganha a possibilidade de invocar uma enorme serpente. Já o Senador pode simplesmente virar um dinossauro.

Exploração, PvP e cooperação no mesmo lugar

Apesar de todo o foco no multiplayer competitivo, The Duskbloods não transforma os outros sete jogadores em inimigos obrigatórios. Durante a exploração, é possível encontrar Invasores, inimigos extremamente poderosos que podem consumir bastante tempo para serem derrotados.

Nesse momento, jogadores podem se unir temporariamente para enfrentar a ameaça, e todos os participantes recebem Virtue caso o grupo consiga vencer. Também existe a possibilidade de jogar em duplas, com dois jogadores compartilhando os pontos de Virtude e avançando juntos para um confronto final entre as duas melhores equipes.

Essa liberdade torna o ritmo das partidas bem interessante. Em determinado momento, você pode estar sozinho explorando uma área, depois encontrar outro jogador e decidir cooperar contra um inimigo poderoso. Minutos depois, acaba lutando contra essa mesma pessoa em um Ritual.

Liberdade também pode gerar frustração

Essa estrutura é bastante divertida, mas também pode ser uma das principais fontes de frustração de The Duskbloods. Como os jogadores têm liberdade para escolher seus próprios caminhos e objetivos, nada impede que alguém mais agressivo decida caçar outros Bloodsworn logo no começo da partida.

Isso pode acabar prejudicando quem prefere explorar o mapa, evoluir seu personagem ou simplesmente esperar pelos momentos certos para entrar em combate. Além disso, a tradicional dificuldade da FromSoftware continua presente.

É preciso entender as habilidades dos personagens, aprender a movimentação, saber quando atacar e reconhecer o que cada adversário é capaz de fazer. O problema é que tudo isso acontece enquanto sete outras pessoas estão correndo pelo mapa.

Uma primeira impressão bastante positiva

The Duskbloods é uma experiência difícil de definir, e talvez esse seja justamente seu maior charme. A FromSoftware pegou a base de seus Soulslikes, adicionou movimentação extremamente vertical, armas de fogo, habilidades especiais, exploração, PvE, PvP, cooperação, progressão durante as partidas e uma estrutura inspirada em jogos de tabuleiro e RPGs de mesa.

O resultado é complexo, mas não necessariamente confuso depois que suas regras começam a fazer sentido. Minha primeira impressão depois do teste de rede é bastante positiva. Mesmo carregando características reconhecíveis da FromSoftware, The Duskbloods parece interessado em fazer algo diferente, e a combinação de sistemas cria momentos que dificilmente seriam possíveis em um Dark Souls ou Bloodborne tradicional.

Ainda fica a dúvida sobre o quanto desse universo será explorado fora das partidas. A FromSoftware já mencionou recursos de progressão, personalização e conteúdo de história no hub chamado Casa Noturnal, mas ainda não revelou todos os detalhes. No entanto, seria um desperdício não aproveitar um mundo tão peculiar em algum tipo de experiência narrativa mais robusta.

De qualquer forma, se a proposta continuar sendo essencialmente multiplayer, ela tem potencial para encontrar seu público — principalmente se o preço for convidativo. The Duskbloods claramente não parece ter sido feito para quem procura uma experiência simples ou imediatamente acessível.

Ainda assim, para quem gosta de descobrir sistemas, dominar personagens e mergulhar em mundos estranhos e cheios de segredos, a nova aposta da FromSoftware pode ser uma das experiências mais curiosas do Switch 2.

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A prévia liberada aos jogadores coloca na mesa uma missão da campanha e uma seleção de conteúdos do multiplayer, permitindo ter uma primeira impressão de duas das principais pernas da experiência. E, pelo que foi possível conferir, Modern Warfare 4 não parece interessado em reinventar a roda. Em vez disso, a aposta está em fazer com que ela gire cada vez melhor, fazendo com que os jogadores esqueçam do gosto amargo deixado pelo último título da série.

Uma campanha que parece ter aprendido com os erros do passado

A missão de campanha disponível no Beta coloca o jogador em meio à guerra moderna na Coreia e já deixa claro que a Infinity Ward quer uma abordagem mais próxima do chão. Depois de um Black Ops 7 que não teve exatamente medo de viajar na maionese com sua narrativa, Modern Warfare 4 parece fazer o caminho contrário.

A história apresentada até aqui é mais pé no chão e aposta em situações que parecem plausíveis dentro da proposta de uma franquia de guerra. As atuações também ajudam bastante, com personagens que conseguem transmitir a tensão das situações sem transformar cada cena em uma novela militar.

O mais interessante, porém, é a variedade do gameplay. A missão testada alterna entre tiroteios, momentos envolvendo tanques e combates em trincheiras, antes de colocar o jogador em uma sequência de movimentação que parece saída de um Dying Light, com parkour e travessias mais verticais.

Essa variedade faz a campanha parecer mais próxima do que vimos recentemente em Battlefield 6: uma experiência que quer entregar espetáculo, mas sem esquecer que ainda estamos falando de um jogo de tiro, e não zumbis. É cedo para dizer se isso vai se sustentar durante toda a campanha, mas pelo menos a primeira amostra mostra uma direção bem mais consistente.

O multiplayer de Modern Warfare 4 não quer reinventar a fórmula

Se existe uma palavra que resume o multiplayer de Modern Warfare 4, ela é consistência. A estrutura continua bastante familiar para quem acompanha Call of Duty, com partidas rápidas, movimentação ágil e aquele ciclo perigosamente viciante de “só mais uma partida” que já fez muita gente perder algumas horas de sono.

A Infinity Ward, porém, fez algumas mudanças interessantes no funcionamento desse combate. A movimentação foi refinada para permitir que ações diferentes sejam encadeadas com mais naturalidade. É possível, por exemplo, saltar um obstáculo e imediatamente deslizar, preservar o impulso durante a travessia e até usar movimentos mais baixos para continuar avançando sob cobertura.

Na prática, isso deixa o deslocamento mais fluido sem transformar o jogador em uma gazela militar voadora. O resultado continua sendo o Call of Duty rápido que os fãs conhecem, mas com transições mais naturais e maior controle durante movimentos como saltos, escaladas e deslizes.

O tiroteio também recebeu uma atenção especial. A dispersão aleatória dos disparos livres foi removida, fazendo com que os tiros sigam de maneira mais direta para onde a arma está apontada. Recuo, oscilação e movimentação continuam interferindo na precisão, mas a intenção é tornar o resultado mais dependente da habilidade do jogador do que de uma aleatoriedade escondida.

É uma mudança que pode parecer pequena no papel, mas ajuda a reforçar aquela sensação importante em um jogo competitivo: quando você erra, sabe que errou porque fez alguma coisa errada.

O sistema de classes está mais limpo

Talvez a mudança mais agradável do multiplayer esteja no sistema de criação de classes. Modern Warfare 4 mantém uma quantidade enorme de possibilidades de personalização, mas apresenta tudo de maneira mais organizada.

Operadores e Séries de Baixas agora ficam integrados diretamente aos armamentos, permitindo montar classes pensando em funções específicas. As Vantagens também retornam em uma estrutura mais simples, com a escolha de três opções, enquanto ferramentas como o Artilheiro podem ajudar jogadores menos experientes a encontrar configurações eficientes sem precisar passar meia hora encarando menus.

Isso é particularmente interessante porque Call of Duty já acumulou tantas armas, acessórios, vantagens e equipamentos ao longo dos anos que montar uma classe pode facilmente parecer mais trabalhoso do que a própria partida. Aqui, a ideia parece ser manter a profundidade sem transformar a personalização em um curso técnico.

E profundidade não parece faltar. A versão completa terá 33 armas, mais de 500 acessórios convencionais, Superacessórios, equipamentos táticos e letais, Melhorias de Campo, Vantagens e Séries de Baixas. No Beta, uma parte desse arsenal já está disponível para experimentar.

Mapas variados e um modo que muda durante a partida

Os mapas disponíveis no Beta também ajudam a manter a experiência variada. Os seis cenários principais liberados passam por ambientes como um terminal ferroviário francês, uma refinaria de lítio no México, um vilarejo de pescadores na Coreia, telhados cobertos de neve em Nova York e áreas urbanas da Índia.

Essa variedade não está apenas no visual. Cada mapa apresenta rotas, coberturas e possibilidades de movimentação diferentes, ajudando a evitar aquela sensação de que você está jogando a mesma partida em seis lugares diferentes.

O destaque fica para o Kill Block, uma espécie de campo de treinamento modular que se reorganiza entre as rodadas. As áreas podem assumir diferentes configurações, alterando linhas de visão, rotas e posições de cobertura.

É uma ideia interessante justamente porque mexe com uma das coisas mais importantes de um mapa competitivo: o conhecimento do terreno. Decorar cada esquina continua sendo útil, mas o jogo pode exigir que você repense sua estratégia quando o cenário muda.

Modern Warfare 4 parece ter encontrado seu lugar

Depois de alguns anos em que Call of Duty tentou encontrar diferentes caminhos para manter a fórmula interessante, Modern Warfare 4 passa uma impressão curiosa: talvez a franquia tenha finalmente chegado ao ponto em que não precisa mais se esforçar tanto para provar que consegue inovar.

Pelo que deu pra jogar no primeiro beta, o gameparece redondo. A campanha entrega uma primeira impressão mais consistente, enquanto o multiplayer mantém aquilo que tornou a franquia tão popular e adiciona refinamentos que deixam a experiência mais fluida e organizada.

Isso não significa que Modern Warfare 4 seja necessariamente revolucionário. Pelo contrário, talvez seu maior problema seja justamente esse. Call of Duty já percorreu tantos caminhos que começa a ficar difícil imaginar para onde a série pode ir sem mexer profundamente em sua estrutura.

Por enquanto, porém, parece que isso não é um problema. Se você é daqueles que paga o dízimo anual da franquia, Modern Warfare 4 tem motivos suficientes para entrar no radar e parece capaz de entregar uma campanha interessante junto de um multiplayer que continua perigosamente viciante.

No entanto, com preços entre R$ 300 e R$ 463,90 no PC, fica a dúvida se não está na hora de recategorizar o game para alcançar mais jogadores. Afinal, com a saída do Game Pass, fica difícil para os soldados de primeira viagem entrarem no gameplay viciante do jogo.

Para quem segue mais cético, a melhor opção é não correr para a pré-venda. O segundo fim de semana do Beta será aberto para todos os jogadores a partir de 28 de agosto, sem necessidade de reserva ou código. É a oportunidade perfeita para descobrir se as melhorias são suficientes para conquistar você.

Porque, depois deste primeiro contato, a sensação que fica é justamente essa: Call of Duty pode ter encontrado a consistência que precisava para se tornar um jogo perene, daqueles que não precisam reinventar tudo a cada lançamento. Resta descobrir se, no futuro, essa segurança vai continuar sendo uma qualidade ou se vai acabar se transformando no maior problema da franquia.

Feito por apenas um desenvolvedor, o Replicant D6, o jogo originalmente iria sair em 2022. Porém, devido às dificuldades de um desenvolvedor solo, o lançamento foi adiado por mais de cinco anos e meio. Mesmo assim, com inúmeras demonstrações lançadas ao longo do desenvolvimento, o jogo continuou vivo na mente do público.

A seguir, confira a review completo do jogo e veja se a espera realmente valeu a pena.

Ficha Técnica

• Jogo: Agent 64: Spies Never Die

• Lançamento: 11/08/2026

• Onde Jogar: PC

• Plataforma de Teste: PC

• Preço: R$ 73,91( R$ 65,77 em promoção de período de lançamento)

Uma Fórmula Nostálgica, porém com algumas novidades

Desenvolvido por apenas uma pessoa, Agent 64 tem como proposta prestar homenagem aos FPS do Nintendo 64, como GoldenEye e Perfect Dark, ambos desenvolvidos pela Rare (hoje pertencente à Microsoft).

O jogo apresenta uma gameplay bastante similar à dos títulos mencionados. O jogador começa cada fase com uma arma, silenciada ou não, e uma grande quantidade de balas.

No quesito controles, quem está mais acostumado com os FPS modernos ou com os Boomer Shooters pode estranhar um pouco. Aqui, é bastante recomendado depender da mira automática, já que o jogo não possui um retículo no meio da tela. Quando ele aparece, é apenas no modo de mira mais precisa, que exige uma mão firme no analógico por ser incrivelmente escorregadia.

Apesar disso, a gameplay é fácil de se acostumar. As fases possuem múltiplos objetivos que, assim como em GoldenEye e Perfect Dark, variam em dificuldade com base no nível escolhido. Porém, é preciso escolher com cuidado. Se começar o jogo na dificuldade fácil ou normal, não será possível alterá-la posteriormente para normal ou difícil, respectivamente.

E, por falar em objetivos, Agent 64 evita uma das coisas mais irritantes a respeito desses dois jogos. Aqui, não é possível terminar a fase sem concluir os objetivos. No papel, a possibilidade de sair da fase antes de cumprir tudo parece uma boa ideia, mas isso rapidamente se torna irritante nos títulos originais, já que sair antes de concluir os objetivos fazia o jogador fracassar na missão.

O jogo busca ser bastante acessível para quem não possui experiência anterior com títulos desse tipo: os objetivos são claros e os controles são responsivos e fáceis de compreender. Isso é auxiliado por um bom level design, que faz um ótimo trabalho ao diferenciar os ambientes e tornar cada fase mais fácil de entender.

Diversão Solo ou com os amigos

Agent 64 é dividido entre os modos história e multiplayer. O modo História pode ser jogado tanto solo quanto em cooperação. Na trama, somos colocados no papel do agente John Walter, que é forçado a sair da aposentadoria por seu antigo inimigo, Dominic Pulp. Agora, ele precisa juntar forças com sua filha, Dana, para impedir os planos do vilão e salvar o mundo.

A narrativa, apesar de básica, é interessante o suficiente para manter o jogador interessado. Ela traz algumas reviravoltas um tanto quanto previsíveis, mas se sustenta bastante pela pegada de espionagem e por alguns diálogos bem-humorados que fazem referências a outros jogos. Mesmo sem falas dubladas, como em GoldenEye, os diálogos conseguem entregar momentos divertidos.

A trama é estruturada em quatro atos, que são desbloqueados por meio dos Cyphers, itens obtidos ao completar as fases em diferentes dificuldades. Isso obriga o jogador a rejogar fases anteriores em múltiplos níveis de dificuldade para conseguir progredir.

À primeira vista, isso não chega a ser um incômodo. Porém, com o passar do jogo, fica a impressão de que essa foi uma maneira de estender artificialmente a duração da campanha.

Além da história em si, o jogo conta com desafios que podem ser cumpridos ao longo das fases, como destruir máscaras, ou objetivos mais específicos, como chegar até o final da fase antes que o tempo acabe, podendo eliminar os inimigos apenas na base do tapa.

Os desafios desbloqueiam Cheats que podem ser usados no Paradox Mode, uma versão alternativa do modo história em que é possível utilizar múltiplos Cheats. Entre eles, está o modo de cabeça grande presente em GoldenEye, além de balas lentas e outras opções.

Além dos modos single player, temos o modo multiplayer Arena, que pode ser jogado tanto em multiplayer local, com um amigo ao seu lado ou pelo Remote Play Together da Steam, quanto em partidas online.

O modo é dividido em partidas Deathmatch, Zone, em que é necessário defender um ponto, e Briefcase, no qual o jogador deve permanecer com a maleta pelo maior tempo possível.

Vale ressaltar que o modo coop da campanha também pode ser jogado tanto localmente quanto online, com até quatro jogadores.

Visuais e sons nostálgicos

Visualmente falando, Agent 64 é uma perfeita homenagem aos clássicos do Nintendo 64, mas também traz alguns toques modernos. Aqui, temos personagens com rostos chapados e corpos quadriculados, que evocam aquele sentimento de nostalgia.

O jogo, além disso, é cheio de referências visuais. Um exemplo é o console Nintendo 64 presente na mesa do protagonista, enquanto a própria arma utilizada por ele possui uma grande semelhança com a arma de Joanna Dark, protagonista de Perfect Dark.

No quesito performance, a experiência depende de como você está jogando. Se jogar com o anticheat ligado, o título apresenta muitos stutterings, principalmente no modo história.

Por isso, se a intenção for jogar somente a campanha, é recomendável jogar offline com o anticheat desligado.

Já na parte sonora, o jogo acerta em cheio ao reviver os sons de GoldenEye. Seja nos efeitos das armas ou nos sons dos inimigos, a sonoplastia consegue reproduzir muito bem a atmosfera dos clássicos.

No quesito trilha sonora, o resultado é um tanto quanto misto. A trilha composta por Dario Gallizia possui algumas músicas marcantes, mas também conta com outras bastante esquecíveis.

Vale a Pena comprar Agent 64: Spies Neve Die?

Agent 64: Spies Never Die entrega uma gameplay nostálgica e fácil de aprender para novatos, um modo história que, apesar de curto, é bastante divertido, um multiplayer bacana para jogar com os amigos, visuais nostálgicos e uma trilha sonora que cumpre bem o seu papel.

O jogo é um trabalho de amor que, apesar de seus tropeços na forma como tenta estender a duração da campanha e nos problemas de performance com o anticheat ligado, consegue entregar uma experiência que conversa diretamente com os clássicos do Nintendo 64.

Para quem sente saudades dos FPS daquela época, Agent 64: Spies Never Die mostra que ainda existe espaço para esse tipo de jogo — e que algumas missões merecem ser revisitadas.

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A proposta desse simulador de fazenda com cara de anime é familiar desde os primeiros minutos: você herda as terras do avô, volta para uma ilha onde passou parte da infância e assume a missão de transformar um pedaço de terra abandonado em um novo lar.

A história não tenta reinventar a roda, mas o jogo compensa a falta de originalidade narrativa com uma apresentação visual que parece ter escapado diretamente de um anime aconchegante inspirado no Studio Ghibli. Entre plantações, animais, praias, moinhos de vento e moradores simpáticos, Starsand Island deixa claro desde o começo que sua principal intenção é oferecer um lugar confortável para passar muitas horas, e foi exatamente isso que aconteceu comigo durante o teste.

Ficha Técnica

• Jogo: Starsand Island

• Lançamento: 18/08/2026

• Onde jogar: Nintendo Switch 2, PS5, PC e Xbox

• Plataforma de teste: PC

• Preço: A partir de R$ 107,95

Se você já jogou Stardew Valley, Coral Island ou My Time at Portia, vai se sentir em casa

A estrutura básica de Starsand Island é familiar para qualquer pessoa que já tenha passado algumas dezenas de horas cuidando de uma fazenda virtual. A rotina de gameplay conta com agricultura, criação de animais, pesca, mineração, exploração, coleta de recursos e relacionamentos com os moradores.

A diferença aqui está em como essas atividades são organizadas. O jogo apresenta cinco profissões — plantação, rancho, pesca, criação e exploração — e cada uma delas possui um mentor responsável por apresentar desafios que liberam novos itens, pontos de melhoria e partes da progressão.

Cada profissão possui cinco níveis, indo de Aprendiz a Especialista, e completar suas missões faz com que a evolução da ilha esteja diretamente ligada ao domínio dessas atividades. Em vez de simplesmente entregar ao jogador um mundo aberto e esperar que ele descubra sozinho o que fazer, Starsand Island cria objetivos constantes que dão um motivo extra para experimentar sistemas que poderiam facilmente acabar esquecidos durante uma rotina de fazenda.

Logo no início, você precisa escolher uma profissão para começar sua jornada, mas minha recomendação é conversar com todos os mentores e aceitar o máximo de missões possível. Algumas tarefas demoram mais para serem concluídas ou dependem de acontecimentos que não estão sob seu controle imediato, então deixar várias delas acontecendo simultaneamente evita aquela sensação de estar trabalhando em uma única atividade enquanto todo o restante do jogo fica parado.

O mais interessante é que as profissões conversam entre si e criam uma espécie de efeito dominó, fazendo com que uma atividade ajude a desenvolver outra e incentivando o jogador a não ficar preso apenas à plantação. Isso transforma a progressão em uma rotina mais dinâmica e ajuda Starsand Island a encontrar sua própria identidade dentro de uma fórmula que já foi explorada à exaustão por outros simuladores.

Até vender suas plantações exige uma pequena viagem

Uma das decisões que mais estranhei no começo foi a ausência da tradicional caixa de venda dentro da fazenda, já que é necessário colocar os produtos na mochila e levá-los pessoalmente até uma loja para comercializar. A ideia funciona como parte do desafio e incentiva o jogador a conhecer melhor a ilha.

Por outro lado, isso também pode ser bastante irritante quando a mochila está lotada e você percebe que passou mais tempo andando de um lado para o outro do que realmente trabalhando. É justamente aí que os veículos entram em cena.

A mobilidade no game é bem trabalhada e rapidamente trouxe alguns dos meus itens favoritos, especialmente porque é possível criar skate, patins e carros, além de outros meios de transporte. A motinha, em particular, parece praticamente uma necessidade depois que a ilha começa a ficar maior, mas também transforma uma tarefa potencialmente cansativa em uma pequena diversão durante os deslocamentos.

Com a progressão das habilidades, também é possível desbloquear a tão desejada caixa de venda instantânea, reduzindo parte dessa burocracia conforme o jogador avança. É uma solução inteligente porque transforma uma limitação inicial em uma recompensa de progressão, embora eu não tenha conseguido evitar alguns momentos de impaciência antes de chegar lá.

Plantar não é simplesmente jogar sementes no chão

A agricultura possui algumas particularidades que ajudam a evitar que ela se transforme em uma sequência automática de plantar, regar e colher todos os dias. Isso acontece especialmente porque algumas culturas possuem condições específicas para serem cultivadas.

Uvas e pimentões, por exemplo, precisam de treliças fabricadas pelo jogador, enquanto as plantações possuem momentos específicos para rega e coleta que exigem um pouco mais de atenção. Assim, o jogo consegue diversificar bem essas mecânicas já tradicionais do gênero.

O rancho segue uma proposta igualmente simpática e começa com coelhinhos que rapidamente conquistam espaço no coração e na fazenda, mas os animais vão além de simplesmente produzir lã, ovos ou outros materiais. Dependendo da espécie, eles também podem ajudar a capturar insetos, eliminar ervas daninhas e coletar recursos, criando mais uma camada de utilidade para a criação de animais.

Essa integração entre os sistemas é um dos pontos mais interessantes do jogo, porque cuidar dos bichos pode ajudar na agricultura e determinados recursos podem ser importantes para outras profissões. Por outro lado, a pesca continua sendo o elo mais fraco dessa corrente para mim, mantendo aquela tradição dos simuladores de fazenda em que pescar é uma atividade que parece muito mais divertida na descrição do que na prática.

A ilha é mais interessante quando você começa a conhecer seus moradores

A narrativa de Starsand Island segue uma estrutura bastante conhecida, mas ganha um pouco mais de personalidade ao trabalhar com o retorno do protagonista à comunidade onde passou parte da infância. Você não está simplesmente chegando a uma cidade desconhecida, pois existe uma relação prévia com aquele lugar e com algumas das pessoas que vivem nele, o que ajuda a criar uma sensação de reencontro durante a jornada.

Ainda assim, não espere uma história extremamente profunda, já que a maior parte do foco está nos relacionamentos e na possibilidade de construir vínculos com os moradores. Os primeiros encontros com os personagens romanceáveis são apresentados em cutscenes que abraçam sem vergonha o estilo anime, muitas vezes com uma energia de “amor à primeira vista” que pode arrancar algumas risadas, mas combina perfeitamente com a proposta estética do jogo.

A versão completa também amplia consideravelmente o conteúdo dos NPCs, com novos eventos de relacionamento, atividades de namoro e quatro personagens adicionais. Além disso, 19 personagens recebem novas missões ligadas aos níveis de relacionamento.

Todo esse conteúdo ajuda a tornar a comunidade mais interessante com o passar das horas, especialmente para quem gosta de transformar cada NPC em uma pequena história paralela.

Os pets roubaram minha atenção mais do que os romances

Os relacionamentos não ficam restritos aos habitantes da ilha, já que também é possível construir vínculos com os animais até eventualmente adotá-los. Entre uma missão e outra, eu frequentemente me pegava desviando completamente do objetivo original para encontrar um gatinho, cachorrinho ou capivara e gastar alguns minutos fazendo carinho e entregando presentes.

Os pets também possuem suas próprias possibilidades de personalização, incluindo alimentos, móveis e roupas que podem ser fabricados pelo jogador. A versão completa ainda adiciona quatro novos animais adotáveis e mais opções de customização, tornando esse sistema uma das distrações mais simpáticas para quem gosta de colecionar pequenos companheiros durante a aventura.

Construir a casa é quase outro jogo

Se existe uma área em que Starsand Island demonstra uma preocupação especial com personalização, é na construção e decoração da casa, que utiliza um sistema baseado em peças modulares para permitir que o jogador monte praticamente tudo do seu jeito. Para alguém acostumada com a liberdade de construção de The Sims, porém, achei o sistema inicialmente complexo e pouco intuitivo, especialmente durante os momentos em que joguei no Steam Deck.

Felizmente, quem não quiser passar horas tentando descobrir como encaixar cada parede pode recorrer aos presets com estilos variados, que tornam a reforma da casa muito mais simples. Para quem gosta de decoração, existe conteúdo de sobra, com móveis, estruturas, paisagismo e novos conjuntos adicionados na versão completa, incluindo peças europeias, modernas, temáticas de sala de aula e piquenique.

A liberdade também aparece na possibilidade de construir a casa em diferentes pontos da ilha e personalizar detalhes de maneira bastante específica, criando um espaço que realmente pode ficar com a cara do jogador. É uma abordagem que ajuda a transformar a fazenda em algo mais pessoal, em vez de apenas um lugar onde as máquinas e plantações ficam espalhadas esperando o próximo dia.

Até escolher uma roupa pode virar uma missão

A personalização do personagem também recebeu bastante atenção, com uma quantidade generosa de opções para cabelos, maquiagem e roupas. O detalhe interessante é que as roupas precisam ser fabricadas a partir de receitas e materiais específicos, transformando uma área que normalmente funciona apenas como cosmético em mais uma razão para explorar e produzir recursos.

Essa escolha combina bem com a filosofia geral de Starsand Island, em que quase tudo parece ter alguma utilidade dentro do ciclo de progressão. Mesmo quando o jogador quer apenas deixar o personagem bonito, existe um pequeno objetivo por trás da atividade, o que mantém a sensação de evolução presente em praticamente todos os sistemas.

O visual é encantador, mas os monstros parecem ter vindo de outro jogo

A direção de arte é provavelmente um dos maiores responsáveis pela personalidade de Starsand Island, com cenários coloridos, iluminação aconchegante e uma estética claramente inspirada na animação japonesa. A ilha consegue transmitir a sensação de um lugar em que seria agradável passar algumas horas, seja cuidando da fazenda, andando pela praia ou simplesmente observando os moradores seguirem suas rotinas.

O problema aparece quando os monstros entram em cena, porque o design deles destoa bastante do restante da direção de arte e passa uma impressão semelhante à que já encontramos em outros simuladores, como Coral Island. A existência de combate também parece um pouco deslocada dentro da proposta, mas o sistema funciona bem o suficiente para não se transformar em um problema durante a exploração.

A trilha sonora também segue a mesma proposta visual e aposta em músicas tranquilas que ajudam a construir a sensação de estar vivendo em um pequeno paraíso. O problema é que a variedade não acompanha a quantidade de horas que o jogo pretende oferecer, fazendo com que algumas faixas acabem se tornando repetitivas durante sessões mais longas.

A ausência de dublagem também é sentida, especialmente porque as cutscenes são uma parte importante da apresentação dos personagens e da identidade do jogo. Outro ponto que pesa para jogadores do nosso país é a falta de tradução em português brasileiro, algo que poderia ser corrigido em atualizações futuras e que seria particularmente importante para um título tão dependente de diálogos, missões e descrições de itens.

O conteúdo é grande o suficiente para render muitas horas

Starsand Island não é exatamente um jogo que você termina e imediatamente coloca de lado, principalmente porque existe uma enorme quantidade de sistemas para desenvolver, itens para fabricar, personagens para conhecer e espaços para personalizar. Eu passei um final de semana praticamente inteiro jogando e ainda sentia que havia atividades suficientes para continuar por muitas outras horas.

A versão completa também adiciona multiplayer online para até quatro jogadores, permitindo visitar as ilhas de outras pessoas e ajudar na construção. Além disso, o pacote inclui suporte a mods, Steam Workshop e ModKit no PC.

A equipe também adiciona, na versão 1.0, elementos como festivais, novos pets, conteúdos de relacionamento, conjuntos de decoração, veículos e melhorias em praticamente todos os sistemas. Isso mostra que a proposta é construir uma experiência de longo prazo para quem realmente gosta de viver dentro desses mundos.

Depois de tantas horas nesse mundo, fica difícil dizer que Starsand Island revolucionou os simuladores de fazenda, porque praticamente tudo que ele oferece já apareceu de alguma forma em outros jogos do gênero. A diferença está em combinar essas ideias com uma progressão baseada em desafios, uma quantidade enorme de personalização e uma estética anime que dá ao conjunto uma identidade bastante própria.

Isso também é o que torna o jogo interessante para quem já esgotou Stardew Valley, Coral Island ou My Time at Portia e está procurando outro lugar para investir dezenas de horas. Ele não precisa ser uma revolução para funcionar, porque a graça de um bom farming simulator está justamente em encontrar uma nova rotina, descobrir novos sistemas e transformar aquela pequena propriedade inicial em algo que pareça realmente seu.

Starsand Island vale a pena?

Starsand Island é uma boa escolha para quem gosta de simuladores de fazenda e quer uma experiência confortável, extensa e cheia de coisas para fazer. O pacote é ainda mais indicado se a estética inspirada em anime e a possibilidade de personalizar praticamente tudo chamarem sua atenção.

O jogo tropeça na falta de inovação narrativa, em algumas escolhas de interface e na ausência de português. Por outro lado, o título compensa parte desses problemas com sistemas que se conectam bem e uma progressão capaz de manter o jogador ocupado por muitas horas.

No lançamento, porém, o preço a partir de R$ 107 pode ser um pouco salgado para quem já tem outros simuladores do gênero no backlog e não está desesperado por uma nova fazenda para cuidar. Para os aficionados por farming simulators, por outro lado, Starsand Island entrega exatamente aquilo que promete: uma nova ilha para explorar, uma fazenda para construir, bichinhos fofos para adotar e, inevitavelmente, mais uma plantação que vai precisar ser regada antes de dormir.

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A proposta pode soar “parada” para quem espera ação, mas é justamente isso que torna o jogo, lançado em julho de 2025, tão especial. Ele coloca o jogador no ritmo tranquilo do Condado, com tarefas simples, relações calorosas e um mundo detalhado que valoriza os pequenos prazeres da vida hobbit.

Ficha Técnica

• Jogo: Tales of the Shire: A The Lord of the Rings Game

• Lançamento: 26/07/2025

• Onde jogar: PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch e PC

• Plataforma de teste: Xbox Series X

• Preço: A partir de R$ 99,99

Confira a seguir a nossa review do game, realizada com a versão de Xbox Series X do game.

Um simulador de hobbit de verdade

O jogo acerta em cheio ao traduzir a essência do que é viver no Condado: comer bem, cuidar da sua toca e manter relações calorosas com os vizinhos. Seu personagem chega a uma vila que precisa ser restaurada, e o progresso acontece por meio da amizade com NPCs, criação de grupos de coleta, pesca e jardinagem.

A culinária ganha papel de destaque — nada mais justo, já que a mesa sempre foi o coração da vida hobbit. Preparar refeições e compartilhá-las com os moradores é parte fundamental da experiência.

Apesar disso, a repetição pesa. As tarefas de coleta são frequentes e, mesmo sendo a base do jogo, poderiam oferecer mais variedade. Jardinagem e enigmas quebram um pouco a rotina, mas a sensação é de que faltam atividades diferentes para manter o ritmo envolvente ao longo das horas.

Jogabilidade simples e acessível

Quando o assunto é gameplay, não há mistério: Tales of the Shire é fácil de jogar. A interface é clara, intuitiva e parece pensada para que qualquer pessoa consiga mergulhar sem dificuldades.

Gostei especialmente da forma como as missões — chamadas de “contos” — são rastreadas. Em vez de marcadores convencionais, você segue pássaros pelo mapa, o que dá um toque poético e respeita o clima da obra de Tolkien.

Essa simplicidade é ao mesmo tempo um ponto forte e uma limitação. O game é relaxante, mas também menos desafiador para quem busca algo além da calmaria. Jogadores acostumados a simuladores mais profundos podem achar a experiência um tanto rasa, enquanto novatos ou fãs de Tolkien provavelmente vão se sentir em casa.

Uma narrativa de pequenas histórias

Não há uma grande trama central movendo os acontecimentos, e isso faz sentido: a narrativa é construída nas relações cotidianas.

Cada amizade cultivada, cada refeição preparada e cada tarefa concluída ajudam a fortalecer a comunidade. É interessante perceber como o jogo transforma o simples ato de compartilhar uma refeição em um momento importante para o progresso.

Para os fãs da obra original, há ainda pequenos acenos ao universo de O Senhor dos Anéis. Menções a Bilbo e Gandalf aparecem como lembranças afetuosas que ampliam a sensação de estar, de fato, vivendo na Terra-média.

Gráficos detalhados e personalização caprichada

Visualmente, o jogo entrega um Condado cheio de vida. Os cenários são detalhados, com cores aconchegantes e ambientes que transmitem calma.

A criação de personagens é robusta e permite ajustes completos, enquanto a personalização da toca é um verdadeiro convite à criatividade. É possível modificar janelas, vigas, móveis e até talheres na mesa. Para um jogo que simula a vida hobbit, esse cuidado faz toda a diferença.

Durante o teste, alguns pequenos bugs chamaram atenção, como piscadas ocasionais na tela. Não chegam a comprometer a imersão, mas lembram que o polimento técnico poderia ser maior. Vamos torcer para a equipe não largar o jogo e seguir lançando atualizações com melhorias.

A trilha sonora também ajuda a criar a atmosfera acolhedora do Condado. Cada área do mapa tem sua própria música, o que reforça a identidade de cada local e diferencia as regiões. No início, é um charme, mas depois de algumas horas, algumas faixas podem soar repetitivas.

Já as interações entre personagens são feitas apenas por texto, sem dublagem. Funciona dentro da proposta intimista, mas deixa a sensação de que ouvir vozes hobbits com sotaques marcantes teria elevado ainda mais a imersão.

Vale a pena ?

Tales of the Shire não tenta competir com gigantes como Stardew Valley. O objetivo aqui é ser um jogo de aconchego, focado na vida hobbit. E, mesmo com limitações, nisso ele acerta.

Para quem busca uma experiência relaxante, que valoriza o cotidiano e os laços sociais, o jogo cumpre o que promete. Para fãs de O Senhor dos Anéis, a experiência é ainda mais saborosa, cheia de referências sutis que reforçam a sensação de estar na Terra-média.

Por outro lado, a repetição de tarefas e a falta de variedade nas atividades podem tornar a jornada monótona para quem procura algo mais dinâmico. É um título feito para desacelerar, e não para prender o jogador por dezenas de horas de desafios constantes.

Vale a pena apostar no jogo se você procura calmaria e aconchego, ou se é fã do universo de Tolkien e quer vivenciar a rotina de um hobbit. Caso contrário, pode ser um jogo melhor aproveitado em uma bela promoção — como um bom segundo café da manhã no Condado: não é essencial, mas deixa o dia mais gostoso.

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Neste cenário mais do que favorável, o jogo foi cercado de muita expectativa, sendo chamado por muitos de “sucessor espiritual” da franquia Marvel VS Capcom (só que sem os personagens da Capcom, obviamente). Agora, chegou a hora de descobrir se tudo isso é verdade.

Eu testei Marvel Tokon durante os últimos dias e o prognóstico inicial é consideravelmente positivo. O jogo busca trazer os personagens em pancadarias típicas do estúdio com gráficos estilizados, lembrando animes e trazendo várias referências.

A seguir, confira a review completa e veja se o jogo é realmente para você.

Ficha Técnica

• Jogo: Marvel Tokon: Fighting Souls

• Lançamento: 06/08/2026

• Onde Jogar: PlayStation 5 e PC

• Plataforma de Teste: PlayStation 5

• Preço: A partir de R$ 339,90

Pancadaria Heroica

Feito pela Arc System Works, estúdio responsável por múltiplos jogos de luta como Guilty Gear e Dragon Ball FighterZ, Marvel Tokon funciona como um jogo de luta em que o jogador usa quatro personagens em combates contra outra equipe de quatro personagens. No entanto, existe um “pulo do gato” no meio da fórmula.

O jogo é diferente de títulos como Marvel VS Capcom 3, em que se enfrenta todos os membros da equipe, com cada um tendo sua barra de vida. Em Marvel Tokon, você só enfrenta uma barra de vida, que é compartilhada entre os quatro personagens que se intercalam na arena de batalha.

A fórmula deixa as lutas mais rápidas, porém também pode torná-las mais desafiadoras em alguns casos, Apesar de não terem barras de vida únicas, você pode alternar entre os membros da equipe durante as lutas a praticamente qualquer hora, com cada membro sendo liberado conforme os rounds passam.

Além de alternar entre os personagens, também é possível pedir ajuda deles durante as lutas, com comandos que ativam a assistência específica de cada um. Cada personagem possui habilidades únicas que diferenciam bastante o elenco, evitando a sensação de que existem personagens iguais apenas com aparências diferentes.

Ao todo, o jogo conta com 20 lutadores liberados logo no início, com um personagem secreto sendo liberado durante a campanha. A dica é ver o especial do Jornal para conferir mais detalhes sobre o gameplay de cada um.

Falando da gameplay, a jogabilidade é bastante acessível para novatos. O jogo busca simplificar os combos por meio do sistema Link Attacks, em que o jogador só precisa apertar o mesmo botão várias vezes para realizar sequências de golpes. Também existem combinações de botões práticas para executar os ataques especiais, eliminando a necessidade de memorizar comandos complexos.

Essa abordagem pode desagradar jogadores mais hardcore, que procuram sistemas de combate mais técnicos. Por outro lado, o sistema torna o jogo mais amigável para quem está começando no gênero e pode fazer de Marvel Tokon uma boa porta de entrada para novos jogadores.

Além disso, o título também conta com certa complexidade para quem curte se aprofundar nos personagens. Afinal, enquanto é fácil fazer combos e firulas, o game também conta com técnicas para rebater ataques e tornar o gameplay mais aprofundado, seguindo os padrões do estúdio, o que deve garantir uma cena movimentada nos esports — além da clássica diversão no multiplayer online e de sofá.

Uma história em quadrinhos contada como mangá

O modo história do jogo, chamado de Episode Mode, é dividido em cinco histórias diferentes, uma para cada equipe. Enquanto a linha narrativa principal é sempre a mesma, o jogador acompanha a saga de cada equipe, que traz os seguintes personagens, intercalados no decorrer das brigas:

• Vingadores Avante! (composto por Homem de Ferro, Capitão América, Hulk e Pantera Negra)

• Mutantes Indomáveis (composto por Tempestade, Wolverine, Magik e Danger),

• Guardiões Incríveis (composto por Homem-Aranha, Senhor das Estrelas, Ms. Marvel e Peni Parker)

• Vanguarda Samurai (composto por Motoqueiro Fantasma, Blade, Deadpool e Loki)

• Senhores do Destino (composto por Doutor Destino, Magneto, Duende Verde e Carnificina).

Na trama, uma figura chamada Champion desafia os campeões da Terra em um torneio pelo destino do planeta. A história é apresentada por meio de quadrinhos dublados em português brasileiro e outros idiomas, desenhados por diversos artistas, com algumas cutscenes no meio. O estilo mistura a arte dos quadrinhos ocidentais com os mangás, garantindo uma experiência dinâmicas e divertida.

A história é escrita por Kieron Gillen, roteirista de quadrinhos responsável pela popular série de quadrinhos do Darth Vader publicada pela Marvel, além de ter trabalhado com personagens da editora como os Eternos e X-Men. A trama em si é simples, mas acerta justamente ao focar nas questões pessoais dos heróis e em suas motivações.

O roteiro consegue compreender perfeitamente a essência de heróis como Homem-Aranha e os X-Men, trazendo histórias carregadas de emoção e que conversam bem com os quadrinhos. Além disso, o jogo consegue equilibrar muito bem o tom que cada personagem e equipe pede.

O modo em si não é muito longo, levando em média duas horas para terminar a história de cada equipe e cerca de dez horas para concluir todas. Além disso, um personagem secreto também é desbloqueado após a conclusão da primeira história.

No quesito gameplay, o modo possui lutas espaçadas entre os capítulos, que funcionam como tutoriais dos personagens. Isso resolve o maior problema do modo história de Guilty Gear Strive, outro jogo da desenvolvedora, que era justamente a ausência de gameplay. Os combates, à primeira vista, são extremamente fáceis, mas vão ficando mais difíceis a cada história concluída, o que evita que o modo se torne entediante.

Variedade de Modos

Marvel Tokon possui uma variedade de modos além da história. A seleção inclui o Arcadia Rumble, All-Star Arena, Versus, Lobby Aberto e as Partidas Online.

Arcadia Rumble

No modo Arcadia Rumble, que pode ser jogado tanto solo quanto em multiplayer, o jogador batalha por pontos para ver quem ganha. O modo é divertido para jogar com os amigos, mas, caso esteja jogando sozinho, pode se tornar um tanto quanto repetitivo devido à similaridade da gameplay.

A experiência é dividida em dois loops de gameplay: a fase de exploração, em que os jogadores andam por parte do mapa do lobby com seus avatares, coletando itens e enfrentando outros jogadores para ganhar mais pontos; e a fase de luta, em que os pontos são obtidos por meio de nocautes.

All-Star

O modo All-Star Arena é dividido em dois modos distintos. No modo Arena, o jogador deve escolher percursos para enfrentar determinados inimigos, servindo para desbloquear cosméticos e cores secundárias para os personagens. Já no modo Sobrevivência, os jogadores, com um medidor de vida limitado, enfrentam séries de inimigos até chegar ao chefão.

O modo é uma ótima maneira de estender o tempo de gameplay, além de ser recompensador pelos cosméticos liberados.

Versus

O modo Versus é o que já se espera: uma opção em que o jogador enfrenta outros personagens controlados por outro jogador ou pelo computador. Aqui, a experiência entregue está dentro do padrão do gênero, garantindo opções de lutadores e arenas para aquela diversão com a galera no multiplayer de sofá.

Online

Já as partidas online, como o nome indica, colocam o jogador para encarar outros adversários pela internet. Para usar no PS5, é necessário ter uma assinatura PS Plus Essential, enquanto o PC está livre da cobrança.

Como tem virado padrão em jogos de luta modernos, o jogo possui um lobby em que você controla um avatar pelo mundo. Diferente da maioria dos jogos do gênero, porém, aqui o lobby não se restringe a apenas uma sala de fliperama.

Em Marvel Tokon, temos um mundo completo, cheio de referências ao universo Marvel e com a aparição de personagens como Mary Jane, Homem de Gelo, entre outros. Além disso, é possível participar de minigames no lobby, trazendo uma experiência única e diferenciada em relação aos lobbies de outros jogos de luta.

Visuais e Sons de primeira

Assim como em títulos anteriores do estúdio, Marvel Tokon utiliza uma mistura de 2D com 3D, em um estilo artístico cel-shading com visual de anime. O resultado traz belíssimos visuais, principalmente nos designs dos personagens e nos efeitos exibidos em tela.

O jogo possui uma direção de arte bastante inspirada e criativa nos designs, buscando referências em outras obras e elementos culturais. Um exemplo é o Homem de Ferro, cujo design no jogo possui bastante inspiração nos mechas da franquia Gundam. Já o Blade possui elementos inspirados na cultura japonesa.

Enquanto isso, outros personagens apresentam designs mais similares às suas contrapartes dos quadrinhos, como os personagens dos X-Men e a Ms. Marvel. Essa variedade ajuda a diferenciar visualmente o elenco.

No quesito performance, o jogo roda muito bem no PlayStation 5. Porém, houve muitos relatos de que o título estaria rodando com problemas no PC, mesmo em máquinas mais potentes.

Na parte sonora, o jogo também faz bonito. Os golpes especiais e outros efeitos sonoros são satisfatórios, agradáveis e combinam com o visual. O jogo é dublado e possui uma boa dublagem na maior parte dos personagens, principalmente naqueles em que as vozes dos filmes e desenhos retornam.

Porém, alguns personagens possuem vozes que não combinam tanto assim. Esse é o caso do Wolverine, cuja voz, que inclusive será utilizada no jogo solo do personagem que será lançado mês que vem, parece jovial demais para o herói. Isso acaba não combinando com o personagem devido à idade e à entonação que ele pede.

Ainda no quesito dublagem, os nomes de todos os personagens são usados em inglês, assim como acontece em outros jogos da Marvel, como Spider-Man 2. Isso causa alguns momentos bizarros na dublagem, já que estamos acostumados com os personagens falando seus nomes em português. Como resultado, alguns nomes acabam não soando naturais durante as falas, como é o caso do Green Goblin, conhecido por aqui como Duende Verde.

Ainda no departamento sonoro, um dos maiores acertos do jogo é, com certeza, sua trilha sonora. Ela é composta por uma equipe formada por Toma Otowa (compositor de Ghost of Yotei), Daisuke Ishiwatari (da franquia Guilty Gear), Norichiki Sato (também da franquia Guilty Gear) e a dupla de ex-integrantes da banda Guns N’ Roses, Brain e Melissa.

Tokon apresenta uma trilha sonora de primeira, utilizando vários temas em Heavy Metal com direito a vocais, como nos temas do Motoqueiro Fantasma e do Magneto. O jogo também aposta em outros gêneros, como a música eletrônica, no caso do Blade.

Os temas dos personagens são o ponto alto da trilha sonora. Mesmo que as músicas das fases sejam um tanto quanto genéricas, elas não chegam a subtrair o brilho da excelente trilha sonora que o jogo possui.

Vale a Pena comprar Marvel Tokon: Fighting Souls?

Marvel Tokon: Fighting Souls traz uma gameplay acessível e divertida, um modo história surpreendentemente robusto, modos de jogo variados e um online divertido. Os visuais são belíssimos e a trilha sonora também é um dos grandes destaques.

O jogo é uma excelente porta de entrada para novatos no gênero e alegra aqueles que estavam sentindo falta de um jogo de luta estrelando os heróis da editora. E trazer a Arc System Works para cuidar desse retorno foi uma cartada tão boa quanto colocar o Deadpool como lutador.

Marvel Tokon tem tudo para ser o melhor jogo de luta do ano e um dos melhores jogos do ano. Se você possui um PlayStation 5 e é fã de jogos de luta ou dos heróis da Marvel, pode ir sem medo. Porém, se for um jogador de PC, talvez seja melhor esperar alguns patches de atualização, já que o título ainda precisa de melhorias na plataforma.

Marvel Tokon: Fighting Souls consegue equilibrar acessibilidade, variedade e profundidade em uma experiência que mostra todo o potencial dos jogos de luta. Se depender de Tokon, o universo da Marvel encontrou um novo palco de peso nos games — e ele está pronto para pegar fogo com embates de cair o queixo.

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O título se trata do remake do lendário jogo de 2001 lançado para o Xbox original e que revolucionou a maneira como jogos de tiro eram feitos para consoles. Campaign Evolved é a segunda modernização do clássico de 2001, com a outra sendo o Halo Combat Evolved Anniversary de 2011, feito pela 343 para Xbox 360, e também disponível na Master Chief Collection.

Agora, resta saber se o remake está a altura do clássico ou não. Afinal, vale a pena apostar no remake ou é melhor ficar nas versões anteriores? Confira, a seguir, a review de Halo Campaign Evolved.

Ficha Técnica

• Jogo: Halo Campaign Evolved

• Denvolvedora: Halo Studios

• Lançamento: 28 de Julho de 2026

• Onde Jogar: PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de Teste: Xbox Series S

• Preço: A partir de R$ 249,00 (também disponível no Game Pass)

Um clássico refeito para reviver a franquia

Halo Campaign Evolved é desenvolvido pela Halo Studios, estúdio anteriormente chamado de 343, que iniciou sua jornada na franquia Halo em 2011 com o remaster Halo Combat Evolved Anniversary, buscando modernizar o título original para uma nova geração de consoles. Após isso, tivemos o lançamento de Halo 4 em 2012, que deu continuidade a franquia, concluindo a história de Halo 3.

Após o lançamento deste jogo, em 2014, chega a Master Chief Collection, coletânia que possui todos os jogos da franquia Halo. No ano seguinte, é lançado o infame Halo 5 Guardians, jogo amplamente criticado pelos fãs por sua história e pouco uso do protagonista Master Chief, em prol de um personagem novo que acabou sendo esquecido.

Depois do lançamento de Halo 5, só teríamos um novo jogo da franquia em 2021,, com Halo Infinite, que também chegou envolto de polêmicas. Após o lançamento do título, a franquia passou por um breve hiato, até que em 2025 foi anunciado Halo Campaign Evolved, o remake do primeiro jogo da franquia com a proposta de modernizar a gameplay do primeiro título da série, trazer melhoras gráficas e um novo modo história com três missões extras, se passando antes da história principal.

A Evolução do Combate

Campaign Evolved chega modernizando a gameplay do jogo original, seguindo o molde de jogos anteriores da era 343. O remake adiciona elementos modernos à gameplay, como o sprint, recurso que divide a fanbase de Halo desde que foi introduzido em Halo 4, em 2012.

Há fãs que argumentam que ele atrapalha o ritmo da gameplay, enquanto outros acreditam que torna os combates mais dinâmicos. Independente do lado escolhido, uma coisa é certa: a adição do recurso ajuda a modernizar a gameplay, pois muitos jogos atuais usam a “corridinha”.

Porém, essa não foi a única mudança na gameplay. Também foram alterados o balanceamento dos inimigos e a presença deles. Uma das diferenças mais gritantes nesse quesito é a presença dos Jackal Snipers, um tipo de inimigo que só seria introduzido em Halo 2 (e que foi o pesadelo de todos os jogadores que jogaram na dificuldade mais difícil).

A agressividade dos inimigos também foi modificada, com os Elites agora partindo em direção ao jogador e matando com um golpe na dificuldade normal, o que torna o jogo mais desafiador em certo ponto.

Uma das maiores mudanças do remake no aspecto da gameplay é a adição de marcadores de objetivo. Isso resolve um dos maiores problemas do jogo original, que era a facilidade de se perder no mapa devido à semelhança dos territórios e à falta de uma indicação clara de onde se devia ir em locais mais abertos. Além disso, foram adicionados marcadores indicando os últimos inimigos restantes no ambiente.

Visuais e Sons Mistos

À primeira vista, a mudança mais notável é a gráfica. Feito na Unreal Engine 5, Campaign Evolved traz visuais repaginados e mais bonitos, porém com uma grande quantidade de problemas de desempenho. Com o teste feito no Xbox Series S, foram percebidos problemas já conhecidos da engine, como os stutterings, que estão presentes tanto na gameplay quanto nas cutscenes, o que parece um tanto quanto estranho por serem pré-renderizadas.

Além disso, é possível notar a presença de texturas que só carregam quando se chega muito perto, além de efeitos que aparecem de maneira pixelizada, como explosões e raios elétricos. Isso causa a impressão de que não houve uma atenção adequada à otimização do jogo no console.

Por falar nas cutscenes, elas apresentam mudanças em relação ao original, não só nos gráficos, mas também no ritmo. Elas são mais longas que no original, porém isso acaba prejudicando o ritmo narrativo do jogo.

A história original apresentava cutscenes curtas justamente pelo senso de urgência que passava. Algo que se perde aqui devido às cutscenes desnecessariamente longas, com pausas entre diálogos que acabam servindo mais para estendê-las do que para cumprir algum propósito narrativo. Isso é prejudicado ainda mais por uma dublagem um tanto quanto apática.

Por falar em dublagem, o jogo não possui uma dublagem no nosso idioma, tendo apenas legendas em português brasileiro. Por causa disso, só é possível jogar no áudio original, que parece soar um tanto quanto apático em relação ao jogo original.

Alguns personagens, como o Capitão Keys e o Sargento Johnson, possuem novas vozes, enquanto personagens como o Chief e a Cortana retornam com as vozes originais. Porém, todos parecem entregar uma performance um tanto quanto apática em relação ao jogo original. Isso parece ser culpa de uma direção fraca, fazendo com que muitos diálogos careçam do impacto que tinham originalmente.

O trabalho sonoro do remake como um todo acaba carecendo de impacto. Seja na sonoplastia das armas, cujos sons acabam soando similares para passar a sensação de realismo, mas que, com isso, perdem a identidade. Já em relação à trilha sonora, aspecto marcante da franquia, ela é simplesmente uma reutilização da trilha do jogo original com um trabalho de remasterização, ao invés de ter recebido um novo arranjo, como no remaster de 2011.

Porém, ela não se encaixa no restante da experiência devido à sua mixagem, que faz com que fique sempre baixa em relação aos efeitos sonoros. Além disso, encontra-se destoante dos gráficos modernos, principalmente pelo uso de sintetizadores, que deixam à mostra que é uma trilha sonora feita em 2001. Muitas vezes, ela parece mais um mod de fã incluído em um jogo moderno do que a trilha sonora do jogo propriamente dita.

Uma Nova Missão

O maior chamariz do remake para aqueles que já jogaram o jogo original com certeza é o conjunto de missões prequel, denominado Operation Meteorite. O conjunto de três missões coloca Master Chief e o Sargento Johnson em uma missão para invadir uma nave Covenant e recuperar dados valiosos.

A operação em si leva de uma hora e meia a duas horas e já está disponível logo quando se abre o jogo. Porém, as missões em si não apresentam muita variedade, sendo apenas corredores atrás de corredores repletos de inimigos. Isso torna a experiência repetitiva rapidamente e faz com que as duas horas pareçam quatro.

Narrativamente, as missões não se saem muito melhor, com uma história fraca que serve apenas como desculpa para o tiroteio. O maior problema está nos diálogos, seja com o Chief, que se mostra excessivamente piadista, com falas que parecem não combinar com o personagem, seja com os personagens novos, que acabam sendo mais irritantes do que qualquer outra coisa, levando a momentos de vergonha alheia.

Vale a Pena Jogar Halo Campaign Evolved?

Halo Campaign Evolved, apesar de trazer uma camada moderna, acaba sendo inferior ao título de 2001 e ao remaster de 2011. Apesar de entregar uma gameplay modernizada e belos gráficos, o jogo faz pouco para justificar a própria existência. Com um trabalho sonoro inferior, um desempenho fraco no Xbox Series S e um modo história extra nem um pouco divertido, Campaign Evolved parece mais um trabalho feito por obrigação do que uma carta de amor à franquia.

Se você é um jogador de Xbox ou PC e nunca teve contato com a franquia, a recomendação é jogar o remaster de 2011 presente na Master Chief Collection em vez deste, deixando Campaign Evolved apenas como uma curiosidade para depois. Se for um jogador de PlayStation, por outro lado,, o remake pode ser um ponto de partida interessante para a franquia.

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Trata-se de Avatar Legends: The Fighting Game, primeiro jogo de luta baseado na franquia e desenvolvido pela Gameplay Group International, estúdio que conta com uma forte presença de artistas e desenvolvedores brasileiros. Durante nossos testes, ficou claro que o objetivo nunca foi apenas aproveitar a popularidade da licença, mas criar um jogo de luta capaz de caminhar com as próprias pernas sem perder a essência da animação.

Ficha Técnica

• Jogo: Avatar Legends: The Fighting Game

• Lançamento: 23/07/2026

• Onde jogar: PC, PlayStation 5 e Nintendo Switch (versão de Xbox chega em 3 de setembro e Switch 2 ainda sem data)

• Plataforma de teste: PlayStation 5

• Preço: A partir de R$ 88,99

O combate encontra sua própria identidade

Jogos baseados em grandes propriedades intelectuais nem sempre conseguem ir além do fan service e, desde a época do PlayStation 2, já vimos inúmeras adaptações que apostavam apenas no nome da franquia. Felizmente, Avatar Legends consegue fugir dessa armadilha ao entregar um sistema de combate que funciona muito bem tanto para quem gosta de jogos de luta quanto para quem simplesmente ama o universo de Avatar.

As batalhas acontecem em arenas 2D e utilizam um sistema bastante criativo baseado em duas barras distintas. Enquanto a Barra de Foco permite realizar movimentações avançadas, defesas especiais e até escapar de situações complicadas, o medidor de Energia é utilizado para executar golpes especiais extremamente estilosos, acompanhados por belas animações inspiradas nas dobras da série.

Essa combinação cria um ritmo bastante dinâmico durante as partidas e evita que as lutas fiquem repetitivas ou dependentes de um único tipo de estratégia. Mecânicas como o Escape de Foco ajudam a impedir que um jogador fique preso permanentemente no canto da tela, tornando os confrontos mais equilibrados e incentivando decisões rápidas durante toda a partida.

O elenco inicial conta com apenas doze personagens, mas a variedade entre eles impressiona. Cada lutador possui identidade própria, estilos de combate bastante diferentes e combos que realmente aproveitam as características vistas na animação, evitando aquela sensação de que um personagem é apenas uma cópia de outro.

Ainda assim, alguns problemas de balanceamento ficam evidentes durante o lançamento. O próprio estúdio já confirmou ajustes para Ozai e algumas variantes de Korra e Aang, além da chegada de novos lutadores via Passe do Ano 1 e do personagem gratuito Tagah, mostrando que o elenco continuará evoluindo nos próximos meses.

Modos de jogo e campanha cheia de história

Para quem procura conteúdo além do versus tradicional, Avatar Legends oferece uma quantidade bastante satisfatória de modos de jogo. Estão presentes campanha, arcade, versus local, partidas online, treinamento e uma galeria recheada de artes conceituais desbloqueáveis ao longo da progressão.

O modo História merece destaque por apresentar uma aventura inédita desenvolvida em colaboração com os criadores da franquia. Utilizando o conceito de multiverso, a campanha reúne diferentes Avatares e vilões em uma mesma linha temporal, criando confrontos improváveis entre personagens como Aang, Korra, Kyoshi, Ozai e Zaheer sem perder o espírito da série.

A narrativa possui alguns momentos que exigem certa suspensão de descrença para justificar esses encontros, além de tudo andar com animações limitadas, mas funciona como um ótimo pano de fundo para conectar as batalhas. A dublagem em inglês ajuda na imersão e mantém os personagens bastante fiéis às suas personalidades, mesmo que a história esteja longe de ser o principal atrativo do jogo.

O modo Arcade também oferece incentivos interessantes para continuar jogando, recompensando o jogador com artes conceituais e conteúdos extras que mostram parte do processo de desenvolvimento. Para quem acompanha Avatar há anos, essas pequenas recompensas acabam funcionando como um bônus bastante agradável entre uma partida e outra.

Já o Versus se destaca por trazer uma experiência simples para lutar com amigos no mesmo ambiente, garantindo uma boa diversão para aqueles momentos de festa com videogame. O gameplay do jogo é bem profundo, mas dá pra se divertir simplesmente amassando os botões com a galera.

Ainda faltam alguns ajustes para atingir todo o potencial

O online chega equipado com rollback netcode e crossplay entre todas as plataformas, dois recursos praticamente indispensáveis para um jogo de luta moderno. No entanto, a ausência dos modos ranqueados no lançamento transmite a sensação de que Avatar Legends chegou um pouco antes do momento ideal, já que boa parte da experiência competitiva ainda será implementada em atualizações futuras.

O modo de treinamento também merece alguns ajustes, principalmente para jogadores iniciantes. Ferramentas avançadas como hitboxes, frame data e salvamento de estados devem agradar veteranos do gênero, mas o jogo dedica pouco espaço para ensinar conceitos básicos das mecânicas, algo que pode afastar quem está dando os primeiros passos em jogos de luta.

Para descobrir os conceitos de foco e energia, por exemplo, tive que passar um bom tempo lendo letras miúdas em menus, algo que está longe do ideal para um jogo baseado em uma franquia tão popular.

Uma carta de amor para quem cresceu assistindo Avatar

Se o sistema de combate consegue funcionar por mérito próprio, o cuidado com a franquia é o que torna Avatar Legends ainda mais especial. Desde as animações desenhadas à mão até os pequenos detalhes espalhados pelos cenários, fica evidente o carinho que a equipe teve ao transportar esse universo para os videogames.

O estilo artístico é facilmente um dos maiores destaques da produção e reproduz com enorme fidelidade o visual das animações da Nickelodeon. Boa parte desse trabalho passa pelas mãos de uma equipe formada majoritariamente por artistas brasileiros, responsáveis por grande parte das animações tradicionais que dão vida aos personagens durante as lutas.

As referências também aparecem o tempo todo, seja em diálogos, golpes, poses ou pequenos memes conhecidos pela comunidade. Para quem acompanhou tanto Avatar: A Lenda de Aang quanto A Lenda de Korra, praticamente toda partida reserva algum detalhe divertido para encontrar.

O jogo também receberá mais personagens e até um novo lutador conectado com o recém-lançado filme da franquia, o que mostra interesse da Paramount em manter o game vivo. Resta agora torcer para esse suporte seguir ativo durante os próximos anos.

Desempenho convence, mas localização precisava de mais cuidado

Durante nossos testes no PlayStation 5 Pro, Avatar Legends apresentou desempenho bastante sólido e não registrou problemas técnicos relevantes. O jogo mantém boa estabilidade durante as partidas e entrega exatamente a fluidez esperada de um título competitivo.

É importante ressaltar, no entanto, que o jogo segue os padrões modernos e exige PS Plus para jogar online — o mesmo também acontece no Switch Online e, futuramente, no Game Pass. Ou seja, se você quer total liberdade de uma assinatura, a versão de PC é a melhor pedida.

Por fim, também existem outras ressalvas ficam fora do gameplay. Além da falta de suporte para alguns controles especializados em jogos de luta, a localização em português brasileiro apresenta erros bastante perceptíveis, incluindo traduções equivocadas como “Korra Vitórias” após o fim das partidas, algo que acaba chamando atenção de maneira negativa e transmite uma sensação de falta de polimento.

Vale a pena comprar Avatar Legends: The Fighting Game?

Avatar Legends: The Fighting Game consegue algo que muitas adaptações licenciadas não alcançam: ser um bom jogo independentemente da franquia que representa. Seu combate criativo, o excelente trabalho artístico e o carinho evidente com o universo de Avatar fazem dele uma experiência bastante divertida tanto para fãs da animação quanto para jogadores que gostam de experimentar novos jogos de luta.

Ao mesmo tempo, o lançamento deixa claro que ainda existe espaço para evolução. O balanceamento de alguns personagens, os problemas de localização, a ausência dos modos ranqueados e algumas melhorias prometidas para os tutoriais mostram que o potencial do jogo ainda não foi totalmente explorado.

Quem é fã de Avatar provavelmente encontrará motivos suficientes para embarcar nessa aventura desde já, principalmente considerando o preço bastante competitivo da edição padrão. Já quem procura uma experiência mais completa e refinada talvez faça um melhor negócio esperando as próximas atualizações e uma eventual promoção, quando o jogo certamente estará ainda mais próximo daquilo que promete ser.

Curiosamente, ao início de toda a luta, Avatar Legends diz que o “balanço precisa ser restaurado”. O time da Gameplay Group e da Paramount Studios estão no caminho certo, mas ainda precisam trilhar um caminho até alcançar esse objetivo com o jogo de luta.

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Tanto por isso, para a nova temporada eu esperava apenas um refinamento dos novos elementos, sem investimento nas histórias de fundo que norteiam as missões de temporada. Descobrir que O Despertar da Morte, tema da Temporada 14, iria resgatar elementos de Diablo III: Reaper of Souls (2014), me fez pensar que poderíamos esperar por algo muito bom, ou muito frustrante, e o resultado foi algo nem lá, nem cá.

Pensando em gameplay, a nova temporada foi além dos refinamentos sutis e desenvolveu propriamente o potencial de muitas mecânicas novas da expansão, desde novas receitas do Cubo Horádrico até, supostamente, um aproveitamento melhor de itens Míticos. Naturalmente, já era de se esperar que muitos novos elementos seguidos introduzissem novos problemas, mas, ao que tudo indica, pelo menos dessa vez não precisamos esperar a temporada acabar para recebermos a solução.

Após 15 dias jogando o novo conteúdo, contamos como foi a experiência de cruzar os portões do Pandemônio nesta nova jornada por Santuário.

Ficha Técnica

• Jogo: Diablo IV: Lord of Hatred — Temporada 14, O Despertar da Morte

• Desenvolvedora: Blizzard

• Lançamento: 30 de junho de 2026

• Onde jogar: PS5, Xbox Series X|S e PC

• Plataforma de teste: PS5

• Preço: Conteúdo de atualização gratuito + itens cosméticos (a partir de R$ 130,00 — 2.800 Platinas)

O conteúdo do passe de temporada foi cedido pela Blizzard.

Temporada 14 puxa pela nostalgia, mas se limita a um grande “vem aí”

Diablo é uma franquia que vive da nostalgia, sempre fazendo homenagens e referências, com o próprio Açougueiro, um dos primeiros chefes de Diablo I (1996) sendo um dos inimigos mais icônicos da franquia, mais até que os próprios Males Primordiais, Diablo, Mephisto e Baal. Justamente para não criar expectativas com esses tipos de homenagens e referências, eu evito acompanhar discussões e atualizações do Reino de Teste Público (PTR), mas fatalmente uma coisa ou outra escapa desse filtro pessoal.

Além de ser a última expansão do jogo anterior, Reaper of Souls forjou praticamente o conteúdo endgame do jogo como o conhecemos hoje. As Rupturas, presentes tanto em Diablo IV quanto em Diablo Immortal, e o Modo de Aventura, apresentado em Lord of Hatred na roupagem dos Planos de Guerra, surgiram lá. Não por menos, ver que a temática da Temporada 14, O Despertar da Morte, seria inspirada no capítulo final de Diablo III, despertou um “quentinho” que eu não sentia há muito tempo.

O problema é que as referências se limitaram a diálogos com curiosidades sobre os Ceifadores e alguns poucos elementos de gameplay, em sua maioria aproveitando assets já conhecidos de Diablo IV, apenas com outra cara. Embora a direção de arte consiga resgatar aquele tom esverdeado e fúnebre característico da expansão de 2014, a ambientação traz pouca novidade expressiva para além de algumas falas misteriosas.

A mecânica principal gira em torno de invasões de inimigos por fendas dimensionais em atividades como Masmorras, Rupturas e Marés Infernais, uma repaginada de leve nos Realmwalkers, e um novo chefe. Maltheal sequer é mencionado, e as missões de temporadas envolvem apenas uma longa e repetitiva caçada por hordas de inimigos, uma luta contra um Ceifador que não assusta ninguém (mesmo no Suplício XII) e tudo acaba de forma relativamente abrupta e sem muita cerimônia.

A boa notícia é que geralmente temporadas com esse perfil servem como escada para updates mais ambiciosos no futuro, como ocorreu com as temporadas 6 e 7, que culminaram no Retorno de Belial. A má notícia é que provavelmente não devemos encontrar Maltheal antes do final de 2026, mas com um pouco de sorte a Blizzard deve mostrar algo sobre essa jornada durante a Blizzcon em setembro, quando já estaremos perto da metade da Temporada 15.

Novas mecânicas, com novos velhos problemas

Quem jogou Lord of Hatred no lançamento deve ter notado que os itens Míticos (roxos) se tornaram bem menos raros que em temporadas anteriores, mas proporcionalmente menos úteis. A maioria deles servia apenas como substituições temporárias de equipamentos únicos (dourados) e lendários (laranjas) com afixos superiores específicos para builds do meta de cada classe, e ainda assim com muitas ressalvas.

Com a intenção de torná-los mais úteis, a Blizzard optou por promovê-los a uma categoria superior de itens únicos, com afixos menos aleatórios e maximizados. Em teoria, a mudança resolveria dois problemas, sendo o primeiro a questão de os jogadores esnobarem os itens míticos por não conseguirem encaixá-los nas melhores builds. O segundo, e mais problemático na minha opinião, era o dos itens únicos rolarem afixos tão aleatórios que sequer faziam sentido, como um anel com bônus únicos para granadas (Renegada), mas que dava pontos em habilidades para armadilhas, por exemplo.

A proposta de uma versão menos aleatorizada desses equipamentos seria extremamente interessante se os meios de obtê-los estivessem funcionando como esperado no lançamento do patch 3.1. Na tentativa de compensar o excesso de drops roxos do patch anterior, a primeira versão de LoH veio com drops extremamente baixos.

Para fins de comparação, na temporada 13, ainda no Suplício X, era relativamente fácil termos abas inteiras do baú apenas com itens roxos, enquanto no novo patch, já no Suplício XII e com praticamente todos os objetivos de temporada completos, ter encontrado — com sorte — um ou dois míticos minimamente úteis.

Para piorar, os materiais necessários para criar itens míticos pela nova receita do Cubo Horádrico se limitavam a drops do novo chefe, que mesmo não sendo tão difícil, não dispõe de uma lista de drops atrativa o suficiente para justificar gastar Chaves Superiores nele, e não em Belial.

Não ficou claro se os devs de fato identificaram isso como um problema, ou se apenas acolheram os pedidos da comunidade, mas já no patch 3.1.1, de 14/07, a questão foi amenizada, não sendo necessário esperar 2 meses para testarmos propriamente a nova categoria de itens. Vale mencionar que os itens clássicos, como a armadura O Poder de Tyrael, ainda existem, seguem intocados, mas não são mais a única escala de poder mítica, abrindo possibilidades para builds mais consistentes.

Problemas dos Planos de Guerra

A maior e mais bem-vinda mudança de gameplay veio nas atualizações dos Planos de Guerra, uma das novidades mais interessantes da expansão Lord of Hatred. O sistema é uma versão turbinada do clássico Modo Aventura de Diablo III, pensado para incentivar os jogadores a explorarem diferentes conteúdos do jogo. Justamente por isso, a mecânica acabou sendo igualmente frustrante da forma como chegou na temporada 13.

Sem uma escala eficaz de recompensas, originalmente a mecânica aproveitava apenas parcialmente atividades interessantes, como as Marés e Hordas Infernais, ou mesmo das novas Masmorras Recrudescentes (Escalating Nightmare Dungeons). Isso induzia muitas vezes os jogadores a rolar por novos planos até encontrar um que colocasse Masmorras ou Marés Infernais em sequência para maximizar as recompensas e compensar abrir as novas Chaves de Masmorras Recrudescentes (construídas no Cubo Horádrico).

Além disso, cada etapa do Plano de Guerra recompensava os mesmos pontos de experiência (de atividade, não de personagem), independentemente do tempo necessário para completar cada uma delas. Isso fazia, por exemplo, com que as Hordas Infernais se tornassem um pedágio desnecessário para jogadores que buscam completar os objetivos de temporada.

Ajustes da Temporada 14

No novo formato, os Planos de Guerra passaram a recompensar a experiência dessas atividades proporcionalmente ao tempo investido, facilitando a progressão em árvores que antes exigiam um grind excessivo. Duas das atualizações que realmente fizeram diferença foram as missões de Marés Infernais passarem a se basear na quantidade de Cinzas Aberrantes gastas e a inclusão de séries completas de Masmorras Recrudescentes como objetivos dos Planos de Guerra.

Outra mudança muito bem-vinda foi o ajuste de pontos de vida de Astaroth, chefe final das sequências de masmorras. A luta em si nunca foi um desafio necessariamente complexo, com mecânicas bem mais simples que as lutas contra os ecos de Lilith e Mephisto, por exemplo. O problema é que os muitos pontos de vida (muitos MESMO!) faziam com que fosse mais interessante simplesmente ignorar a última etapa das masmorras. Na Temporada 14, Astaroth continua sendo um chefe desafiador, mas não o suficiente para tornar a luta um suplício (😬).

Cosméticos sem brilho e crossovers salgados

Mais uma vez, os itens cosméticos do passe de temporada seguem sem empolgar e tampouco justificar o desbloqueio dos Relicários. Salvo por algumas armas ou o modelo do Town Portal, as armaduras e demais itens cosméticos da Temporada 14 são bem pouco interessantes e praticamente não dialogam com a própria temática dos Ceifadores.

Na collab com Overwatch, por sua vez, a situação muda de figura, trazendo skins bem divertidas, em especial as de Genji, (Renegada), Reaper (Necromante) e Moira (Natispirito/Bruxo). O único problema continua sendo o preço de 5.700 Platinas, padrão para desbloquear bundles completos como o desse crossover, valor bem salgado para o jogador brasileiro.

Vale a pena?

A resposta curta é sim, vale. Além dos ajustes e refinamentos dos novos sistemas de endgame, O Despertar da Morte dá um vislumbre dos próximos conteúdos que nos aguardam em Santuário.

Contudo, é importante ir com as expectativas alinhadas, pois em termos de conexão com Reaper of Souls, as missões de temporada são menos uma referência, e mais uma homenagem distante como justificativa para reciclar elementos já conhecidos, mas pouco explorados de Diablo IV. Lembre-se de que estamos falando de um conteúdo adicional gratuito e não de uma nova expansão completa. Considerando que essa é a primeira temporada após a nova DLC, isso não surpreende, mas pode frustrar quem se empolgou ao ver as artes com a temática dos Ceifadores.

Os ajustes de balanceamento, a rápida correção do drop de míticos e o bom retrabalho nos Planos de Guerra tornam a jornada de gameplay muito mais fluida e prazerosa do que na temporada passada. Contudo, se você esperava uma grande continuação narrativa ou um tributo profundo a Reaper of Souls, as missões de temporada podem frustrar por parecerem apenas uma justificativa apressada para reciclar inimigos e cenários, enquanto os roteiristas trabalham na temporada pós-Blizzcon 2026.

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O desejo dos devs é que você entre nele logo de cara. Desde a sua primeira corrida, que não demora a acontecer, você já é capaz de realizar manobras. Em pouco tempo, já está fazendo coisas mais do que extraordinárias.

A simplicidade em seu visual e o excesso de informações na tela ajudam nessa dinâmica em que se exige ações rápidas e reflexos afiados. O jogo ainda consegue incorporar uma estética urbana em cada um dos seus detalhes: nos personagens, nos cenários, na trilha sonora e até em sua interface, em uma experiência que certamente vai marcar o ano de 2026 no mercado de jogos indies.

Ficha Técnica

• Jogo: Denshattack!

• Desenvolvedora: Undercoders

• Distribuidora: Fireshine Games e Boltray Games

• Lançamento: 15/07/2026

• Onde jogar: PC (Steam), Nintendo Switch 2, PS5 e Xbox X|S

• Plataforma de teste: PC

• Preço: A partir de R$ 59,99

Confira a análise realizada no PC com uma chave cedida pela própria desenvolvedora.

Não saia dos trilhos

Um grande desastre natural afligiu o Japão. A situação era desesperadora e o futuro de todos, incerto. Mas eis que uma empresa chamada Miraido se propõe a colocar o país de volta nos trilhos.

Em alguns anos, ela construiu pequenas cidades protegidas por domos e as conectou através das antigas linhas ferroviárias que ela mesma revitalizou. A civilização estava a salvo, eles só tinham que permanecer naqueles refúgios.

Mas não é a história desses que vivem sob os domos que iremos acompanhar, mas sim a de quem permaneceu diretamente sob o céu. Principalmente aqueles vândalos chamados de Denshattackers.

Emi Araki, a protagonista do game, é uma dessas pessoas que vivem do lado de fora. Ela gerência um pequeno restaurante de lámem e realiza as próprias entregas. Em mais um dia comum de trabalho, acaba sendo avistada por Fernando Tamashiro, um apaixonado por Denshattacks e que logo vê potencial nela.

É ele quem lhe conta sobre os Denshattackers. O nome dado aos pilotos dos trens que percorrem as vias alternativas. Como Emi não consegue deixar de ser uma pessoa curiosa, logo a dupla dinâmica parte em busca dos membros da gangue mais próxima.

Partimos então do litoral ao interior do continente. Atravessamos estações ferroviárias, centros urbanos, regiões submersas, pontos turísticos, escombros de antigas cidades, tanques de piscicultura e até acidentes geográficos - como um vulcão ativo.

As fases são divididas em territórios. A divisão é baseada em regiões do Japão, utilizando os nomes reais das prefeituras e dos municípios. Exploramos cada uma em seu respectivo capítulo.

É até difícil tentar traçar paralelos com outros jogos, já que Denshattack não se limita a duas ou três referências. A base da jogabilidade é a de um jogo de corrida. Só que não aceleramos manualmente o nosso veículo, só damos a partida. O que nos dá velocidade são as manobras que realizamos.

Essa estranha combinação de movimentos de skate e de parkour é o que alimenta o sistema de combos. Inicialmente, podemos trocar de trilho, frear para realizar as curvas, nos equilibrar quando for deslizar por paredes ou por corrimãos, saltar para desviar ou realizar flips, empinar e, quando necessário, atirar-se para baixo. E apitar, que é a única coisa que os trens de fato fazem.

Com o tempo, outras habilidades irão surgir e cabe a você aprender a administrar tudo isso. O desafio é ter a destreza para antecipar problemas e descobrir soluções. E esse aprendizado vem de muita tentativa e erro.

O gameplay é bastante intuitivo porque o caminho é muito claro. Quando se erra, sabe-se exatamente o que errou. Para se ter uma ideia, é possível seguir o caminho mesmo quando há poucos indícios, como se estivesse dirigindo no escuro.

Os cenários das partidas são enormes e mirabolantes. Às vezes ele apresenta várias opções de navegação. É preciso escolher um caminho e entender o que se faz necessário para dar prosseguimento nele.

Há fases em que se deve alcançar objetivos específicos o mais rápido possível. E outras, em que se deve terminar uma corrida entre os três primeiros colocados. Também há aqueles em que é preciso fazer um valor mínimo de pontuação.

Inclusive, ter precaução de mais é uma desvantagem. O jogo te incentiva a se arriscar. Os saltos e as quedas livres são uma oportunidade para realizar manobras e acumular pontos. O tempo gasto para finalizar a fase é o que mais conta na hora de calcular a sua pontuação.

Por fim, outro fator interessante é como o jogo incentiva o retorno às fases iniciais. Por algum tempo, me questionei o porquê de tantos trechos com 2 ou mais trilhos paralelos. Eu não precisava me deslocar entre eles para evitar algum obstáculo. A resposta veio mais adiante, com uma nova habilidade. A cidade é realmente o nosso playground.

Velocidade e estilo

O jogo traz de volta convenções visuais e mecânicas típicas de jogos dos anos 2000. Ele é mais um daqueles que não vê problema em compartilhar a tela com efeitos sonoros, onomatopeias, linhas de ação, temporizador, pontuação e até placas de sinalização, entre outras marcações. De modo geral, ele mistura figuras humanas em 2D com cenários em 3D.

O jogo usa a técnica do cel-shading, bastante conhecida por produzir um visual cartunesco para o 3D. A gradação entre a iluminação e a sombra é discreta, o que elimina quase todo o sombreamento.

Por isso os cenários costumam ter texturas mais limpa. Nem sempre o contorno da volumetria fica evidente e o uso de cores sólidas gera um resultado ainda mais homogêneo. É preciso habilidade para não deixar as coisas confusas.

O céu possui aquele azul bem intenso e irrealista, isso quando ele não é laranja ou roxo. Já a estética noturna aproveita bem a intensidade das luzes. As nuvens e o mar são delineados por retículas.

Os diálogos são dispostos como é tradicionalmente feito em visual novels, caixas de texto e imagens estáticas. Mas os personagens principais também possuem modelos 3D que aparecem em algumas cutscenes - em uma versão miniaturizada, vale lembrar que nem os trens estão em escala real.

O design dos personagens é daqueles que se reconhecem só pela silhueta. As gangues são formadas por figuras alternativas, algumas são bem tradicionais da ficção japonesa. Vemos gyarus, sukebans, yankees, policiais e até membros da yakuza.

Essas ilustrações possuem o mesmo uso apurado de cores que os cenários. As telas de carregamento, por exemplo, se destacam pelo contraste entre amarelo e preto, sem tons intermediários. Enquanto as revistas, trazem desenhos com diferentes estilos para cada gangue retratada.

Apesar do foco do seu campo de visão serem os trilhos amarelos, você nunca perde o horizonte de vista. Mesmo durante as voltas vertiginosas que você realiza. É o cenário que se move em sua direção, não o contrário. E o seu olhar sempre está de acordo com o movimento da câmera.

O que você costuma observar do seu trem são a lateral direita dele e o teto - não é à toa que ambos são o foco dos itens cosméticos. Mas ela te acompanha quando você está deslizando por uma superfície lateral. E se afasta quando é preciso expandir o seu campo de visão, ou mudar para um side-scrolling. É bem dinâmico.

Há uma distorção de imagem chamada anáglifo nas bordas da tela. A técnica consiste em duas camadas de cores complementares sobrepostas e ligeiramente deslocadas. É como as imagens feitas para aqueles famosos óculos 3D. É um efeito bonito e que causa um desfoque de movimento.

Por fim, a trilha sonora combina perfeitamente com toda essa excentricidade e a agilidade. São cerca de 80 faixas, feitas com a colaboração de vários compositores. É saboroso ouvi-las durante o gameplay. De forma alguma elas nos distraem do jogo.

Esse é o resgate mais interessante das antigas convenções dos jogos. O impacto dramático de quando a música entra em cena não é limitada a cutscenes. Quase todos os needle drops ocorrem durante a partida. É difícil não se arrepiar ao escutar Takenobu Mitsuyoshi durante uma corrida.

Faça o impossível, impeça o inevitável

Inicialmente, Emi estava mais em busca de aventuras do que em querer salvar o Japão das garras da Miraido. Nem Fernando achou que as coisas iriam escalonar tão rapidamente.

Uma hora ele estava pedindo um delivery de lámem e na outra estava a bordo de um trem em cima de uma roda gigante. É engraçado como esse ritmo acelerado dos Denshattackers virou uma arma contra controle excessivo desta empresa. O enredo é bem despretensioso, foca bastante na comédia e abusa do absurdo. E vale ressaltar que não há limites para este último. O jogo está sempre dobrando a aposta com você.

E por isso é curioso como desigualdade social é abordada de forma bastante direta e explícita no jogo, ou talvez, eu que não esperava por isso. Apesar de ser um universo exagerado, ele explora essas questões de forma mais próxima da nossa realidade.

Pobreza, gentrificação, crise climática, imigração e uma empresa se aproveitando de um desastre natural para gerir negócios. Essas são alguns dos temas que tocam o passado e o presente de alguns personagens. Porém, isto é explorado mais nas fanzines escritas por Fernando.

Esses arquivos em texto precisam ser coletados durante a jogatina para se ter a revista completa. Algumas coisas também aparecem nas conversas nas fontes termais, que só acontecem quando você encontra a saída alternativa de fases específicas.

Apesar de entender que existe uma hierarquia entre o enredo principal, que é vivenciado durante as fases, e essas missões paralelas, que não são obrigatórios, vejo como algo da narrativa, não como secundário.

Faz parte acompanhar as publicações de Fernando. Elas têm destaque no mapa e entre os personagens. Só que, se você não prestar atenção nelas, vai perder essa camada.

A outra temática abordada, mas que desta vez não se limita aos arquivos em texto, sintetiza o zeitgeist da atualidade: o avanço da tecnologia. A própria indústria anda bastante reflexiva sobre o envolvimento desse avanço dentro da indústria de entretenimento.

Vemos isso mesmo entre os blockbusters, como em O Diabo Veste Prada 2. Denshattack não fez diferente. A briga contra a Miraido parece também envolver um desejo em contornar a lógica de que só os algoritmos são capazes de preencher os anseios das pessoas.

Miraido quer substituir os antigos trilhos por vias de trens autônomos — esse é o seu grande projeto de revitalização. Regiões inteiras estão abandonadas e desvalorizadas, pois é a Miraido quem decide o que vale ou não a pena ser revitalizado.

E a única forma de se manter relevante após a grande crise é se uma cidade-domo for construída naquele local. Essa “especulação imobiliária” também acaba isolando tudo e a todos que ficam às margens dos domos. Assim, outros cidadãos passaram a ser vistos como forasteiros em seu próprio país.

Por isso, o contraponto vem dos Denshattackers. São eles que lidam com o mundo fora dos domos. Alguns realmente vieram da periferia, outros só não seguem o padrão comportamental desejável.

Essa comunidade de fanáticos por trens também marca o que a palavra revitalização realmente significa. Revitalizar é para aqueles que já usam o local e não para futuros moradores.

A personalidade das suas máquinas não se resume aos adesivos ou à pintura. Mesmo que isso não impacte tanto no gameplay em si, é interessante perceber todo o cuidado em diferenciar textualmente um trem de carga de um de passagem, por exemplo.

Ou saber que o trem de um dos personagens fazia parte de uma linha exclusiva para aeroportos antes de ser reutilizado. É pela revista que acompanhamos como eles realizam um trabalho artesanal, humano e coletivo.

Fernando também destaca a cultura local em suas edições Denshattackers. Pratos, tradições, dicas de passeios e o que movimenta o comércio local. Já a Miraido, tem uma postura oposta. Chegou a bloquear o acesso aos cervos que circulam pelo parque de Nara, um tradicional ponto turístico da região.

É por isso que no final, Emi percebe que mais vale desafiar a Miraido do que pilotar o seu Vactrem. Para a empresa, os Denshattacks não passam de ferramentas, assim como as pessoas.

A sua narrativa acaba sendo não só divertida, como competente ao abordar os seus temas. E é emblemático ele permitir o jogador errar, enquanto a indústria parece considerar viável a implementação de um auto-play para evitar a nossa frustração.

Denshattack! vale a pena?

Se você gosta de muita ação com toques de uma história engajante, Denshattack com certeza vale a pena. Ele é um jogo desafiador, mas que sabe balancear muito bem isso. Todas as suas rotas são perigosas e é por isso que vale a pena percorrê-las. Além disso, é divertido re-jogar as fases para aumentar a sua pontuação ou realizar as sidequests.

Ainda há mais uma vantagem. O jogo está traduzido para o português brasileiro. O bom humor do original foi muito bem localizado. É um excelente trabalho de John Silva e da Dragonbaby.

Mas vale lembrar que ele é um jogo pesado e não roda em qualquer computador. A exigência mínima é de 12 GB de memória RAM. Para quem possui uma máquina que aguenta isso, Denshattack certamente vai te divertir.

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